lunes, 30 de abril de 2012

El terror de un falso documental


Cuando en 1999 se estrenó El proyecto de la Bruja de Blair nació una nueva concepción en lo que al cine de terror realista se tratase. Desde entonces han pasado por las pantallas varios títulos con la misma estética de falso documental, todos ellos sin quedar inadvertidos y teniendo buena aceptación entre el público. 

En el momento del estreno de El proyecto de la Bruja de Blair se hizo creer al público que se trataba de una cinta real, de algo que había pasado y tal y como se había grabado, se había proyectado en los cines. Fuese por este rumor o porque parecía una forma de terror novedoso, se convirtió en una de las películas de bajo presupuesto más taquilleras y rentables de todos los tiempos. A pesar de haber invertido en su producción unos míseros 22.000 dólares, se recaudaron casi unos 250 millones (ahí es nada); y lo más importante, se convirtió en un hito en el cine de terror. 

El argumento giraba en torno a tres estudiantes de cine  que desaparecieron en los bosques de Burkittsville mientras rodaban un documental. Bajo el supuesto de que tras un año de su desaparición se hallaba la cinta de este documental, es esa misma cinta la que se hace creer al público que se está proyectando en la pantalla del cine. Este efecto de realismo que se respira en toda la película se consigue gracias a cómo fue rodada. Los actores tuvieron que inscribirse en un curso de cine para poder manejar ellos mismos las cámaras. Por un lado, el actor Joshua Leonard rodaba el documental en 16 mm, mientras su compañera Michelle C. Williams se encargaba de narrar y hacer el making of. El rodaje apenas duró ocho días y se basó principalmente en la fuerza actoral y en unas indicaciones muy precisas del co-guionista y el director. ¿El resultado? Un falso documental capaz de engañar a cualquiera. 

Tras el bombazo que supuso este filme, muchos se unieron a la carrera de la estética de falso documental para el cine de terror. El hecho de no utilizar cámaras de cine, de no tener planos cuidados y de usar la cámara como si de la de un videoaficionado se tratase hasta el punto de incluir secuencias que vendrían a considerarse parte de un “making of” es lo que le otorga a estos filmes ese look de documental, de realismo. En base a esto, en 2007 se presentó en Estados Unidos ParanormalActivity (que llegaría dos años más tarde a las pantallas españolas). Los resultados prácticamente se equipararon a los de su predecesora, gozando de una gran acogida por parte del público y arrasando en la taquilla a pesar de haber partido de un presupuesto muy bajo (unos 15.000 dólares, mientras que recaudó cerca de 200 millones). Tal fue el éxito de Paranormal Activity que se espera que durante este año vea la luz la que será la cuarta entrega. 

Pero no creáis que este tipo de cine de terror es exclusivo de los experimentos de los cineastas independientes de Estados Unidos. España se puso las pilas (y muy bien) y no tardó en unirse a esta nueva tendencia del look de falso documental. En el mismo año en el que Paranormal Activity se estrenaba en Estados Unidos, en España se presentaba una de las películas del género de terror españolas que más éxitos iba a cosechar. Se trataba de Rec (2007), que transportaba a este tipo de realización cinematográfica el mundo de los zombies. Tal fue el éxito de la película dirigida por Balagueró y Paco Plaza que en Estados Unidos se hizo un remake (prácticamente reproduciendo cada una de las tomas tal cual se habían hecho) con el título de Quarantine (2008). El éxito de Rec hizo que en 2009 se estrenase su secuela y este mismo año hemos podido ver en los cines la tercera parte, Rec 3: Génesis

Pero aquí no acaba todo y es que Rodrigo Cortés presentó en la pasada edición de Sitges un nuevo filme escrito y producido por él que también se vale de la estética de falso documental. Aunque todavía no tiene fecha exacta de su estreno en España, este verano podrá verse en Estados Unidos y parte de Latinoamérica Apartamento 143(Emergo) (2012). Rodrigo Cortés en este caso nos relatará las vivencias de una familia que presencian en su apartamento presencias y sucesos paranormales. Esperamos que dentro de poco se anuncie la fecha de estreno; mientras tanto, os dejamos con el tráiler. 

sábado, 28 de abril de 2012

Los Vengadores - El clímax de las películas de superhéroes


Nunca pensé que mi primer artículo en Planta 13 fuera sobre una película de superhéroes. Yo que nunca he tenido un comic entre las manos me encuentro ante un folio en blanco haciendo una crítica sobre la película de Marvel por excelencia. No sólo por la variedad de personajes (¿Cómo lo quieres: verde, azul, rojo, negro, con arco, escudo, alta tecnología o martillo?), Los Vengadores es el climax de las pequeñas píldoras que han ido sorprendiendo al espectador al final de cada aventura individual de estos seres extraordinarios.

Pero si no habéis visto alguna o ninguna de las otras películas no renunciéis a una grata experiencia, ya que el argumento es sencillo y utilizan casi la primera hora del reclutamiento del equipo, de las dos y media que dura (el primer montaje duraba tres horas), introduciendo a cada uno de los personajes en la trama.

La película no deja indiferente a nadie. Desde el minuto uno cuando vemos a Cobie Smulders, como nunca antes en Cómo conocí a vuestra madre, siendo la mano derecha del grandioso Samuel L. Jackson hasta el disfrute de ver a Hulk haciendo de las suyas, pasando por los rifirrafes de los integrantes del equipo para llegar a trabajar juntos uniendo sus fuerzas. El director Joss Whedon ha sabido juntar las malas pulgas de Hulk; el humor de un millonario Iron Man; la capacidad de mando del Capitán América; la destreza de Avispa como el Légolas del S.XXI; la divinidad de Thor; y la seducción de una Viuda Negra que compatibiliza con el Wushu, la disciplina china más antigua, a la hora de poner orden.

Si lo que buscas es una aventura fantástica, si flipas con los efectos especiales, si necesitas presenciar intensas peleas entre buenos rebeldes y malos desalmados o incluso si lo tuyo es soltar unas buenas carcajadas está es tu película.

