Planta 13

Femme Fatales, una serie de alto voltaje

2012-02-01T14:52:00.000Z

La revista americana Femme Fatales fue fundada por Frederick S. Clarke en 1992 y, básicamente, exhibe cuerpazos de mujeres procedentes de la ciencia ficción, el cine fantástico, de terror, serie B y TV de principios de los noventa. Ahora nos llega también una mini serie de TV.En su primera temporada incluye dieciseis episodios de unos cuarenta minutos de duración y las protgonistas esenciales de cada uno de los episodios son ellas: las femme fatales. Mujeres poderosas, sexys y muy peligrosas. Cada femme fatale se valdrá de sus instintos maquiavélicos, sus técnicas de seducción y sus engaños para hacer frente a cualquier problema, pudiendo llegar a ser incluso, letales.

Con una estética inspirada en las ‘pulp stories‘, el cine negro y las novelas gráficas, las historias son introducidas y conducidas por una misteriosa anfitriona llamada: Lilith, interpretada por Tanit Phoenix (Death Race 2). Pese a que cada episodio está protagonizado por una femme fatale distinta, diferentes personajes y argumentos, algunos de ellos se entrelazan. El papel que desempeña Lilith es como el del Guardián de la Cripta. Ella es la anfitriona, el nexo de todas las historias, de todas las tramas; ella es la que nos introduce en este mundo de seducción, engaños, sexo y muerte.

Sus creadores son los productores Mark A. Altman y Steven Kriozere y los capítulos son dirigidos por Darin Scott, Robert Meyer Burnett, Mark A. Altman, Michael Hurst y Greg Pritikin.Estos son algunos de los títulos de los episodios ya emitidos.

Behind Locked Doors
Bad Medicine
Something Like Murder
Speed Date
The White Flower
Girls Gone Dead
Haunted
Angel & Demons
Help Me, Rhonda
The Clinic
Till Death Do Us Part
Visions, Part I
Visions: Part II

Cada episodio empieza con las siguientes palabras en pantalla:

Femme Fatale (fém´ fə-tɑl’ ): an irresistibly attractive woman, esp. one who leads men into difficult, dangerous, or disastrous situations, siren.

Varios fueron los episodios vistos en Sitges 2011, durante las maratones. Quizá fue ese uno de los errores en la programación. En lugar de saltear los capítulos en varias sesiones, hanría sido mejor organizar alguna maratón con todos los episodios, aprovechando la presencia de buena parte de las protagonistas, como se ve en la fotografía que abre esta entrada, cortesía de Oscar Sánchez Velasco. Os dejamos con el trailer de la serie, que deja muy claras las intenciones de este producto televisivo con altas cargas de violencia y sexo.

Los 10 remakes de terror que sí (o no) deberías ver (Parte III)

2012-01-31T00:39:00.000Z

Empezamos la semana cerrando la lista de remakes que comenzamos hace un tiempo (podéis leer la parte I aquí y la parte II aquí). Sabemos que faltan muchos (e imprescindibles) remakes que merecen ser vistos, pero esperamos que hayáis disfrutado de este pequeño repaso a algunas de las versiones que han sido más polémicas (por sus aciertos y sus desaciertos) del cine de terror.

4. Las Colinas tienen ojos (1977) y Las colinas tienen ojos (2006)
Así como hay remakes que nunca se deberían hacer por eso de “¿para qué estropear lo que ya estaba bien hecho antes?”, hay otros que casi suponen una bendición. Es el caso de Las colinas tienen ojos con el gran acierto que tuvo Alexandre Aja al decidir hacer su propia versión de la película de Wes Craven. Se podría decir que el original es una de las peores obras del director, algo así como una buena idea llevada mal a cabo. Así que Aja no lo tenía muy difícil a la hora de intentar superar a Craven. Podemos incluso prescindir de ver el original y quedarnos con la de 2006 para recrearnos en la ultraviolencia (excesiva para los más sensibles) y el ritmo que poseen el remake.

3. El amanecer de los muertos (1978) y El amanecer de los muertos (2004)
A finales de los sesenta, el joven George Romero presentó al mundo una película de bajo presupuesto, rodada en blanco y negro y con un doble sentido en el que aprovechó parar verter su propia crítica a la guerra fría (muchos dijeron que sus zombies representaban a los comunistas). La noche de los muertos vivientes (1968) fue todo un éxito y diez años más tarde Romero decidió rodar su secuela, El amanecer de los muertos, en la que un grupo de no afectados por el virus se encierran en un centro comercial para intentar sobrevivir al ataque zombie. Con ella consiguió otro gran éxito, saltándose eso que dicen de que “segundas partes nunca fueron buenas” y convirtiéndose en uno de los reyes del cine de terror. Y el que consiguió otro gran éxito fue precisamente Zack Snyder cuando en 2004 decidió hacer un remake de esta película. Casi todo el mundo se esperaba un gran batacazo de un director casi desconocido, pero Snyder consiguió realizar el que muchos consideran el mejor remake de los últimos veinte años y una de las mejores películas de zombies de nuestro tiempo. A pesar de que sigue la trama original (y de que el guión no tenga el fondo social que tenía el de Romero), actualiza totalmente el argumento y el ritmo adaptándolo al último cine de acción de los noventa, superando en este aspecto al original. Para completar una magnífica dirección Snyder se sirvió de un fantástico reparto donde podemos ver a Sarah Polley o Ving Rhames. Toda una joya.

2. Ringu (1998) y The ring: la señal (2003)
El cine japonés siempre ha sido uno de los más importantes del planeta y en el género de terror no se queda atrás. Sus argumentos originales y su forma de ver el mundo desde otro punto de vista han abierto un camino a explotar en esto de los remakes. En los últimos años se han hecho varios y exitosos remakes de películas japonesas como The eye, La maldición o Dark Water. Pero nosotros nos vamos a quedar con The ring basada en la exitosa Ringu.

Ringu, desde que apareció en las pantallas de todo el mundo, ha provocado pesadillas a miles de personas y una avalancha de imitaciones (o lo que muchos han llamado “la fiebre del remake”). Uno de las primeras versiones que se hicieron de la película de Hideo Nakata fue la coreana Ring Virus que, a pesar de intentar crear una Sadako más misteriosa, se quedó en una imitación mal hecha del original. Quien sí tuvo más suerte (y mucho más éxito) fue la versión americana que llegaba a las pantallas en 2003 de la mano de Gore Verbinski. La famosa niña de The Ring pasó a llamarse Samara y a protagonizar una nueva historia que, manteniendo la esencia de la original y sus virtudes, la complementa haciendo una nueva versión totalmente diferente y que no lleva a la necesidad de comparación. Verbinski hace un trabajo de adaptación occidental al universo de The Ring dotándolo de más ritmo, personajes más complejos y una poética visual a merced del terror. Quizás el mayor error de Verbinski frente a Nakata fue el no ocultar siempre la cara de Samara lo que le quita ese halo de misterio espeluznante que tiene Sadako.

1. El enigma de otro mundo (1951) y La Cosa (1982)
Tanto la versión del cincuenta y uno de Christian Nyby (producida por Howard Hawks) como la versión del ochenta y dos de John Carpenter están basadas en la novela Who goes there? De hecho, algunos no consideran a La Cosa un auténtico remake porque Carpenter se basó más en la novela que no en la versión original de Nyby; aunque sí que es cierto que tienen puntos en común. Ambas versiones fueron grandes éxitos y forman parte de los imprescindibles del cine de terror, pero a mi parecer la versión de Carpenter supera con creces a la de Nyby, considerándose una película de culto. Una de las principales razones es que el monstruo de La Cosa se aleja mucho más de lo humano y tiene la capacidad de tomar la forma física de sus víctimas (la de Nyby no). A esto hay que sumarle unos espectaculares efectos especiales y un desarrollo de la historia que profundiza mucho más en la paranoia que creaba la novela. Tal fue el éxito de esta obra de Carpenter que en octubre del año pasado se estrenó un nuevo remake de La Cosa (The thing), esta vez llevado a la pantalla bajo la dirección de Matthijs van Heijningen Jr. Aunque no sabemos si será una versión tan transcendental como lo fue la de Carpenter, cerramos nuestro recopilatorio de remakes con el tráiler de esta última versión.

La cosa (The Thing)

Primer trailer de Resident Evil 6

2012-01-30T01:09:00.009Z

El ansiado trailer de Resident Evil 6 por fin está entre nosotros, y como era de esperar nos produce sentimientos encontrados. Aquellos que suplicaban por un regreso al survival horror característico de las primeras entregas, ya se pueden ir olvidando (previsiblemente, en cualquier caso). Según parece habrá varios protagonistas, por lo que el juego promete un delicado equilibrio entre secuencias de terror en la piel de León Kennedy, y secuencias de pura acción acompañando a Chris Redfield y y su equipo de STARS. Se avecina, por tanto, un título a medio camino entre la jugabilidad clásica de Resident Evil: Revelations y el nuevo estilo Gears of War de Resident Evil: Operation Raccoon City. Garra no le falta, presidente norteamericano zombificado y nuevo Nemesis incluidos.

Domingo en serie: el terror invade las pantallas

2012-01-29T19:17:00.000Z

Tan sólo quedan unas semanas para su estreno, el próximo 7 de febrero, y por eso la ABC ha presentado un nuevo tráiler de The River, una nueva serie de misterio (y, parece, de terror) creada por Oren Peli (director de Paranormal Activity) y Michael R. Perry (guionista de Paranormal Activity 2).

The River está centrada en Lincoln Cole, interpretado por Joe Anderson, un joven que organiza una expedición al Amazonas cuyo objetivo es encontrar a su padre, al que da vida Bruce Greenwood, un famoso explorador desaparecido mientras rodaba un documental para la televisión. Junto a Anderson y Greenwood, en el reparto de la serie también aparecen Leslie Hope, que interpretará el papel de Tess Cole, la mujer del explorador desaparecido; Paul Blackthorne, que dará vida al productor de los documentales que estaba rodando Emmet; Thomas Kretschmann como un curtido ex-militar que es contratado para encargarse de la seguridad de la expedición; y Eloise Mumford, que dará vida a una temeraria piloto de helicópteros cuyo padre también ha desaparecido.

Os dejamos con el último avance de esta serie, cuyo episodio piloto está dirigido por el español afincado en Hollywood, Jaume Collet Serra, el único director español que ha conseguido un número uno en la taquilla norteamericana. Además, Steven Spielberg ejerce de productor ejecutivo, por lo que el equipo tras las cámaras es espectacular.

Y, a pesar de que su arranque ha sido bastante flojo, demasiado centrado en discuiones entre personajes y poca acción o desarrollo de la trama, The Walking Dead sigue teniendo una factura cinematográfica y, cuando quiere, consigue momento de auténtico suspense, tensión y emoción.

La segunda temporada de The Walking Dead, la serie de zombis de moda, verá por fin la emisión de los seis capítulos que faltan en castellano y solo un día después que en los Estados Unidos, según informa Fox España, la cadena donde se podrá ver esta última tanda de capítulos a partir del lunes trece de febrero.La actual temporada de la serie basada empezó en octubre y los siete primeros episodios de la misma ya han sido emitidos en nuestro país por la Fox primero y La Sexta, en abierto, después, pero ahora sabemos que los capítulos restantes verán la luz en castellano solo un día después de su emisión estadounidense, lo que permitirá que los que la siguen doblada y los que lo hacen en la versión original puedan verla casi al mismo tiempo.Buena iniciativa que cada vez siguen más las distribuidoras y cadenas españolas a la hora de traer las series estadounidenses a nuestro país.

¿Qué pasa con The Goon, producida por David Fincher?

2012-01-28T01:16:00.000Z

Hace un par de años, durante el San Diego Comic-Con, Blur Studios dio a conocer un teaser trailer de la película animada The Goon, bajo la producción de un grande como David Fincher (Seven, Los hobmres que no amaban a las mujeres). El filme estaría basado en el cómic de Dark Horse Entertainment, creado por Eric Powell en el 1999 y que narra las aventuras de un luchador musculoso que dice ser la fuerza principal para un mafioso temible. Las historias rozan lo paranormal y la comedia, mezclando fantasmas, zombies, científicos locos y "monos."

La película cuenta con Paul Giamatti (The Illusionist) proporcionando la voz de uno de los personajes. El filme, a pesar de las recientes declaraciones de Giamatti y los rumores de que se habían quedado sin dinero, sigue en busca de financiación: "No nos hemos quedado sin dinero; nunca lo hemos tenido", aseguraba el propio Powell, que estaría involucrado en el proyecto. Sin embargo, él mismo es consciente de lo difícil que será sacar adelante un proyecto cuyas mejores bazas son "más que meras preocupaciones" para la política de Hollywood. Nosotros, apoyamos el proyecto, pero siempre que se haga con el estilo del avance, porque tiene muy buena pinta y puede ser muy, muy divertida: zombis, mujeres de voluptuosas curvas, acción, humor y cabezas reventadas... ¿Qué más puede pedir el aficionado al género para pasárselo en grande?

Críticas y trailer en castellano de Luces Rojas (Red Lights)

2012-01-27T13:33:00.002Z

Hace unos días hablamos de las primeras reacciones, algo contradictorias, a la proyección del nuevo filme de Rodrigo Crotes, Luces Rojas, en el festival de Sundace. Al parecer, fueron sólo las primeras críticas las que no eran favorables, pues a medida que la prensa ha ido viendo el nuevo trabajo del director con alma salmantina, las críticas han ido mejorando. La distribución en Estados Unidos ya la tiene asegurada y a España llegará a primeros de Marzo.

"Rodrigo Cortés ha elaborado un thriller sobrenatural amenazador, intenso y sorprendente. Aún nos sudan las manos." - TOTAL FILM

"«Intensa, enigmática. Me tuvo en el borde del asiento»" - FILM LEDGER

"«Rodrigo Cortés es uno de los pocos directores en activo que practica de forma legítima el estilo de Hitchcock»" - VARIETY

"«Es obligatorio reconocer a Rodrigo Cortés como una fuerza cinematográfica»" - GEEK TYRANT

"«Película de gran inteligencia que debe mucho a Hitchcock»" - FLIXIST"«LUCES ROJAS es una roca sólida con extraordinarias interpretaciones, un apasionante sentido del suspense y una dirección sublime»" - FROM THE SUPERMASSIVE

"«Thriller sobrenatural de auténtica primera clase»" - JOBLO"«Cortés lleva a cabo un trabajo formidable»" - COLLIDER

"«Cortés no sólo ha creado una película abierta a interpretaciones, sino una que merece la pena verse muchas veces»" - ION CINEMA

"«Asombrosamente espeluznante, enormemente disfrutable y absolutamente única». - FILM.COM

Os dejamos con el trailer completo, que hace unos días se lanzó al público desde la web de Antena 3 televisión.

Más vídeos en Antena3

Crítica de Haywire (Indomable): Mamporros con estilo

2012-01-26T02:09:00.001Z

El reputado director Steven Soderbergh (Ocean’s Eleven, Traffic, Contagio) está de promoción con su último trabajo: Haywire. Las primeras imágenes del filme nos cautivaron con el estilo visual del director y la repentina irrupcion de la seca violencia en forma de patadas, golpes, puñetazos y acrobacias de una desconocida apalizando a Fassbender, uno de los tipos duros del Hollywood moderno.

En esta ocasión, Soderbergh nos presenta un thriller de acción con un reparto excepcional encabezado por Gina Carano (a quien pidió conocer tras ver luchar en un programa de televisión). La acompañan en papeles más secundarios Ewan McGregor (El escritor, Ángeles y demonios), Antonio Banderas (El gato con botas), Channing Tatum (G.I. Joe), Bill Paxton (Límite vertical), Michael Fassbender (X Men: primera generación, Malditos bastardos) y Michael Douglas (Wall Street, The Game).

La sinopsis cuenta que Mallory Kane (Gina Carano) es una agente que trabaja encubierta; numerosos gobiernos la contratan para realizar tareas que ellos mismos no podrían llevar a cabo. Se le encomienda una misión en Dublín donde, al ser traicionada, la joven fracasa. Deberá entonces utilizar todas sus habilidades para escapar de una persecución internacional e intentar llegar a Estados Unidos. Allí tendrá que proteger a su familia y preparará la venganza hacia aquellos que la han traicionado.

Gracias a la capacidad física de Carano, la acción de la película transmite una veracidad fantástica. Quiza, al querer interactuar con todos los protagonistas en las escenas de acción, en algunos movimientos de las coreografias da la sensación, precisamente, de que está todo demasiado coreografiado. Pero es una gozada ver que la protagonista es la que cae, se golpea, salta y recibe. Pero también da, claro, y cómo las da esta chica. En el prólogo revienta a golpes a un armario como Channing Tattum.

Con un montaje que alterna varios tiempos, la historia se saltaentre flashbacks y tiempo real y se hace realmente entretenida, en un viaje por diversas ciudades del mundo que Soderberg se encarga de mostrar sin que la película parezca un folleto de viajes pero con la identidad necesaria para definir cada rincón. Y es que Soderberg vuelve a demostrar que uno de sus puntos fuertes es la planificación, jugando con encuadres más trabajados y originales que las películas de acción al uso.

Como tampoco usual es el ritmo del filme, opuesto a películas como la sagas de Jason Bourne o Fast & Furious. Si se puede relacionar con algún thriller de acción reciente, sería con películas alabadas por la crítica pero poco exitosas como Hanna o Drive, muy del gusto de la crítica pero no de la taquilla. Y es que estas son fantásticas películas, pero poco comerciales. Con un ritmo pausado y un soundtrack alejado de lo que uno espera del cine de acción, Haywire llegará a las pantallas españolas en Marzo, momento en el que recuperaremos esta crítica y aportaremos algunos datos de producción, aunque para muchos paladares el filme sea lento, para otro seguro que es una lección de cine.

El cuervo sigue adelante sin Fresnadillo ni Cooper

2012-01-24T13:03:00.001Z

EDITADO - 25/1/2012

Apenas unas horas después de la noticia de ayer se da a conocer que el español Francisco Javier Gutiérrez, responsable de la interesante apuesta apocalíptica de Tres Días, dirigirá la nueva versión cinematográfica basada en el personaje de James O’Barr.Por su parte, Jesse Wigutow trabajará en el guión, amparado por su experiencia en Tron: Legacy, 8 Millas, Eragon y The Ruins.