Nuria Martín


viernes, 27 de abril de 2012

Crítica de "Martha Marcy May Marlene"


La ansiada ganadora de los premios Sundance de 2011 por fin llega a las pantallas españolas. Tras haber cosechado el pasado año varios triunfos y nominaciones por distintos festivales y premios y sin haber podido gozar en un principio de una buena distribución; el primer filme de Sean Durkin se estrena hoy en España. 

Martha Marcy May Marlene, cuatro nombres que representan la complicada mente de la joven protagonista casi como si de cuatro mujeres distintas se tratase. Martha huye de una secta donde ha estado aislada los dos últimos años para refugiarse en casa de su hermana recién casada. A pesar de la ayuda de ésta, Martha es incapaz de compartir todo lo traumáticamente vivido en aquel lugar y pronto el miedo y los recuerdos se van apoderando de ella. A modo de flashbacks podremos ir conociendo con sutileza las particularidades del entorno que han cambiado a la muchacha hasta el punto de no saber distinguir lo correcto y lo socialmente reconocido como normal, de lo que no lo es. 

Durkin nos muestra dos historias paralelas para comprender como Martha emprende su viaje hacia la inestabilidad mental: la de la Martha actual y la de Marcy May y Marlene que ocuparon su cuerpo en búsqueda de pertecener a un grupo mientras se encontraba en una secta envuelta en sexo, drogas y violencia creada por una especie de gurú que goza de un extraño equilibrio entre lo repulsivo y lo carismático. Jugando con la confusión de la propia protagonista, el director nos adentra en una historia que se sitúa entre el drama y el terror psicológico donde consigue llevar al espectador a un estado de incomodidad y tensión permanente donde el horror se hará presente en varios de los puntos álgidos de la película.

Técnicamente correcta y con una ambientación que nos lleva a unos Estados Unidos salvajes que huelen a “country” y saben a una libertad aparente. Por un lado, la fotografía se hace dueña de la pantalla llenándola de tonos tenues y tan sutiles como el horror de la historia que se nos presenta. Por otro lado, en lo que se refiere a la banda sonora, Durkin se ha valido de eso que dice “más vale poco y bueno, que mucho y malo”; y es que, a pesar de carecer casi completamente de música ambiental dejando en muchos casos desnuda una tensión que sólo bebe de las imágenes, la escasa música que aparece posee un especial encanto que enriquece sin duda al filme. Es el caso del tema Marcy’s song, interpretado por John  Hawkes acompañado tan solo de una guitarra, que compone uno de los momentos más fascinantes de la película por su belleza y sencillez. 

Aún con todo esto, la clave principal de la película en realidad se encuentra en su propia protagonista. La actriz Elizabeth Olsen (a la cual hemos visto recientemente en LucesRojas de Rodrigo Cortés) eclipsa la pantalla con una actuación impecable que vira constantemente entre distintos estados de ánimo. Parece mentira que la joven debutante se haya podido deshacer tan rápidamente de lo que supone ser la hermana de las conocidas gemelas Olsen para hacerse con un reconocimiento por parte del público y la crítica en el mundo de la interpretación. Eso sí, todo de mérito propio y por supuesto, merecido. 

En definitiva nos encontramos ante un relato que desconcierta tanto como gusta, ante una historia que nos llevará a través de la búsqueda interna de Martha hacia sus temores más profundos y ante una película que no dejará a nadie indiferente. 

jueves, 26 de abril de 2012

Rusell Crowe será Noe en la nueva épica de Aronofsky


Paramount Pictures y New Regency Productions han anunciado conjuntamente esta semana que el oscarizado Russell Crowe ha sido incluido como Noé en el reparto del largometraje del mismo nombre del director Darren Aronofsky. Paramount estrenará la película el 28 de Marzo de 2014. Aronofsky ha declarado: “Quisiera dar las gracias a Paramount y a Regency por apoyar el esfuerzo de mi equipo para insuflarle una nueva vida a esta epopeya bíblica. Estoy muy contento de tener a Russell Crowe a mi lado en esta aventura. Gracias a su inmenso talento puedo dormir bien por las noches. Estoy deseando que me asombre cada día”.

Noé es una fiel adaptación de la historia bíblica del Arca de Noé. En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. El guión está escrito por Aronofsky y Ari Handel y revisado por el guionista nominado al Óscar John Logan (Gladiator, Hugo). Scott Franklin y Aronofsky de Protozoa Pictures, junto con Mary Parent de Disruption Entertainment, producirán la película. Los productores ejecutivos de la película serán Ari Handel (Cisne Negro), Arnon Milchan de New Regency y Chris Brigham (Origen). El rodaje de la película comenzará el mes de Julio en Islandia y Nueva York con una fecha de estrena prevista para Marzo de 2014.

Aronofsky, al igual que hiciera para La fuente de la vida, creó una novela gráfica que ilustrara lo que pretendía hacer con la historia, de forma que pudiera usarla como ejemplo visual en su búsqueda de financiación. Inclsuo se lanó un trailer de presentación de esta novela gráfica. 

miércoles, 25 de abril de 2012

"The pelayos" - Crónica de una noche en los casinos


El pasado miércoles asistimos a un pase especial en las oficinas de Sony Pictures España, gracias a nuestros amigos de Sensacine. La película proyectada era The Pelayos, que llegará a las pantallas este viernes. Y, qué quieren que les diga, esperaba haberme aburrido más, para que les voy a engañar. No suelo tener prejuicios contra el cine español, pero ciertos directores ya consagrados no me inspiran mucha confianza. Digamos que confío en las nuevas generaciones, pero todos los demás directorers terminan ofreciéndome un cine demasiado... "español". En el peor sentido de la palabra. Ya saben, las habituales películas con putas, sexo, guerras civiles, drogas y dramones sociales muy bien interpretados pero que no entretienen demasiado. Así que cuando las luces de la sala privada de Sony Pictures se apagaron y comenzó el filme, no teníamos muy claro que nos fuera a gustar la película de Eduard Cortes. Nos equivocamos.