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Tras el abandono del director Juan Carlos Fresnadillo (28 semanas después) todos daban por muerto el proyecto. Tampoco ayudó la negativa de Bradley Cooper a firmar el contrato, pero el remake de El Cuervo (The Crow) vuelve a tomar fuerza.

Necesario o no, el proyecto quiere acercarse al personaje del cómic de James O’Barr más que convertirse en una revisión del rol que convirtió en leyenda a Brandon Lee. Ahora, Relativity Media y The Weinstein Company, compañías enfrentadas en una reyerta por los derechos de distribución, han solucionado sus problemas.Según consta en ComingSoon, ambas partes llegaron a un acuerdo para arrancar con el proyecto, con una fecha de estreno en algún momento de 2013. Ahora el proyecto buscará retomar el camino con nuevo director y nuevo actor protagonista, pero si algo está claro es que será difícil superar la aceptación del mítico filme protagonizado por Brandon Lee. No por que la película sea una obra de arte, sino porque alcanzó el status de filme de culto.

Los 10 remakes de terror que sí (o no) deberías ver (Parte II)

2012-01-23T15:05:00.001Z

La semana pasada comenzamos a hacer un repaso por algunos remakes del cine de terror que han dado mucho de qué hablar (para bien o para mal). Así que aquí os dejo con la segunda parte de este pequeño recorrido que completaremos finalmente la semana que viene.

7. Willard (1971) y Willard (2003)

En los setenta, este filme de Daniel Mann gozó de gran popularidad (tanta que incluso Michael Jackson crearía una canción de éxito para su secuela Ben, la rata asesina). Era una época de prosperidad para el cine de terror donde los títulos empezaban a renacer con originalidad y esta película, en la que un extraño personaje encerrado en su sótano se rodea de ratas para llevar a cabo sus planes de venganza, fue uno de los ejemplos más importantes. Quizás fue por eso que Glen Morgan decidió rescatarla del olvido en 2003. El resultado fue un Willard infravalorado (tanto el público como la crítica no la tuvo muy en cuenta), pero bastante más terrorífico que el original, sobre todo gracias a su protagonista al que da vida Crispin Glover; quien tan sólo con su presencia ya crea un halo tenebroso y desagradable a la película.

6. La matanza de Texas (1974) y La matanza de Texas (2003)

Otro éxito setentero recuperado en 2003 por Marcus Nispel. A la original se le podría considerar la gran obra maestra de Tobe Hooper que consiguió aterrorizar a un público que creía haberlo visto todo tras el estreno un año antes de El exorcista. Leatherface, del cual ya hemos hablado en alguna ocasión, llenó la pantalla de una violencia exagerada nunca antes vista que combinado con un terror psicológico hacen de La matanza de Texas una de las mejores películas de asesinos despiadados de todos los tiempos (incluso llegó a ser censurada en algunos países). Con éxitos así es cuando más improbable parece que se pueda salir airoso al hacer un remake, pero Marcus Nispel lo consiguió con creces. En esta nueva versión, la tensión a lo largo del filme no tiene nada que envidiar al original y el homenaje a la violencia de Hooper está totalmente presente. Aunque no ha tenido la misma repercusión que la primera, en parte porque el público ya no es tan fácilmente impresionable, la película tiene otros puntos a favor como unos protagonistas que no se limitan a ser simples adolescentes estúpidos o una buena fotografía.

5. La invasión de los ultracuerpos (1956) y La invasión de los ultracuerpos (1978)

La película original dirigida por Don Siegel fue un éxito de los cincuenta, un gran ejemplo de los característicos filmes de terror de esa época que utilizaban seres sobrenaturales, humanoides o extraterrestres como una metáfora de la paranoia desatada por la Guerra Fría. En este caso no sólo existe un remake de La invasión de los ultracuerpos, sino que hay tres versiones diferentes de esta película; aún así nosotros nos quedamos con la versión del setenta y ocho por ser más fiel a la original y no tomarse tantas libertades. Esta versión se la debemos a Philip Kauffman que consiguió hacer un filme apocalíptico caracterizado por la deshumanización de esos ultracuerpos de los que habla el título. El terror de esta versión se convierte en un juego psicológico de persecución a manos de unas criaturas carentes de alma y compasión capaces de cualquier cosa. Aunque el mayor logro de Kauffman en este remake fue su manera de crear un nuevo final mucho más impresionante que el del original (bastante decepcionante para el espectador).

Primeras críticas de Luces Rojas, lo nuevo de Rodrigo Cortés

2012-01-21T12:42:00.000Z

La madrugada del viernes al sábado, Rodrigo Cortés presentó en el Festival de Sundance Luces Rojas, su nuevo proyecto tras la brillante Buried (Enterrado). Protagonizada por Robert de Niro, Sigourney Weaver y Cillian Murphy, entre otros, la película ha levantado tanta expectación en el festival que han tenido que añadirse pases extras ante la demanda de entradas.

La película cuenta la historia de dos investigadores de fraudes paranormales, la veterana doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su joven ayudante Tom Buckley (Cillian Murphy). Ambos estudian los más diversos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento.Simon Silver (Robert De Niro), legendario psíquico, tal vez el dotado más célebre de todos los tiempos, reaparece después de treinta años de enigmática ausencia para convertirse en el mayor desafío mundial para la Ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales.Tom comienza a desarrollar una densa obsesión por Silver, cuyo magnetismo se refuerza de forma peligrosa con cada nueva manifestación de oscuros fenómenos inexplicables…

Tras el primer pase, la prensa ha criticado una excesiva seriedad y trascendencia en en tono del filme y cierta confusión hacia el final, especialmente en los últimos minutos de película donde el espectador se ve obligado a repasar el filme para intentar encontrar sentido. "No creo que las películas deban dar todas las respuestas", comentó el director durante la mesa redonda tras la proyección del filme.

Con las notables interpretaciones y el carisma personal de las estrellas protagonistas, la labor tras las cámaras de Cortés convierte la película en un thriller mucho más pausado, creciente, que la claustrofóbica Enterrado. Luces rojas quizá no llegue al gran público en masa (tampoco lo hizo enterrado), pero desde luego tiene todas las papeletas de convertirse en un filme de culto. Esperamos con ganas que llegue más información o algún nuevo trailer de esta película que, al igual que otros muchos proyectos, recuerda bastante al mito de la caverna de Platón. Por ahora, os dejamos con el primer avance, que tan sólo nos muestra a un personaje y unas pocas frases promocionales.

El futuro cinematográfico de Steven Spielberg

2012-01-20T13:24:00.002Z

"Peter Jackson empezará The Adventures of Tintin: Prisoners of the Sun este año, en cuanto termine de rodar The Hobbit", comentaba Spielberg hace unos días. "Comenzará el trabajo de motion-cap con los actores a finales del 2012, y por supuesto, espero poder dirigir la tercera entrega".

Pues sí, parece que ya han dado luz verde a Tintin 2. Los 332 millones de dólares recaudados no parecen dejar lugar a dudas de la rentabilidad del personaje.Otra cosa es que el 80% de esa recaudación venga de fuera de los Estados Unidos y que no se vayan a superar en norteamérica los ochenta millones.

"En Septiembre haré una película llamada Robocalypse, basada en un libro de Daniel Wilson", asegura el director de Parque Jurásico. "Es una historia sobre una guerra entre robots y humanos. Es un filme para grandes masas". .

Tras el fin de Lincoln y el rodaje de Robocalypse, con un Spielberg que viene de producir las tres Transformers, le toca el turno a la franquicia de los dinosaurios: "No quiero hablar de Jurassic Park 4 todavía. Es demasiado pronto, pero puedo decir que no la dirigiré, sólo la produciré".

Bueno, Joe Johnston (Jurassic Park 3) tampoco lo hizo tan mal y se sigue rumoreando que sería la misma historia de la primera pero en una dirección "totalmente diferente". Se habla de reinicio, reebot. Nosotros, seguiremos informando, y os dejamos con un fantástico video de las películas de Steven Spielberg.

Primer Teaser Trailer de Resident Evil: Retribution

2012-01-19T17:32:00.000Z

Son ya cinco entregas de Resident Evil, una saga que a pesar de las pobres críticas que recibe cada entrega sigue cosechando el éxito necesario para que los estudios den luz verde a una más. Acción, efectos especiales, trucajes visuales, zombis y, ahora que la moda lo impone, trucos tridimensionales para atraer a los espectadores más palomiteros.

Los primeros segundos del teaser trailer de la nueva película de la adaptación cinematográfica de Resident Evil son distintos a lo visto antes en la promoción de la saga basada en la popular franquicia de Capcom. Sin embargo, una vez que nos presentan a Alice (Milla Jovovich) de nuevo en el centro de atención entre las ruinas de La Casa Blanca, todo vuelve a sonarnos familiar, hasta la banda sonora recuerda a otros filmes (no por nada es el soundtrack de Tron: Legacy).