El filme comienza con una promesa, con una imágen que volveremos a encontrarnos hacia el tercer acto. Y así, en unos pocos planos y con una voz en off, ya nos han metido en la película. "Esta es la historia de un sueño", confiesa como un susurro al oído del espectador la voz de Daniel Bruhl. Y el espectador, qué remedio, se deja seducir. Porque el sueño es desbancar un casino. Y porque sí, a ver si queda claro, el cine español debería beber más de nuestra Historia, leyendo nuestros periódicos. Porque la cruzada personal de la familia Pelayo, narrada con un elegante y rítmico estilo por Eduard Cortes, fue uno de los temas más en boca de los españoles en los noventa, cuando la familia consiguió desbancar un casino de forma legal. La familia Pelayo fue la única en el mundo en conseguirlo. Juntos, los Pelayo hicieron Historia. Y ahora, el cine, les hace justicia con esta película. 

El filme es sin duda entretenido, visualmente atractivo y juega muy bien entre la comedia y la seriedad que la historia requiere. El plantel de actores está correcto, sin grandes estrellas pero actuaciones solventes de todos ellos. El siempre efectivo Lluis Homar se echa la familia a la espalda interpretando al patriarca de los Pelayo, aunque realmente sea Daniel Bruhl quien se coma la pantalla con su estilazo y sus dotes de líder.

Sin embargo, seguimos encontrando retales de ese cine español que ha marcado y define varias generaciones de cineastas, incluso aunque el director sea novel en largometrajes como es el caso. Encontramos secuencias de sexo, siempre "necesarias" en toda película española aunque no aporten nada especial ni sean necesarias para definir a los personajes. El humor corre el riesgo por momentos de decantarse por la vertiente más Torrentiana de la comedia. Pero consigue mantener la frente bien alta y no caer en lo burdo. Para terminar el apartado de notas negativas,  lanzamos una aviso para aquellos que estudien o trabajen en fotografía:  el foco está muy al límite durante gran parte del metraje, muy forzado, y puede poner ligeramente nervioso a más de uno. A nuestra Natalia Vivancos, habitual en todos estos saraos con Sensacine, le pasó. 

Pero para el público medio, el espectador que va una noche de sabado o una tarde de domingo al cine, la película le resultará más que divertida y entretenida, a pesar de un cierto bajón de ritmo en el segundo acto. Y es que da gusto ver productos como The pelayos, una película que con sus "peros" sobresale entre los estrenos habituales de la cartelera española como una cinta de entretenimiento puro.

martes, 24 de abril de 2012

Sony presenta sus grandes apuestas en el Festival de Málaga


Dentro de la Sección 5 minutos de cine del Festival de Málaga, se han presentado este martes las primeras imágenes de FIN, la opera prima de Jorge Torregrossa, protagonizado por Maribel Verdú, Daniel Grao, Clara Lago, Carmen Ruíz, Andrés Velencoso, Blanca Romero, Miquel Fernández y Antonio Garrido. El filme se estrenará en cines el próximo 31 de agosto de 2012. “FIN” es una producción de Mod Producciones, Apaches Entertainment, Antena 3 Films y Misent Producciones, con guión de Sergio G. Sánchez (Lo Imposible, El Orfanato) y Jorge Guerricaecheverría (Celda 211), basado en la novela homónima de David Monteagudo (Acantilado) y su distribución corre cargo de Sony Pictures Releasing de España.

La historia cuenta que  un grupo de amigos se reúne tras años sin verse durante un fin de semana en una casa en la montaña. La sombra de un turbio episodio del pasado planea a lo largo de la reunión. Durante la primera noche, un extraño incidente altera sus planes quedando completamente aislados. Deciden salir y buscar ayuda. Pero en el camino el grupo se desintegra mientras un nuevo orden natural se impone.



El otro trailer presentado este martes por Sony es el de El Cuerpo, thriller dirigido por Oriol Paulo con José Coronado, Hugo Silva y Belén Rueda, sobre la investigación que emprende un policía (Coronado) ayudado por el marido de la mujer que ha de buscar tras haber desaparecido. El Cuerpo es un thriller psicológico con toques de terror. "La película nace con un gran interrogante, con una pregunta de respuesta imposible. Así pues, El Cuerpo es un descenso al purgatorio donde viven nuestros pecados", asegura el director en las notas de producción del filme. El protagonista tiene que afrontar un hecho inexplicable: el cuerpo de su mujer ha desaparecido de la morgue.

lunes, 23 de abril de 2012

Crítica de "La Maldición de Rookford"


Nick Murphy, director conocido por series como Invasión Jurásica o Antigua Roma entre otras, da el salto a la gran pantalla con La maldición de Rookford (The Awakening) que llega este fin de semana a las pantallas españolas. El propio Murphy se ha encargado del guión adentrándose por primera vez en el género de terror, para lo cual se ha servido de la ayuda de Stephen Volk, especialista en este género.  

La película nos lleva directamente a una Inglaterra de los años veinte sumergida en traumas y lamentos a causa de la Primera Guerra Mundial. En ese escenario, la joven Florence Cathcart (Rebeca Hall) se ha especializado en destapar los fraudes y misterios que se esconden tras distintos fenómenos paranormales ayudándose de sus conocimientos científicos y de un gran escepticismo. Estos dos pilares se verán tambalear cuando la joven científica acepta el reto de resolver el misterio de la aparición del fantasma de un niño en el internado de Roockford, obsesionándose y obligándose a sí misma a llegar al fondo de una cuestión que cambiará para siempre su mundo. 

Sin duda, uno de los puntos fuertes de la película reside en la escenografía que supone la fría Inglaterra de los años veinte; unido, cómo no, a lo escalofriante que puede llegar a ser un internado de niños en medio de un bosque (a pesar de ser un tópico). Más allá de eso, el argumento puede parecer falto de originalidad y recordarnos a otras películas (de las que sin duda se ha servido) como Los Otros o El Orfanato. A pesar de que el planteamiento del filme arranca con fuerza atrapando al espectador, el ritmo y el interés que se genera en un principio  va decayendo hacia la mitad final; incluso dando un giro en el último momento que resulta algo decepcionante para lo que se podría esperar de la premisa de que parte. Aún así y más allá de algún que otro susto,  la película nos ofrece una reflexión sobre la negación humana como autodefensa, esa ceguera que nos creamos nosotros mismos ante lo que no queremos ver.

En cuanto al reparto, Rebecca Hall hace un excelente trabajo en el papel protagonista. La actriz que se dio a conocer mundialmente de la mano de Woody Allen en Vicky CristinaBarcelona (2008) dota de gran atractivo a la película y se convierte en uno de los cimientos de la misma, sin menospreciar al elenco que le acompaña entre los cuales destaca Dominic West a quien hemos visto en películas como 300 o Chicago. Aún así Rebecca Hall consigue eclipsar al resto del reparto y demuestra, una vez más, que esto de la actuación y el cine corre por sus venas (es hija del director Peter Hall y de la actriz, María Ewing). 

Por último, en la parte técnica, cabe mencionar el buen trabajo de fotografía que corre a manos del barcelonés Eduard Grau y que consigue crear una atmósfera fría que envuelve constantemente a los personajes resaltando aún más la impresionante escenografía con la que cuenta la película. Sin duda, dejará satisfechos a los más exigentes en cuanto a imagen visual se refiere, a pesar de que el guión pueda cojear en algunos puntos. 

En definitiva, y sin pretensiones de llegar a más, la película acaba resultando entretenida y recomendable para pasar un buen rato en el cine, llevándonos incluso algún que otro sobresalto. 

domingo, 22 de abril de 2012

La NBC planea siete temporadas de Hannibal


Ya comentamos en su momento que la NBC dará luz verde a una primera temporada de trece episodios para Hannibal, la adaptación televisiva del icónico asesino en serie creado por Thomas Harris y conocido por la interpretación de Anthony Hopkins. 

El showrunner Bryan Fuller habló con EW sobre un potencial arco de siete temporadas, que vendió a la cadena en el primer acercamiento y que podría llevar a la pequeña pantalla no solo la novela Dragón Rojo sino también El Silencio de los Inocentes y Hannibal. Desde antes de su arresto en las priemras temporadas hasta los últimos acntecimientos narrados en las novelas. Un plan que asegura unas directrices marcadas para cada temporada y guión, sabiendo de dónde vienen y a dónde van, algo que no muchas series peden asegurar: “Hay una disposición alegre para nuestro Hannibal, no está siendo telegrafiado como un villano. Si la audiencia no sabe quién fue, no lo verán venir. Lo que tenemos es el principio del suspenso de Alfred Hitchcock, muestra a la audiencia la bomba bajo la mesa y déjalos sudando mientras esperan a que explote. La audiencia sabe quién es Hannibal Lecter, por lo que no necesitamos exagerar sus rasgos de villano. Podemos trastornar la cabeza de su legado y dar a la audiencia giros y cambios“, explicó el showrunner.

La nueva serie estará centrada en la relación de Lecter con el agente del FBI Will Graham, interpretado por Hugh Dancy, y también cambiará el género de algunos personajes secundarios, como es el caso del reportero de tabloide Freddy Lounds, que ahora será Fredricka, interpretado previamente por Stephen Lang y Philip Seymour Hoffman. 

Hannibal sin Hopkins no suena bien. Pero lo mismo pasaba con Jack Nicholsony su personaje de El Joker, hasta que Heath Ledger tapó la boca de muchos con su oscarizada interpretación, como memorable fue la aparición de Billy Crystal emulando a Lecter en la ceremonia de los Oscars de 1992. Click en la foto para ver el video.


viernes, 20 de abril de 2012

REC: Historias inéditas: "Hay, hubo y habrá más REC"


El pasado míercoles se presentó en la famosa librería Ocho y Medio de Madrid el comic REC: Historias inéditas. Paco Plaza, Jaume Balagueró y Hernan Migoya se encargaron de dar a conocer los detalles de esta publicación que expande el universo de la saga con cinco subtramas inéditas, gracias a la colaboración de artistas hispanoaméricanos como Andrea Jen, Feliciano G. Zecchin, Álvaro Ruilova, Salvador Sanz y Joan Marín.

La primera, titulada "Encerrados", continúa la subtrama abierta acerca de qué pasó con los los chicos que aparecen en REC 2. Mire, Tito y Ori quedaron encerrados dentro del ya mítico edificio del Exaimple barcelonés. Esta primera historia sorprende por su carga sexual, quizá no muy apropiada para el filme y que quedó fuera de la película. "El comic demanda historias mucho más locas", aseguraba Jaume Balagueró durante la presentación."Cuando le das muchas vueltas a un tema surgen multitud de ideas que al final, por unas razones u otras, se abandonan porque son pequeñas para el largo, demasiado difíciles... Con el comic encontramos la forma de darles salida", continuaba el director catalán.

La segunda historia, por ejemplo, es una de esas tramas que los fans demandaban (y que muchos critican que no se explorara en REC: Génesis): el origen de la Niña Medeiros. Es una de las historias más originales por su concepción de trama prácticamente muda, algo que Paco Plaza había ideado inicialmente como un corto: "Quise hacer un cortometraje sobre la leyenda de la Niña Medeiros, en el que un programa de televisión tipo 'Cuarto Milenio' encuentra y proyecta una cinta en la que se explica ese origen", aseguraba el director de Rec: Génesis quien, además, añadió que "hay una subtrama en esta tercera película de la saga que queda abierta para explorar en otros formatos". 

Balagueró aseguraba durante la presentación del comic que el guión de REC Apocalipsis está prácticamente cerrado y que durante la lluvia de ideas para la película surgió una que ha acabado en los comics. Se trata de la tercera historia, una trama que convierte al mítico Copito de Nieve en un zombi y que se desarrolla en el zoo de Barcelona. Como el resto de tramas, esta historia surgió en una terraza en la que Plaza, Balagueró y Migoya se reunían para jugar con el universo de REC: "Nosotros dimos las ideas y las pautas (comentaba Paco Plaza) pero fue Hernan quien montó y editó el comic finalmente". 

El cuarto relato se centra en otra de esas historias "que se quedan fuera de la película y la gente seguía preguntándonos". Se trata del Padre Albelda, sus experimentos con Tristana Medeiros y los niños que aparecían en el edificio de REC 2, dentro del ya infame edificio barcelonés. Entre miradas cómplices y comentarios confusos, Plaza y Balagueró dejaron entrever que quizá en esta historia los fans puedan encontrar alguna pista sobre REC 4

La última historia funciona como prólogo a Rec Génesis y enlaza las tramas de las dos primeras películas con la tercera a través de Max, el perro que inicia la infección. Así se completa el comic, ampliando con diferentes géneros, nuevas historias y más enriquecen el universo de REC, una marca que empieza a funcionar por sí sola: "Es como sentir que tiene entidad propia", confesaba orgulloso Balagueró. 