Paul W.S. Anderson (Resident Evil 1 y 4) vuelve tras las cámaras en una historia cuya sinopsis oficial mantendrá a Alice en la búsqueda de los responsables del brote. “Una carrera que la llevará de Tokio a Nueva York, Washington y Moscú, culminando en una revelación alucinante que la forzará a repensar todo lo que alguna vez pensó que era verdad“, anticipan.

En el siguiente avance pueden verse cameos, criaturas zombie voladoras, criaturas gigantescas, naves voladoras y acción a raudales. Ni más ni menos que lo esperado por la audicencia. Volverá a hacer dinero...

Argumento de REC 4: Apocalipsis

2012-01-18T14:38:00.000Z

Durante los últimos días se ha extendido por internet un rumor, un supuesto argumento oficial de REC: Apocalipsis, la cuarta entrega de la saga que se encuentra en fase de preproducción a manos de Jaume Balagueró, quien aun sigue disfrutando del éxito de Mientras Duermes. Sin confirmación por parte de Filmax o ningún implicado directo en el filme, la trama propuesta para REC 4 ha dejado a todos los aficionados sorprendidos:

Ángela Vidal, la joven reportera que entró en el edificio con los bomberos en REC 1, logra salir convirtiéndose en la única superviviente, pero lo que el ejército no sabe es que dentro lleva una extraña infección.Ángela será llevada a un centro de máxima seguridad a varias millas de la costa, completamente aislado y rodeado de agua por todas partes. Un viejo petrolero que ha sido acondicionado para mantener a Ángela en cuarentena.

Son varios los sitios web que han publicado esta información, entre ellos Catalan Films o Bloody Disgusting, pero aun nadie ha confirmado desde dentro de la producción.Por ahora, sólo nos queda esperar noticias de esta última entrega de la saga, que a buen seguro empezrán a salir tras el estreno de REC 3: Génesis, el 30 de Marzo.

El cuerpo, nueva película de género para Belen Rueda

2012-01-17T10:30:00.000Z

Ayer, Lunes 16 de enero de 2012, comenzó el rodaje de El Cuerpo, dirigida por Oriol Paulo, quien también se ha hecho cargo del guión junto a Lara Sendim. La película está producida por Joaquín Padró, Mar Targarona, Mercedes Gamero y Mikel Lejarza y protagonizada por José Coronado, Hugo Silva, Belén Rueda y Aura Garrido. El rodaje tendrá lugar a lo largo de nueve semanas en distintas localizaciones de la ciudad de Barcelona y en el Parc Audiovisual de Terrassa.

Después de colaborar en 2010 en Los Ojos de Julia, Rodar y Rodar, Antena 3 Films, Televisió de Catalunya y Canal + vuelven a unir sus fuerzas para llevar a cabo este thriller lleno de suspense que será distribuido por Sony Pictures Releasing de España. Rodar y Rodar es responsable de éxitos tan significativos cómo El Orfanato, la ya mencionada Los Ojos de Julia y la más reciente XP3D (de la que adjuntamos un making off debajo).

SINOPSIS – El cadáver de una mujer desaparece misteriosamente de la morgue sin dejar ningún rastro. El Inspector Jaime Peña investiga el extraño suceso con la ayuda de Álex Ulloa, el viudo de la mujer desaparecida.

A medida que salgan más noticias del proyecto iremos informando.

Los 10 remakes de terror que sí (o no) deberías ver (Parte I)

2012-01-16T17:43:00.001Z

El cine de terror es uno de los que más se ha alimentado a base de remakes (unos más acertados que otros). Puede parecer que sea una tendencia de los últimos tiempos, pero lo cierto es que ya a finales de los setenta esta clase de películas comenzaron a estar a la orden del día. Remakes como la ochentera The Blob (1988) o el Drácula (1992) de Coppola han dado siempre mucho de qué hablar, siendo a veces más vistas y reconocidas que su original. Pero no siempre es así; y es que esto de coger algo que ya existe e intentar darle una vuelta de tuerca u otra visión al asunto, ha provocado que en muchas ocasiones nos llevemos las manos a la cabeza y nos preguntemos “¿En qué estaban pensando?”.

Por eso os dejo con esta lista de remakes, no de los mejores ni de los peores; simplemente una recopilación de remakes que por una u otra razón deberíamos ver. Al fin y al cabo, para opinar (tanto bien como mal) primero hay que saber de qué se está hablando.

10. Psicosis (1960) y Psycho (1998)

Cuando me enteré de que existía un remake de Psicosis, me pareció una locura que a alguien se le hubiera pasado por la cabeza rehacer semejante obra maestra. En este caso la “ocurrencia” se la debemos a Gus Vant Sant, quien, por lo menos, decidió mantenerse totalmente fiel al conocido clásico. Aún así, no es que Psycho sea una mala película, su principal problema es que Hitchcock ya la hizo tal y como debía ser en su debido tiempo y hacer un remake de la misma parece no sólo algo arriesgado, sino algo totalmente innecesario. Seguramente, si alguien no ha visto nunca la Psicosis de Hitchcock, la película de Gus Vant Sant le parecerá hasta interesante. En cambio, si no es así, es mejor tomarse Psycho como un simple intento de homenaje.

9. Los crímenes en el museo de cera (1953) y La casa de cera (2005)

El hecho de que Paris Hilton coprotagonice la nueva versión de La casa de cera sólo ha servido para hacerle daño a una película a la cual se le podría sacar cierto jugo en algunas escenas. La crítica y el público se le echó encima, en muchas ocasiones, sin ni si quiera haberla visto; y es que en su momento se convirtió únicamente en “la película en la que puedes ver morir a Paris Hilton”. Pero lo cierto es que este remake de la protagonizada por Vincent Price en 1953 (que a su vez era una versión de The Mistery of the Wax Museum de 1933) tenía todos los ingredientes de lo que a un filme de terror “pop” se le podría pedir. Así que lo incluyo en esta lista para animaros a ver más allá de a la famosa millonaria intentando actuar y, sobretodo, para que retoméis la original del cincuenta y tres y podáis hacer vuestras propias comparaciones.

8. Toolbox Murders (1978) y Toolbox Murders (2004)
La historia de unos crímenes a manos de un desquiciado psicópata con su caja de herramientas es uno de los clásicos de los años setenta. Tobe Hooper (el cual parece haberle cogido cierto gusto a esto de hacer remakes) llevaba ya varios fracasos cinematográficos cuando decidió versionarla y, para sorpresa de muchos, la cosa no salió tan mal. Si es cierto que ya de por sí la original dista mucho de poderse considerar una obra maestra, en su momento gozó de cierta fama y Hooper, en mi opinión, consiguió mejorarla introduciendo al espectador en un ambiente escalofriante que juega con ese gore característico de los comienzos del director.

Domingo en serie: Charlie Brooker y las ideas en Black Mirror

2012-01-15T14:32:00.001Z

Charlie Brooker es mi ídolo. Este hombre no sólo trabaja y escribe como periodista en el Daily Mirror, sino que ha creado dos de las mejores series de televisión de género de los últimos años. Primero nos sorprendió a todos con Dead Set, de la que ya hablamos en su momento. Ahora, se ha sacado de la manga un impresionante tríptico de capítulos que no sólo entretienen, sino que además provocan el debate entre los espectadores. Black Mirror, serie que ha sido trending topic en todas las redes sociales desde su estreno en diciembre, surge de la preocupación del periodista por los excesivos "avances" tecnológicos de la sociedad y cómo ésta se ve arrastrada a una vida de peligros éticos y morales. Y es que, como siempre, el desarrollo tecnológico y cientifico es un arma de doble filo.

Y eso quiere contar en sus tres episodios, tres pequeños filmes de personajes e incluso realidades diferentes, pero todos bajo la mirada de un prisma crítico, una mirada a nosotros mismos que nos hace reflexionar sobre la evolución de nuestra sociedad. El Black Mirror (espejo negro) al que hace referencia el título es el frio espejo que encontrarás en cada pared, en cada rincón, en cada escaparate, en cada bolsillo del ser humano: televisiones, ordenadores, móviles, Iphones, smartsphones o Blackberries. La serie, parcialmente inspirada por la mítica La dimensión desconocida (The Twilight zone), pretende tratar temas profundos, serios, éticos, morales y sociales evitando caer en el aburrimiento y, desde luego, evitando las trabas que la televisión de hoy impondría a producciones de calado documental.

El primer episodio plantea un Londres actual en el que el Primer Ministro se ve en una dificil situación dadas las demandas de un terrorista. Para mantener el misterio (los primeros minutos del episodio están construidos gracias al suspense de no saber cual es esa petición) no diremos de que se trata, pero podéis estar seguros de que es algo obsceno y que deja con la boca abierta a más de uno. A partir de ahí, el capítulo analiza el funcionamiento de la vida moderna y el flujo de información, a travées de Internet, Twitter o Youtube, mientras que los medios de comunicación luchan por llevar el tema de la manera más correcta posible y se enfrentan a peliagudas decisiones, de esas de las que levantan largos debates en las universidades de periodismo y ética: ¿El fin justifica los medios? Parcialmente inspirada también por los hechos que "obligaron" (por favor, nótese el uso de las comillas) a que Gordon Brown pidiera disculpas públicas tras llamar "fanática" a una mujer cuando creía que su micrófono estaba cerrado, la historia realmente tiene un ritmo fantástico, sin respiro, te mantiene pegado al asiento y te sorprende contínuamente. Por si fuera poco, el giro final es tan debastador como cierto, y tan real que le hace a uno replantearse muchas cosas.