Aunque en este negocio todo depende de cómo funcione económicamente el proyecto, lo cierto es que tanto los directores como Migoya estarían dispuestos a volver a sacar un segundo tomo: "No descartamos crear más historias y lanzar un segundo tebeo", aseguraba Paco Plaza. En definitiva, el comic es impresidindible para los fans, que disfrutarán con un volúmen repleto de sangre, locuras y la resolución de algunas incógnitas que muchos esperaban encontrar en Génesis. 

REC: Historias inéditas es la prueba de que la saga continúa creciendo , expandiendo un universo que puede gustar más o menos, pero que sigue triunfando en todo el mundo. Así que sí, tal y como dijo Jaume Balagueró durante la presentación en Madrid, "hay, hubo y habrá REC".

jueves, 19 de abril de 2012

Bruce Willis contra Joseph Gordon Lewitt


Looper, el nuevo trabajo de Rian Johnson (Brick) nos presenta un mundo en el que existen los viajes en el tiempo; sin embargo, debido al peligro que entraña, es una tecnología prohibida, así que ha pasado a ser utilizada en el mercado negro. Gordon-Levitt interpreta en la película a uno de los “looper” del título, asesinos de encargo que acaban con las personas que han sido enviadas a través del tiempo desde el futuro, consiguiendo de esta manera que no quede rastro del crimen.

miércoles, 18 de abril de 2012

Empieza el rodaje de “Hitchcock” con Anthony Hopkins


Fox Searchlight Pictures y Montecito Pictures han anunciado que el rodaje de la película Hitchcock comenzó el trece de abril en Los Ángeles. Los protagonistas serán los oscarizados actores sir Anthony Hopkins como Alfred Hitchcock y Helen Mirren como su mujer, Alma. Sacha Gervasi, cuyo debut en la gran pantalla ANVIL! El sueño de una banda de rock ganó en 2010 el premio al Mejor Documental en los Independent Spirit Awards, será el director. El guión es de John McLaughlin, revisado por Ryan Murphy, Stephen Rebello y Sacha Gervasi, basado en el libro Alfred Hitchcock and the Making of Psycho de Stephen Rebello.

Hitchcock es una historia de amor sobre uno de los cineastas más influyentes del siglo pasado, Alfred Hitchcock y su mujer y compañera, Alma Reville. La acción tiene lugar durante el rodaje de Psicosis, la película más importante de Hitchcock. En la película también aparecerán Scarlett Johansson (Lost in translation) como Janet Leigh, James D’Arcy (Master and commander) como Anthony Perkins, Jessica Biel (El ilusionista) como Vera Miles, Michael Stuhlbarg (Un tipo serio) como Lew Wasserman y Toni Collette (Pequeña Miss Shunsine ) como la secretaria de Hitchcock, Peggy, entre el gran plantel de actores que interviene en el filme.

lunes, 16 de abril de 2012

Resident Evil: Operation Destroy Franchise

En teoría, Resident Evil: Operation Raccoon City tenía todos los ingredientes para haber sido un buen juego. Una franquicia respetada y querida, un concepto interesante que se desviaba de los RE clásicos, una combinación equilibrada de personajes nuevos y viejos… Entonces, ¿qué fue lo que falló estrepitosamente, para acabar derivando en un título tan mediocre? A continuación os exponemos las claves de cómo NO se debe hacer un Resident Evil.

Misión 01_Abaratar costes a cualquier precio

El primer problema lo encontramos en su conceptualización. En los últimos años Capcom le ha cogido gusto a la deslocalización, o dicho de otra manera, contratar a desarrolladoras extranjeras desconocidas para abaratar el coste de producción de secuelas de sus juegos estrella. El resultado: juegos baratos que los fans de esas franquicias comprarán en masa. Lo cierto es que esta mentalidad, a priori nefasta, ha tenido resultados tan aleatorios como tirar una moneda al aire. Por un lado tenemos los aciertos, como la saga Dead Rising de la canadiense Blue Castle, y por otro los errores, como el Bionic Commando del estudio sueco Grin. Con Operation: Raccoon City a cargo de la canadiense Slant Six Games, la moneda cayó por el lado que no debía. Misión cumplida.

Misión 02_Ofender a los fans

El siguiente problema lo tenemos en el tratamiento. El juego está ambientado entre Resident Evil 2 y Resident Evil 3, o dicho de otra manera, en plena masacre zombi de Raccoon City por culpa del virus-T de la Corporación Umbrella. El jugador asume el papel de un comando especial al servicio de la corporación, con el objetivo es destruir las pruebas que incriminan a Umbrella en el desastre. La idea es realmente original, y poner al jugador en la piel de los malos nos ofrecería la oportunidad de experimentar sucesos bien conocidos desde otra perspectiva totalmente distinta. Desafortunadamente el argumento está desaprovechado, con una narrativa extremadamente lineal y previsible, llena de personajes tópicos de frases clichés, y que no sólo no aporta ningún dato interesante que no conociéramos ya, sino que en ocasiones abandona el sentido común y cae en absurdas contradicciones con títulos anteriores. Misión cumplida.

Misión 03_Eliminar cualquier control de calidad

Los problemas se multiplican en la ejecución. Sabiendo que su argumento insulso no va a ser lo que nos enganche, lo menos que se le puede pedir al juego es que funcione correctamente y que sea entretenido. Operation Raccoon City se presenta como un shooter táctico cooperativo con cámara al hombro (un cruce entre Gears Of War y Team Fortress), ofreciéndonos la posibilidad de elegir con qué miembro del comando queremos jugar, y en función de eso dispondremos de distintas habilidades y armamento. De nuevo un planteamiento interesante, y de nuevo un planteamiento que no funciona por varias razones.

En primer lugar, la inteligencia artificial tanto de aliados como de enemigos es irrisoria, eliminando cualquier sensación de realismo o de tensión que pudiera tener el título. Bien es cierto que el juego está diseñado para disfrutarlo online con nuestros amigos, pero eso no justifica la ineptitud de los bots, especialmente los de nuestro bando. No deja de sorprendernos la insistencia con que nuestros compañeros de comando se cruzan por delante nuestro en mitad de un tiroteo, o marchan a paso ligero hacia zonas sembradas de minas antipersona, muriendo en segundos. Muy parecido a lo que ocurre con nuestros enemigos, con la inteligencia de un zombi, incluso los que no son muertos vivientes.

Por si esto fuera poco, el sistema de apuntado es frustrante e impreciso, y la cantidad de daño que reciben los enemigos parece aleatoria. En ocasiones un licker caerá después de algunos disparos, mientras que otras veces harán falta varios cartuchos. Por eso, la mejor opción suele ser correr hasta los enemigos y atacarlos con nuestra arma blanca, que por alguna extraña razón es mucho más efectiva que cualquier arma de fuego (algo irónico, ya que el pretendido shooter se acaba convirtiendo sin quererlo en un hack & slash).

A esto hay que sumarle el sistema para ponerse a cubierto, que es automático. En cuanto nos acerquemos a una pared o, por ejemplo, una caja, nuestro personaje se cubrirá instantáneamente detrás. Aunque aparentemente útil, el sistema entorpece cuando ocurre accidentalmente. Y ocurre con demasiada frecuencia.

Para redondear, Slant Six Games se ha esforzado muy poco por recrear la característica atmósfera de terror de los Resident Evil, que como los fans bien saben es una pieza fundamental para una experiencia genuina. Los escenarios tienen escaso detalle y su diseño es muy lineal y repetitivo, sin que haya uno sólo que destaque especialmente sobre los demás. Llegan a ser tan genéricos, que uno olvidaría que estamos en Raccoon City si no nos lo recordaran. Misión cumplida.

Misión 04_Crear un multijugador que no funcione

Aún con todos los problemas anteriores, si algo se le podía exigir a este juego era un multijugador de primera categoría, porque precisamente Operation Raccoon City se diseño alrededor de la idea del cooperativo. La experiencia del modo campaña es claramente superior, aunque sólo sea porque nuestros compañeros de comando actúan siguiendo la lógica y no el azar. El multijugador en si mismo no es gran cosa, sufriendo los mismos problemas que hemos venido comentando. De nuevo, la idea de luchar codo con codo con un amigo mientras acribilláis ola tras ola de zombis y hunters es fantástica, pero la combinación de escenarios mal diseñados y enemigos ineptos echan por tierra la experiencia. Misión Cumplida.

Misión final_Conclusiones

Tenemos ante nosotros un spin off de Resident Evil que podría haber sido algo grande, especialmente en un momento en el que los shooters están en la cúspide del entretenimiento virtual. Sin embargo, una decisión errónea detrás de otra elimina cualquier posibilidad de pasarlo bien con nuestros amigos o en solitario.

A pesar del desastre, Capcom no tiene intención de cambiar de política. Al fin y al cabo, ¿por qué no exprimir a los fans si están dispuestos a aflojar el bolsillo? Lo último que hemos sabido es que el desarrollo de la tercera entrega de Lost Planet, Lost Planet 3, corre a cargo del Spark Unlimited, responsable de dos de los peores shooters de la presente generación (Turning Point: Fall of Liberty y Legendary). Que Dios nos coja confesados, porque la irresponsabilidad de “Crapcom” no conoce límites. Fin del juego.

Nota final: 3 zombis catatónicos sobre 10

¿Por qué nos gustan tanto las películas de exorcismos?



Desde que en 1973 se proyectase en las pantallas de medio mundo la escalofriante historia de una niña poseída, parece que las películas sobre exorcismos hayan ido ganando en popularidad año tras año. El Exorcista de William Friedkin marcó un antes y un después en el cine de terror y abrió un camino nuevo en lo que a terror psicológico se refiere. 

El cine de exorcismos es un cine que funciona y que siempre consigue mover algo dentro del espectador; o al menos, que consigue que éste sienta la suficiente curiosidad para ver la película. Así que no es de extrañar que en los últimos años numerosos títulos sobre posesiones hayan asaltado las pantallas. Desde la recién estrenada Devil Inside (2012) hasta la precuela de El Exorcista de 2004, The Exorcist: The Beginning; pasando por un terror más desenfadado protagonizado por atractivos adolescentes como fue Jennifer’s Body (2009). ¿Pero qué tienen estas películas que atraen tanto y horrorizan a la vez?

Lo primero que tenemos que tener en cuenta es la sociedad en la que triunfan estos títulos. La mayoría de ellos consiguen su mayor expectación en países occidentales donde la religión cristiana está altamente extendida. ¿Y qué tiene que ver esto? Muy sencillo, si se cree en Dios, se cree en el diablo (o al menos, eso se inculca en la misma fe cristiana). Así que las películas de posesiones y exorcismos parten de un terror “real” que una gran parte de la población ya tiene interiorizado antes de dirigirse a cualquier cine a ver una de estas historias. 

Por si partir de miedos internos que forman parte de las creencias de un espectador no fuera suficiente, la mayoría de estas historias se apoyan en lo que se podría considerar “una falsa verdad” puesto que dicen estar basadas en hechos reales. Es el caso de El exorcismo de Emily Rose (2005), que está inspirada en un exorcismo real que acabó con la vida de la joven alemana Anneliese Michel. La verdad es que la adolescente murió a causa de deshidratación y desnutrición puesto que “los demonios” no le dejaban comer, cosa que su familia creyó cierta a pesar de que la niña sufría desde hacía años epilepsia y trastornos esquizofrénicos. Aún así este caso alimentó bien al cine y le dio el maravilloso halo que otorga ese “basado en hechos reales” que en cine de terror se puede traducir como: “si la película de por sí ya te daría miedo, piensa que esto pasó de verdad y no duermas en tres noches”. O lo que es lo mismo “ve a verla y descubre un caso real sobre una de las cosas que ya temes”. 

Sea como sea lo que nos llame la atención de ello, utilizar casos reales en el cine de exorcismos es uno de sus pilares básicos. Mismamente la propulsora de estas películas, El Exorcista (1973), estaba basada en una novela inspirada en hechos reales. U otras películas más actuales como El Rito (2011), protagonizada por Anthony Hopkins, también dice estar basada en un verdadero exorcista que a día de hoy sigue ejerciendo, pero que si decidiéramos investigar un poco por internet nos daríamos cuenta de que la película dista mucho de la realidad. 