El segundo capítulo, quiza es más flojo, es una mezcla entre 1984 y Tienes Talento, con ciertos toques de la consola Wii. Gira en torno a la idea de lo inútil que es luchar contra el sistema cuando nosotros mismos somos el sistema. ¿Alguien ha dicho 15 M? La historia refleja una realidad imaginaria en la que la población está aparentemente condenada a una vida sin sentido en la que lo unico que importa es entretenimiento contínuo delante de una pantalla. Algo que, de nuevo, no dista tanto de la realidad.

El tercer capítulo es menos sorprendente que el primero, pero desde luego en calidad están bastante a la par. Un futuro no muy distante es el que se nos muestra en este último episodio. Apenas un par de avances tecnológicos y dejará de ser ciencia ficción, pues, lo demás, ya lo tenemos todo: mujeres, hombres, relaciones inestables, celos, historias contadas a medias, traiciones… Brooker construye aquí una magnífica parábola sobre los peligros del saber, sobre hasta donde podemos hoy (y solo hay cambiar los re-dos por Facebook y otras redes sociales) llegar a meternos en la vida ajena, y especialmente sobre hasta donde somos capaces de mostrar la nuestra sin apenas darnos cuenta. Podrías saber casi todo sobre tu pareja, ganar discusiones, saber dónde dejaste las llaves o si te dejaste las luces o el gas encendido al salir de casa. Pero, ¿de verdad queremos saberlo todo de nuestra pareja? ¿Qué pasaría si tu chica pudiera ver esas fotos que le mandas a una amiga sólo para coquetear? ¿Qué pasaría si tu chico pudiera analizar cada gesto, mirada o sonrisa de tus amigos? ¿Descubriría algo que ninguno de los dos desearia que saliera a la luz?

De todo esto, y meas, hablan los tres capítulos de Black Mirror, una muestra más del buen hacer de la televisión británica. Joyas de perfecta y cinematogreafica factura con guiones brillantes y reflexionando sobre la actualidad, y los peligros de que la tecnología domine nuestras vidas y perdamos la intimidad. Así es como se hace televisión...

Lo mejor de 2011 en libros y videojuegos

2012-01-14T22:21:00.000Z

Diego Matos y Alberto Vicente en la presentación de Cominando entre los muertos

Los muertos vivientes están por todas partes: están tras la puerta de tu casa cuando vuelves del trabajo; estám bajo tu cama cuando vas a acostarte; están en la televisión, están en el cine, en las consolas, en las bibliotecas... Los zombis han invadido la cultura popular, se han introducido en el imaginario colectivo gracias al éxito que la temática ha tenido en todos los campos.

The walking Dead. Caminando entre los muertos. Pretextos Dolmen. Diego Matos y Alberto Vicente. 2011. 247 páginas. 18.95€

Uniendo sus conocimientos en el mundo de la comunicación, el cine y los comics, los autores de este libro analizan el impacto de los comics y la serie de televisión: desde los primeros pasos de los autores en el mundo del noveno arte, la génesis del proyecto en las páginas de comic, hasta las diferencias con los capítulos de televisión, análisis detallado de los personajes, curiosidades... Por si fuera poco, Charlie Adlard, dibujante de la serie regular de comics, se encarga de la apertura con un divertido prólogo y concede una extensa y rica entrevista a los autores.

Precisamente uno de ellos, Diego Matos, es el especialista en libros aquí en Planta 13 y ha seleccionado los que considera los dos libros más interesantes del año.

Four Color Fear. Cómics de Horror de los años 50. Diábolo Ediciones. 2011. 320 páginas. 34.95€

En este recopilatorio de tebeos de género se esconde parte de la historia del cómic de horror. Repleto de un material básico para entender este tipo de publicaciones ligadas a una época concreta (más allá de los cómics de Entertaining Cómics, EC). Una propuesta entretenida, variada y fresca, que se complementa con unas notas finales, anecdóticas y bibliográficas, de suma utilidad.

Stephen King en Cine y Televisión. Terror en la colina de Maine. Arkadin Ediciones. Pedro L. López. 240 páginas. 18€.

Las obras del maestro del terror tienen vida más allá de las páginas. Varias de las historias imaginadas y escritas por Stephen King han sido llevadas al cine y a la televisión, con mayor o menor fortuna. Ahora el polifacético Pedro L. López (gran aficionado al cómic y al cine de género, teclista, fotógrafo, psicólogo clínico, crítico...) realiza un exhaustivo repaso a toda la producción audiovisual inspirada en las obras de King. Un libro esencial repleto de curiosidades, imágenes y detalles.

Por su parte, Alberto Vicente es nuestro especialista en videojuegos. Como no podía ser de otra manera, aquí va su selección de lo mejor que ha dado el mundo de las consolas durante este 2011.

Dead Space 2 (Electronic Arts. PC, Plasystation 3, Xbox360). El primer título importante del año dentro de género fue además la primera crítica de videojuegos en Planta 13, por lo que merece al menos una mención de honor. Si bien dejó buen sabor de boca entre los fans del primer Dead Space gracias a las nuevas mecánicas de juego, armas y criaturas, el título pecó de demasiado continuista y resultó menos original de lo esperado. Esperamos que Dead Space 3 de más de sí, de lo que en principio parece una franquicia con un futuro prometedor.

Alice: Madness Returns (Electronic Arts. PC, PlayStation 3, Xbox360, IOS) Probablemente uno de los juegos más genuinamente imaginativos y originales del 2011, la nueva aventura de Alicia pasó bastante desapercibida, oculta bajo la sombra de títulos de mayor presupuesto como Shadows of the Dammed o Silent Hill: Downpur. Madnees Returns ofrece una experiencia lo suficientemente atractiva como para rescatarlo del olvido en nuestro particular listado de lo mejor del año.

E3 2011 Era imposible hacer un repaso de lo mejor del 2011 sin mencionar la feria del videojuego más importante de la industria. No ha sido un año escaso en títulos, y así lo reflejamos en nuestro especial del 2011. Entre las novedades más jugosas, Shadows of the Dammed, Dead Island, Residen Evil: Revelations o Silent Hill: Dowpour. Nuevos trailers, demos en vivo y todo tipo de sorpresas que nos depara este evento año tras año. ¿Qué nos encontraremos el próximo Julio?

Dead Island (Deep Silver. PC, PlayStation 3, Xbox360). Uno de los títulos de terror más esperados de todo el año y, por tanto, parte imprescindible de este listado. Las expectativas eran bastante altas gracias a su primer tráiler cinematográfico, que nos enamoró. Quizá esperábamos demasiado de los chicos de Techland, ya que cuando finalmente el producto llegó a las tiendas nos dejó un tanto confusos. A pesar de un apartado visual impecable y de las enormes posibilidades que ofrece, se ve lastrado por una línea argumental aburrida, personajes planos, y una jugabilidad que termina volviéndose repetitiva. Un juego en definitiva recomendable, aunque no tan destacado como pretendía.

Los trece imprescindibles momentos de 2011

2012-01-13T22:42:00.000Z

Se acabó 2011. Un año repleto de cine, de películas buenas y malas, de emociones, personajes, sorpresas y decepciones. 2011 se acaba, pero nos deja como siempre un conjunto de películas, momentos, secuencias, personajes y escenas imprescindibles. Y qué mejor día para recopilar los trece mejores momentos del pasado año que un Viernes 13 como hoy. Sobra decir que esta entrada contiene spoilers, asi que mejor no ver los videos y saltarse los textos relacionados con lo que no hayais visto. Aprovecho para agradecer a todos los colaboradores por sus aportaciones, en especial a Diego Matos, del que he "robado" el párrafo sobre los zombis; a Natalia Vivancos, por su revisión y aportación con American Horror Story y a Olivia Fall, por ayudarme a confencionar esta lista ¿Preparados? Vamos a ello...

Empezamos por la que es, sin duda, una de las películas del año: Drive. Y aunque nos gustaría destacar otros muchos momentos, creo que no podría ser de otra manera. El ya denominado entre los aficionados "momento ascensor" es pura magia. Mezcla todo lo que tiene que ser el buen cine. Sin necesidad de palabras, el director Nicolas Winding Ref crea quizá la mejor secuencia del año valiéndose de la esencia del cine. Imágenes. Pero qué imágenes. La composición de los planos es perfecta. La dirección de fotografía alcanza momentos mágicos gracias a un perfecto empleo narrativo de la luz. El uso de la cámara lenta, la interpretación de los actores diciendo tanto con apenas unos gestos y miradas; la música y el brutal desenlace alzan este momento probablemente como uno de los mejores del año.