Seamos creyentes o no, pensemos que estos casos fueron reales o no, lo cierto es que estas películas gustan y han sido elegidas por el público como uno de los tipos de cine de terror que más pavor causan. Así que los fanáticos de las posesiones y estos rituales pueden estar tranquilos porque prácticamente tienen al menos un título al año asegurado (si todo sigue como en los últimos años). Nosotros os dejamos con el tráiler de Devil Inside estrenada el mes pasado y con unas cuantas cuestiones en el aire ¿Os gustan las películas de exorcismos? ¿Os dan verdaderamente miedo? Y ¿Por qué creéis que es así? Animaros y dejarnos vuestra opinión. 

domingo, 15 de abril de 2012

The walkind dead: ¿Qué esperar de la tercera temporada?



En Planta 13 nos gusta centrarnos en un sólo tema, así que esta semana voy a centrarme en The walking dead.  Hablaré exclusivamente de tres cosas: la cárcel, Michonne y el gobernador. Pero claro, los que hayan leído los comics, que se que más de uno está aquí leyendo esto, sabrá que el gobernador en un motherfucker en toda regla y que va a liarla bien. Así que sí, aunque no son spoilers de la serie, sino suposiciones basadas en lo que acontece en los comics, vamos a soltar unos cuantos detalles un poco heavys, si los guionistas siguen las líneas originales. 

¿Seguis conmigo? ok... Pues adelante...

La cárcel: 
La cárcel será un lugar en apariencia seguro. Un refugio que podría durar de por vida pero en el que por supuesto se torcerán las cosas y nuestros protagonistas tendrán que salir por patas. Allí se deberían encontrar con algunos reclusos, unos cuantos walkers y poco más.  Decisiones y descubrimientos importantes que se producen en los comics serían un poco descafeinadas dado el final de la segunda temporada, así que me saltaré esa parte. En la cárcel deberíamos conectar directamente con los dos personajes reseñables de la tercera temporada: Michonne y el gobernador, pero vallamos por partes...

Michonne: 
La hemos conocido gracias a Andrea.  Bueno, de hecho, Andrea es la que debe dar las gracias por haberla conocido.  En cualquier caso sabemos de ella que es fuerte; que, para ser mujer, los tiene bien puestos (no deja de llevar dos walkers sin brazos como si fueran unos bonitos perritos). Podemos suponer que se encontrará con el grupo en la cárcel, donde de primeras irá bastante por su cuenta. Entre que estamos hablando de suposiciones y mi vago conocimiento sobre el comic, no tiene sentido contar mucho más, puesto que cambiará seguramente en la serie. Así que ahí lo dejamos...

El gobernador: 
Es un tipo como el nuevo rey de Game of Thrones. Todos le querremos ver muerto, a poder ser, y si no es mucho pedir, después de sufrir terribles torturas. Y al mismo tiempo, esperamos que esté mucho tiempo haciendo sufrir a los personajes. (Ojito, que se acerca la frase rompeculos y no apta apra anti spoilers de la entrada de hoy). El gobernador es un ser despiadado.  En términos más coloquiales: un auténtico hijo de puta (seguís leyendo? Ok, no digáis que no os he avisado): primero secuestrará a parte de los protagonistas para hacerlos luchar en la arena contra Walkers sólo por diversión,  le cortará una mano a Rick y encima violará a Michonne.  (Os avisé) Vamos, que el Gobernador es un cacho de pan…. Aunque se pueda creer que estará en la cárcel, no es así, el gobernador está en su pueblo, Woodbury, donde es el jefe y donde se hace lo que él dice, como él dice. Si no, a la arena contra un Walker. Así que puede darnos uno de los mejores personajes de la serie si lo hacen bien, que lo harán, porque El Gobernador no es un secundario sin más… 

Poco más puedo decir, la semana que viene haré algo más elaborado, y es que demasiado trabajo de reconstrucción en Sera no me deja suficiente tiempo libre en Planta 13, pero me esforzaré por hablaros tal vez de Breaking Bad o Supernatural, o True Blood, o Fringe.... Será por series....

Marcus Fenix

sábado, 14 de abril de 2012

Crítica 'The cabin in the woods' - Deconstruyendo el género


¿Saben de esas críticas en las que el periodista suelta aquello de "hablar de esta película sin destriparla es imposible"? Bueno, pues en esta ocasión es totalmente cierto... Siempre que no hayas visto el trailer de la película. Porque para aquellos que, como nosotros, sí que lo hayan hecho, parte del juego desaparece. Así que aunque nosotros lo pongamos más abajo (y lo pusiéramos hace semanas previamente), recomendamos encarecidamente no ver el avance de esta película. Intentaremos hacer la crítica sin spoilers, pero desde luego, es mejor ir a verla sin haber leído nada. Si te gusta el cine de género, disfrutarás de esta película.  Porque no estamos ante una película de terror, sino una película a cerca de cómo se hacen las películas de terror.

Es como montarse en una montaña rusa. Si se sabe cuándo llega el looping, seguirás disfrutándolo, pero perderá la emoción de lo inesperado. Con The cabin in the woods pasa algo parecido. Los avances enseñan demasiado, aunque la propia película se encarga de revelar parte del misterio casi desde los primeros momentos. Lo que no quita para que el filme sea una carta de amor y odio al cine de terror. Una mezcla de terror y comedia al estilo de Scream y que  vamos a intentar describir con una estructura de tres actos representativos a los tres que desarrolla la película.

Primer Acto - Esto ya lo hemos visto
Todo empieza con la típica trama de un grupo de jóvenes que se van de fin de semana a una cabaña en medio del bosque. Los personajes, prototípicos, no fallan: la virgen (más o menos), la guarra, el friki fumeta, el buen chico y el deportista buenorro. Anna Hutchison, Chris Hemsworth, Fran Kranz, Jesse Williams y Kristen Connolly hacen un buen trabajo llevando los personajes por caminos esperados, a la par que divertidos.

Al mismo tiempo, se nos presenta otra trama, otro mundo, que el espectador pronto conectará con el de los cinco jóvenes. Así es como empieza a sentirse la amenaza. Alguien les vigila, alguien les controla. Y les van a hacer sufrir... En el primer acto de la película encontramos ya detalles y pistas de lo que está pasando. De hecho, demasiadas. A un espectador inteligente poco le costará descifrar lo que está pasando y por qué con tan sólo ver los títulos de crédito iniciales. Nada termina de sorprendernos. Y es parte del juego, puesto que pretende homenajear y criticar a partes iguales los trucos del género.

Viendo que los protagonistas son vigilados por un grupo de gente, el espectador se pregunta: ¿Estamos ante un reality show, un experimento social, una obra macabra para deleite de ricos y aburridos depravados? Por un momento parece que se trate de guionistas y directores de Hollywood creando filmes de terror, especialmente cuando un personaje dice que no son los únicos que están viendo lo que pasa. Y, en realidad, parece el objetivo: hablar de cómo se hacen las películas

Segundo Acto - Vale, tiene su punto, pero necesito más

Conforme la película avanza, vamos conociendo más y más el por qué está pasando lo que pasa. Por qué los chicos se encuentran en esa trampa mortal, cómo funciona el universo en que se mueven y a que se están enfrentando. Y, cuando el espectador lo tiene claro, se divierte, se deja llevar. Sabemos que están ahi encerrados, que los quieren matar. La pregunta es, ¿para que? Sin embargo, conocer la amenaza desde el inicio juega un poco en contra del producto final, pues pierde la capacidad de intimidar e intrigar, para convertirse, quiza conscientemente, en un "quién es el siguiente y cómo va a morir". Al final, la película juega a sorprender al espectador, que, sumergido en un mundo del que cree conocer las reglas, no verá venir algunos de los sustos y muertes de la película. Ya lo decían en Scream 4: "lo inesperado es el nuevo cliché". Y, con ello juegan.

Y así es, los guionistas (Joss Whedon y Deb Goddard) exponen los trucos al espectador, sabiendo que éste anticipará su siguiente movimiento. Porque allí donde la saga Scream deconstruye el género con los diálogos de sus personajes, Cabin in the woods lo hace a través de unos personajes convertidos en marionetas; juguetes con los que un grupo de trabajadores juega como si un guionista jugara con sus persoanjes e ideas a la hora de crear una historia.

Por ello, las secuencias se hacen más divertidas de ver, porque el espectador puede encontrarse asustado (adolescentes principalmente) o dejándose llevar por el juego que propone el director, adivinando con certeza los sustos e identificando las continuas referencias al género (ese sótano en la cabaña). Otros espectadores, sin embargo, no entrarán al juego, buscarán un nuevo Hostel y no lo encontrarán. Pero el que entre en el juego se vera recompensado por el final, gracias a un guión que se reserva un climax antológico para los aficionados al género.


Tercer Acto - Apoteósis para fans

Porque sí, cuando los dos primeros actos han sido un juego de autoparodia, un ejercicio de metalenguaje que deconstruye el cine de género desde sus tópicos, sólo nos queda esperar a que la película termine de una forma más o menos previsible. Pero Whedon y Godard tienen un as escondido en la manga para el tercer acto. Un climax de locura desatada, una orgía de sangre, una bacanal de género que hará las delicias de los aficionados. Aquí es donde The Cabin in the woods termina por triunfar (o hundirse, según el gusto del espectador) y no necesita de un giro final que obligue al espectador a repasar toda la trama de nuevo. No hace falta. Porque los últimos veinte minutos de película son el equivalente fan a desatar al Kraken. La montaña rusa que es la película ha jugado hasta el final del segundo acto en la división de "atracción para amantes de la velocidad" pero, alcanzado el clímax, se convierte en una de esas "atracciones no aptas para cardíacos". Y no, no es que se desate finalmente el terror y el espectador sufra en la butaca. Lo que ocurre es lo más parecido a destapar la Caja de Pandora de nuestras pesadillas, que, al final, es lo que suelen representar las películas de terror. Y, por si fuera poco, el director se permite el lujo de, en plena apoteósis, sacarse una sorpresa final en forma de cameo que los fans del género agradecerán casi con aplausos.

La película, en definitiva, no es perfecta (efectos mejorables, falta de tensión en algunos momentos, no apta para todos los paladares...) pero parece un producto ideal para disfrutar con este homenaje al género. Y es que mientras veía la película, mientras disfrutaba con la locura de sus últimos veinte minutos, una idea mental aterrizó en mi cabeza. Y es que el filme completo, pero especialmente el último acto, harían de The Cabin in the woods la película perfecta para clausurar el festival de Sitges. Un homenaje al cine de género en el que los aficionados irrumpirían en aplausos a los largo del tercer e imprescindible tercer acto.

jueves, 12 de abril de 2012

Se busca acompañante para viajar en el tiempo


Si algo hemos aprendido acudiendo a festivales y escuelas de cine es que utilizando la atracción por el género, puedes contar cualquier historia, por seria, dramática o trascendental que sea. Si quieres llegar a más público sólo tienes que plantear un McGuffin que roce lo fantástico, que circule sobre la linea de la ciencia ficción o el thriller. Lo han hecho filmes como Otra Tierra o Last man from Earth

Una propuesta fantástica para un filme de bajo presupuesto. Un McGuffin que enganche al espectador y que le lleve a través de una historia más propia del drama o la comedia romántica. Algo así parece ocurrir con Safety Not Guaranteed, de la que os mostramos un primer trailer a continuación. 

El filme cuenta cómo aparece en la sección de anuncios clasificados un anuncio de alguien que busca compañero para viajar atrás en el tiempo. Un grupo de tres cínicos empleados de una revista buscarán la historia detrás de tan sorprendente anuncio, y descubrirán a un excéntrico misterioso llamado Kenneth, un empleado simpático pero paranoico de un supermercado que cree que ha resuelto el enigma de los viajes en el tiempo y que piensa partir pronto. Mark Duplass es el extraño que busca a alguien para viajar en el tiempo y Aubrey Plaza es su escéptica compañera. Safety Not Guaranteed está dirigido por Colin Trevorrow y cuenta con guión de Derek Connolly, quien gano el premio en Sudance por su trabajo.