El terror nos ha dejado pocos grandes momentos este 2011. Aunque nosotros la vimos en Sitges 2010, Secuestrados, de Miguel Angel Vivas, llegó a las pantallas en 2011, por lo que entra directamente al top trece de este año. La secuencia con la pantalla partida es una de las más geniales que se han visto en el cine este año, con un empleo fantástico del plano secuencia y un ritmo impecable, Vivas dirige con mano maestra la atención del espectador de un lado a otro de la pantalla hasta que ambos lados, ambas secuencias, se funden en una sola alcanzando un climax que bien recuerdo levantó aplausos en la platea del festival. Una película que le ha abierto las puertas de Hollywood y el mundo entero al director, con quien hablamos estas navidades en Madrid y, aunque no podemos revelar nada, sí podemos asegurar que Secuestrados le ha cambiado la vida. Y es que una película rodada en doce planos secuencia, llama la atención de todo el mundo del cine.

El año ha sido flojo en cine de terror, por lo que incluimos más momentos de thrillers, acción y aventuras. Por ejemplo, la fantástica Hanna, de Joe Wright, una caperucita de armas tomar que tiene algunas de las mejores secuencias de acción del año. Incluimos una que sorprende bastante y que demuestra el buen hacer tras las cámaras del director: Hanna en la celda.

Super 8 era una de las películas más esperadas por los aficionados al cine, aunque no tanto como las grandes sagas de Transformers, Harry Potter o Crepúsculo. Sin embargo, nos regaló una de las secuencias de acción más memorables del año. La set piece del accidente de tren, toda una demostración de lo que se puede conseguir mezclando acción real y efectos digitales con una planificación a medida. La película bajaba bastante de calidad en su tramo final, pero no puede negarse el homenaje al cine ochentero que J.J. Abrams llevó a cabo y la sensación de aventura y ciencia ficción que deja el visionado.

Por fin un momento en la lista de puro cine de terror. Insidious. La vimos en el Festival de Sitges 2010 y, según pude leer, el metraje estrenado en salas comerciales era ligeramente diferente al visto en el Festival, pero lo cierto es que consiguió asustar y gustó. Posiblemente, de hecho, sea el filme de terror que más ha gustado al público el pasado 2011. Aunque muchos de los mejores momentos, los más aterradores, no tienen mucho sentido sin el contexto de la película, podemos asegurar que el fragmento que sigue, levantó de la butaba a más de uno.

Y empezamos con el terreno de las series de televisión, donde desde hace ya años, uno puede encontrar productos de mayor calidad que gran parte del cine que llega a las pantallas. Sin duda, para Planta 13, los dos estrenos del año han sido Juego de Tronos y American Horror Story. De la primera sería muy difícil elegir sólo un momento, una sola secuencia o escena a destacar, pues cada capítulo guarda momentos de absoluta brillantez. Desde la muerte de Viserys Targaryen, hasta el renacimiento entre dragones final de Daenerys Targaryen, pasando por el prólogo con los White Walkers. Pero finalmente nos centramos en el que quizá más pueda sorprender al espectador virgen, a ese que no ha leido los libros y que (bien hecho) no lee spoilers. Se trata de la muerte de uno de los protagonistas, asi que si no habéis visto la serie, no deberíais ver el video. Por lo sorprendente del momento, por lo que supone para la serie y para los personajes y por lo bien llevado a cabo que esta, no podía faltar entre los mejores momentos del año.

Kill List es un filme que descoloca, que sorprende. No ha llegado a España y, al igual que ocurrió con A serbian film o con Martyrs, tememos que sólo los festivales se atreverán a llevarla a las salas de cine. Kill List es fuerte, sin tapujos, con una dirección maestra durante los primeros dos tercios de la película. Pero, entonces, llega el último acto del filme. La trama da un giro que el director (Ben Wheatley) había querido sembrar con algunas pistas confusas, pero que ningún espectador esperaba encontrarse de forma tan radical. La dirección ahí no empeora y la secuencia en el túnel es brutal, tensa y llena de suspense y tensión, pero lo que supone el giro en la trama, descoloca demasiado. Aún asi, sólo por haber conseguido que los espectadores de Sitges con los que vimos la película se llevaran las manos a la boca durante el tercer acto, el filme inglés más radical del año tenía que estar en esta lista. Y eso que no incluimos la secuencia del martillo, por ejemplo, o alguna de las otras escalofriantes sorpresas que los personajes se encuentran en su camino hacia el final de la película.

Dexter ha tenido, al igual que True Blood, una temporada bastante floja, pero desde luego, los últimos instantes nos han puesto el corazón en un puño y han entrado de cabeza a lo mejor del año. Por lo esperado del momento, porque era necesario y porque ahora que sabemos que sólo quedan dos temporadas más antes de cerrar definitivamente el show, el mundo de Dexter se puede poner patas arriba. Es un momento que debería haber pasado en la temporada previa, en la archifamosa secuencia de la cortina, pero que no por tardía, iba a estar fuera de esta lista. El descubrimiento de Debra deja una gran puerta abierta en el universo de Dexter.

Y volvemos al cine con Immortals. La película levanta opiniones dispares, pero no se puede negar que visualmente es un espectáculo. Con Mickey Rourke intentando dominar el mundo, ejércitos de criaturas preparados para batallar, armas de poderes fabulosos, Titanes, Dioses y coreografías bañan un filme del que nos gustaría destacar el momento en que Ares revienta cabezas: " Un crimen múltiple coreografiado, una delicatessen", en palabras de una de nuestras colaboradoras. Dado que no disponemos de esas imágenes, os ofrecemos otro espectacular clip, que ya avanzamos hace meses cuando pudimos ver a escena en Londres: titanes vs. dioses, mucho más aparatosa que la elegida pero espectacular donde las haya.

Podrían elegirse, al igual que con Juego de Tronos, múltiples momentos de American Horror Story: tétricos, de suspense, sorprendentes, escalofriantes, sensuales... El capítulo Rubber Man mezcló grandes momentos, al igual que Open House o las dos partes de Halloween. Todos ellos capítulos en los que el espectador era sorprendido de manera contínua por unos guionistas en estado de inspiración. Entre todos esos momentos nos quedamos con la matanza en Westfield High School. La forma en que tienen de mostrarnos la frialdad del asesino, la manera en que guionistas y director construyen la tensión a través del fuera de campo, la planificación, el silbido y la múscia, el ritmo... Todo en esta secuencia inicial es fantástico. Sin duda, uno de los momentos que nos engancharon a esta gran serie.

Aunque el Oscar a Natalie Portman parezca muy lejano, Cisne Negro se estrenó en España a principios del 2011, luego no podía faltar en esta lista. Podríamos destacar toda la secuencia en la que la protagonista desafía la rigidez de su madre, sale de fiesta con el personaje de Mila Kunis y, gracias a las drogas, la noche se convierte en una locura. Darren Aronofsky crea una atmósfera de liberación (atención a los momentos en la discoteca, parece que nosotros mismos estuvierámos de fiesta con la protagonista), y sobretodo el sensual y onírico final de noche en la habitación, cuando los personajes de Natalie Portman y Mila Kunis se funden, casi literalmente, en una relación lésbica con tintes escalofriantes cuando los tatuajes del personaje de Kunis empiezan a cobrar vida. ¿Fue real o un sueño causado por las drogas? Sin embargo, aunque toda esa secuencia roza la perfección, aun más impactante y sobrecogedor es todo el último acto de la película, culminando en un final demoledor a pesar de previsible durante la premiere del lago de los cisnes, en la que la actuación de Portman se funde con la espectacular música, la puesta en escena de Aronofsky y el sutil empleo de los efectos digitales para trasladar la conversión de Natalie Portman en cisne negro. Un final perfecto para una película magistral y de la que os ofrecemos tan sólo un breve fragmento.

Volvemos a la televisión con The Walking Dead. La segunda temporada de la serie de zombis por excelencia ha mostrado altibajos en cuanto a la acción, aunque la esencia del cómic se mantiene (no hay que olvidar que varios de los números de la versión en papel están centrados en lo que Kirkman llama "bustos parlantes", que no son otra cosa que los personajes hablando entre sí). El personaje de Shane está dando un juego diferente a lo desarrollado entre las viñetas y la crudeza de ese mundo en el que los vivos y los muertos cohabitan se palpa más aún en el último capítulo, el séptimo, que marca un punto y aparte. Los últimos minutos del metraje nos dejaron con la boca abierta, ni siquiera las lectores acérrimos del tebeo se esperaban un desenlace tan impactante.

Y cerramos con X-Men: primera clase. Una buena película de acción, mutantes y personajes con varios momentos a destacar, gracias casi todos ellos a la gran labor de dirección de Mathew Vaughn y la interpretación de Michael Fassbender. Pero no sería nada sin el score de Henry Jackman, que inicia con una suave guitarra pero hace subir la tensión con un in crescendo musical en el que arrancan los violines y la múscia arrastra el montaje hasta el estallido final de tensión.

X-Men Magneto Argentina Bar Scene from Bob Cavazos on Vimeo.

Novedades desde el CES 2012

2012-01-13T22:40:00.007Z

Apenas acabamos de estrenar año, y ya tenemos nuestro primer evento reseñable en el universo videojuego. La cita nos lleva hasta el patio de recreo de America, Las Vegas, donde durante los últimos tres días se ha celebrado el CES (o Consumer Electronic Show) de este año. Aunque la tradicional feria no esté dedicada exclusivamente al el ocio electrónico, no es raro encontrar algunos avances y demos interesantes con los que las compañías intentan abrir boca de cara a los próximos meses. Esta vez vamos a destacar un tráiler y una demo de dos juegos de los que ya os hemos hablado en fechas recientes.

El trailer corresponde a Lollipop Chainsaw, la última fantasía de Suda 51 en la que, recordemos, deberemos luchar contra una horda de zombis en la piel de una sexi animadora. Si bien el concepto es bastante simple, quedaba la duda de cual era el origen de la epidemia en el Instituto San Romero. La respuesta… un gótico antisocial llamado Swan, experto en las artes oscuras y con ganas de dar guerra. ¿Conseguirá nuestra Juliet Starling poner a Swan en su sitio? Poco importa, mientras siga troceando zombis con su motosierra y chupando su chupa chups con tanta gracia.

Get More: GameTrailers.com, Lollipop Chainsaw - Swan Vignette HD, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

Por otra parte, los chicos de Remedy presentaron los primeros minutos jugables de su Alan Wake: American Nightmares, que como recordemos es una expansión del Alan Wake original y no una secuela al uso. En la demo podemos ver a Alan familiarizándose con su nuevo entorno en Night Springs, donde deberá resolver un misterio relacionado con uno de sus primeros guiones, y al mismo tiempo sobrevivir a su doble maligno, Mr Scratch. Aunque nos deja un buen sabor de boca en cuanto a originalidad y atmosfera se refiere, esperamos que no se centre demasiado en la acción y se olvide de lo que hizo grande a su antecesor; un guion impecable y una vuelta por todo lo alto al survival horror de etiqueta.

Get More: GameTrailers.com, Alan Wake: American Nightmare - CES 2012: Campaign Walkthrough HD, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

Una nueva visión de Underworld

2012-01-12T14:50:00.001Z

En Underworld: El Despertar (estreno 27 de enero), para llevar a los vampiros y licántropos a la fría luz del mundo humano, los realizadores se esforzaron en diferenciar el “Underworld” basado en el viejo mundo de fantasía, del moderno mundo urbano en el que despierta Selene en esta entrega. Al rodar en Vancouver encontraron bastantes ventajas que pudieron aprovechar, como la moderna silueta de la ciudad, los alrededores salvajes y la atmósfera taciturna. “Vancouver es una de esas grandes ciudades para rodar”, asegura Coatsworth. “Aprovechamos tanto los aspectos contemporáneos como los aspectos más antiguos de la ciudad para tratar de crear la extensión de nuestra ciudad europea y al mismo tiempo, con sutileza, proyectarla al futuro”. Las calles de los suburbios de Vancouver aportaron la oscuridad y la atmósfera húmeda que deseaban los realizadores para el futuro anti-utópico, al tiempo que la arquitectura modernista brindó la inspiración para la extensa ciudad sin nombre”. Underworld no es nuestro mundo”, explica Mårlind. “No puedes decir es Moscú, Nueva York o Roma. Es Underworld. Para nosotros esto fue muy interesante porque pudimos explorar nuevas ideas”. “Si miras alrededor, verás tipos de arquitectura muy concretos” continúa el director. “No se trata para nada del estilo gótico de un sitio como Budapest, pero aporta una sensación nueva que fue muy divertida explorar”.

Los realizadores le dieron a esta ciudad de ficción una silueta inspirada en edificios de la era soviética de Europa del Este. “Nos decidimos por un look muy específico, el del estilo arquitectónico conocido como brutalista”, afirma el director artístico Claude Paré. “El brutalista fue el estilo predominante en la era comunista. Es funcional, no tiene adornos y es rectilíneo. Típicamente está construido con descarnados bloques de cemento de formas simétricas. En Vancouver, hay muchos edificios diseñados por el arquitecto Arthur Erickson que entra en este estilo y tuvimos la suerte de poder usar algunos de ellos, incluyendo el de la Universidad Simon Fraser, que fue nuestra localización clave: el centro de operaciones de Antigen”.

Con la tecnología láser llamada LIDAR, los realizadores pudieron volver a darle forma a la silueta basada en la de Vancouver con las especificaciones de los directores, construyendo en esencia una nueva ciudad por completo para el mundo humano de Underworld: El Despertar. James McQuaide, productor ejecutivo de la película y supervisor de efectos visuales utilizó la habilidad del LIDAR de capturar el volumen geométrico para construir por completo una silueta original de una ciudad moderna que no es reconocible geográficamente porque en realidad no existe. “Escaneamos diferentes edificios de todo Vancouver, luego pusimos esas imágenes todas juntas para crear una especie de foto-collage”, explica McQuaide. “Los edificios puede que sean reconocibles si se conoce bien Vancouver, pero no están situados uno junto al otro a excepción de en nuestra ciudad. Una vez que capturamos la verdadera geometría del espacio, recreamos prácticamente lo que allí había. Como se trata de datos, no estamos atados a ningún ángulo en particular, por lo que la cámara se puede mover con libertad en el espacio virtual”.

El director artístico Paré también creó una especie de cueva como refugio del clan de vampiros. Perseguidos hasta casi el punto de su extinción, un pequeño grupo se ha refugiado bajo tierra en una guarida bajo una gigantesca central hidroeléctrica. “Y por casualidad había una fantástica planta hidroeléctrica a media hora de Vancouver”, se maravilla Wright.La guarida es un monumento a tiempos pasados, lleno de reliquias de sus antiguas y lujosas vidas. “Todo está muy húmedo y mohoso”, describe Paré. “Está hecha en tonos de ocre, marrones, verde oscuro y mucho, mucho negro”. Es un nítido contraste con la dura geometría de la ciudad, afirma Mårlind. “Queríamos que el mundo vampiro fuera antiguo, sensual y redondeado”, continúa el director. “Da la sensación de ser un vientre materno, porque ese es el tema de Selene en la película”.

Los interiores tanto de la guarida de vampiros como de Antigen se tuvieron que hacer especialmente para el rodaje. “Vancouver tiene varios estudios y eso nos permitió dispersarnos y construir esos decorados”, agrega Wright. “Vancouver también cuenta con gente muy capacitada en el tema de la construcción. Con ellos creamos una cueva del estilo de una cripta medieval para la guarida y luego unos interiores de hormigón y cristal de alta tecnología para Antigen, ambos acabados completamente diferentes”.

Gracias al Departamento de Prensa de SONY PICTURES RELEASING DE ESPAÑA por las notas de producción de la película.

Los cinco primeros minutos de lo nuevo de Soderbergh

2012-01-11T14:36:00.002Z

Steven Soderbergh ya demostró en Octubre que puede reunir un elenco de estrellas para rodar. Lo consiguió hace tiempo con Oncean's eleven. Lo hizo en 2011 en Contagio. Ahora, vuelve a reunir a un reparto de impresión junto a una desconocida en el mundo del cine. Si Contagio contaba el proceso de infección de un virus letal para la humanidad, Indomable (Haywire) es la historia de Jason Bourne en femenino. Los avances que han podido verse muestran la gran calidad y el buen hacer tras las cámaras del director, al igual que estos primeros minutos del filme que se han hecho públicos como parte de la promoción.

La sinposis, extraida de Sensacine, nos cuenta que Mallory Kane (Gina Carano) es una guapa agente encubierta que trabaja de incógnito para gobiernos de distintos estados que no quieren que su trabajo salga a la luz por resultar comprometedor. Su labor es llevar a cabo las acciones que nadie está dispuesto a desempeñar. Es buena en su trabajo hasta que un día, durante una misión en Dublín, es traicionada y fracasa en su misión. A partir de entonces deberá hacer uso de todo lo aprendido durante años y regresar a su país para proteger a los suyos y vengarse de quienes la traicionaron. Está sola, pero tiene la rabia y la inteligencia necesarias para seguir adelante haciendo caso a sus instintos y cargando contra todo lo que se le ponga por delante. No tiene escrúpulos, pero los que la persiguen tampoco.El director Steven Soderbergh regresa al cine con este potente thriller de espionaje protagonizado por un personaje femenino que lucha en un mundo de hombres encarnados por Michel Fassbender, Channing Tatum, Ewan McGregor, Michael Douglas, Antonio Banderas, Michael Angarano y Bill Paxton.

La piel que habito se alza como favorita para los Goya

2012-01-10T16:42:00.003Z

Aunque hay una película, La piel que habito, de Pedro Almodóvar, que parte como favorita con 16 candidaturas, los competidores la siguen tan cerca que nadie puede aun dárselas de ganador. El drama de Almodóvar se enfrentará al thriller policiaco No habrá paz para los malvados, dirigido por Enrique Urbizu, que parte con catorce candidaturas. Mientras tanto, Eva, del novel Kike Maíllo , se ha alzado con doce y el western de Mateo Gil Blackthorn, sin destino ha conseguido once. Todo está abierto para la ceremonia de los XXVI Premios Goya que se celebrará de nuevo en el Palacio Municipal de Congresos y será dirigida por Eva Hache.

Personalmente, me agrada que cada año haya más propuestas de thrillers y ciencia ficción entre las nominaciones. Nos gusta en Planta 13 que la historia de un cirujano psicópata sea la que más condidaturas tiene, seguida por uno de esos thrillers sucios y tensos que tan bien dirige Urbizu. O que la ciencia ficción de Eva se erija entre las más nominadas.

La Piel que habito, que sigue su triunfal recorrido internacional gustando a crítica de medio mundo (aunque disgustando a otros por el camino), cuenta la historia de Robert Ledgard (Antonio Banderas) un eminente cirujano plástico que realiza sus experimentos en su clínica privada, El Cigarral. Desde que su mujer y su hija murieran, vive obsesionado con la creación de un nuevo tipo de piel, al que ha denominado G.A.L. La comunidad científica no permite esos experimentos, pero él, de forma clandestina, ha seguido realizándolos por su cuenta gracias a una cobaya, una joven, Vera (Elena Anaya) a la que mantiene retenida y que se ha convertido en el centro de su vida. Pero Vera oculta un secreto y quiere venganza por todo lo que el doctor Legrand ha hecho con ella.

Los dos viven encerrados en la mansión del cirujano junto a la servil Marilia (Marisa Paredes), que es en realidad la madre de Robert. El equilibrio del trío protagonista se verá alterado cuando una tarde de carnaval se presente en la casa otro de los hijos de Marilia, Zeca (Roberto Álamo), disfrazado de tigre, arrollando por donde pase y creando confusión en el delicado microclima de relaciones que se ha establecido. A partir de ese momento, nada volverá a ser lo mismo para ninguno de ellos.

Marilia, Robert y Vera rememorarán su pasado, cada uno desde su punto de vista. Un pasado que vuelve para tomarse su revancha.

La Piel que Habito

Frankenstein: el monstruo inocente

2012-01-09T18:29:00.000Z

Hace pocos días os hablábamos de uno de los proyectos actuales de Tim Burton. Como os decíamos, se trata de llevar a la gran pantalla en forma de largometraje uno de sus cortos más famosos, Frankenweenie (podéis leer más sobre este proyecto aquí). Como muchos ya sabréis, la idea genial de este corto surgió a partir de uno de los clásicos de terror favoritos de Burton: Frankenstein (1931). Así que vamos a aprovechar para que podáis saber un poco más sobre esta obra de arte.

Frankenstein forma parte de una serie de películas de terror y ciencia ficción producidas por la Universal en los años treinta. La mayor parte de estas películas eran protagonizadas por monstruos que tenían una parte humana y otra sobrenatural; entre ellas destacan Drácula (1931) de Browning, La Momia (1932) de Freund o El hombre invisible (1933) de Whale. Frankenstein entró en esta lista cuando en el treinta y uno La Universal decidió hacer una adaptación cinematográfica de una de las novelas más originales que habían surgido en los últimos años: Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley. Aunque realmente a la hora de escribir el guión partieron de la obra de teatro que se había escrito en base a esta novela.

El argumento de Frankenstein es más que conocido. Todos hemos oído hablar de ese científico loco que juega a ser Dios y desafía a la naturaleza creando vida a partir de la muerte. El resultado es ese espeluznante monstruo de gran altura, formado con partes de cuerpo de distintas personas y portador (por error) del cerebro de un villano. Pronto, cuando el pueblo se entera de esta atrocidad, decide ir a por él para acabar con su vida.

Este argumento se mueve por una atmósfera sobrecogedora que introduce al espectador desde el comienzo del filme en un mundo donde no se sabe a qué tener más miedo, si al monstruo o a los seres humanos que le rodean. Y es que aquí el monstruo aparece como una víctima no sólo de la locura de su propio creador, sino también de su propio destino. No se podría afirmar si posee maldad (sólo mata a Fritz en defensa propia y a la niña de forma accidental) o simplemente es un ser que no entiende el mundo en el que vive ni tiene control sobre sí mismo o su propia fuerza. Desde el primer momento se muestra a la criatura indefensa y perseguida, lo que genera en el espectador una especie de sentimiento de simpatía que hace que nos pongamos de lado del monstruo. Cabe mencionar la maravillosa actuación de Boris Karloff (que en los títulos del comienzo de la película se le pone con un interrogante para crear más incertidumbre) al cual durante años le mandaron miles de cartas felicitándole por su actuación y mostrando su admiración y compasión por el monstruo.

Al margen del sentimiento que despierte el monstruo, esta obra de arte que dura poco más de una hora posee una estructura cinematográfica muy ágil y con gran ritmo a pesar de haber insertado íntegramente toda la historia en la adaptación. Muchos han criticado que en ocasiones el guión tiene ciertos “saltos” que pueden desconcertar al espectador, pero lo cierto es que toda la película tiene una gran lógica estructural. Además, Whale intentó siempre adelantarse a su tiempo e innovar en la técnica cinematográfica. En este caso es en el manejo de las cámaras donde se puede apreciar la maestría de Whale ya que en la mayor parte de las secuencias utiliza gran cantidad y variedad de planos; incluso en alguna secuencia se atreve a mover la cámara (para esto tuvo que idear un rudimentario método ya que las cámaras en aquella época eran muy pesadas). Sólo tenemos que comparar otra de las obras maestras del mismo año, Drácula, en la cual todos los planos son fijos y hay muy poca variabilidad de uno a otro, para darnos cuenta de la riqueza del lenguaje cinematográfico de Whale. Ejemplo de ello es la secuencia de creación del monstruo en la que aparecen planos cortos, generales, angulares, planos detalle… o la escena de los preparativos de la boda en el pueblo en el que vemos la cámara en pleno movimiento.

Domingo en serie: Critica de American Horror Story

2012-01-08T20:25:00.000Z

“¿Qué voy a hacer ahora contigo?”, pregunta Constance al final de esta primera temporada de American Horror Story. Quizá los guionistas hayan lanzado al aire la pregunta que ellos mismos se están haciendo ahora que la primera temporada ha sido un éxito y tienen que trabajar en la segunda. ¿Qué van a hacer con una historia prácticamente cerrada? Pues eso es lo que ha intentado responder Ryan Murphy, creador de la serie y responsable de la exitosa comedia musical Glee. American Horror Story es sin duda una de las series revelación de 2011. Junto al descomunal éxito de Juego de Tronos, la nueva serie de Murphy ha ido ganando adeptos semana tras semana, asegurando una segunda temporada ya confirmada por la cadena Fox, productora del fenómeno de terror del año.

Lo bueno de esta serie no es ya sólo que la trama engancha a los fans del género con sus tramas fantasmales, sus alusiones demoníacas o sus personajes al borde de un ataque de nervios, desequilibrados en su mayoría y cuyas acciones suelen tener dramáticas consecuencias. La casa en que todo ocurre (emplazamiento real que puede visitarse en la ciudad de Los Angeles) es un personaje más, habiendo conseguido los creadores convertirla casi en un ente que no deja de atormentar a la familia protagonista. Sin embargo, poco a poco el espectador descubre que no sólo es la casa, sino todos los que allí dentro han muerto, quienes traen de cabeza a los inquilinos. Cada capítulo es una pieza más de un puzzle, un mosaico de muertes, misterios y sangrientos acontecimientos que van construyendo un historial aterrador en esta mansión en Los Angeles, una ciudad llena de glamour y riqueza pero que esconde los secretos más oscuros, perversos y escalofriantes.

Si, también perversos, porque entre fantasmas, asesinos, sangre y maníacos, American Horror Story ha destacado por una carga sexual bastante fuerte, especialmente centrada en el personaje de la joven Moira (Alexandra Breckenridge), que ya coqueteó con el género al aparecer desnuda como una de las víctimas sexuales del vampiro Bill en True Blood. El otro gran protagonista de las perversiones sexuales de la serie ha sido el personaje enmascarado, el denominado "rubber man" entre los aficionados que cada semana comentan los capitulos en internet. Personajes que han ido más allá de los clásicos cuernos y sexo por diversión de otras series o películas y que coquetea con temas como el BDSM. Sin embargo, el personaje de Moira joven representa un doble filo, pues sólo algunos la ven como una joven atractiva, mientras que las mujeres en general la ven como una mujer anciana. Una doble cara que da muy buen resultado en pantalla y que no se utiliza de forma gratuita, sino como metáfora visual de lo que pasa por la cabeza de los personajes. "Por fin empieza a ver las cosas como realmente son", le explica el personaje de Moira a uno de los protagonistas en el último tramo de la temporada.

American Horror Story se ha mantenido fiel a su planteamiento inicial, homenajeando a clásicos del cine de género, sin resolver, eso si, todos los misterios planteados desde el inicio. Pero si los guionistas tienen mérito por crear una casa/universo con todo tipo de personajes e historias que atrapan al espectador, no hay que olvidar la gran labor de realización que se esconde tras las cámaras. Y es que la planificación es de escuela, utilizando todos los recursos narrativos posibles para enfatizar lo que ocurre en la casa con los personajes. En especial el montaje, con esos cortes a destiempo que pasan desapercibidos para el espectador sumergido en la trama pero que crean un efecto perfecto de "huy, que paranoia". O la planificación, aumentando la sensación de riesgo o amenaza con planos ladeados pero enfatizando la sensualidad del personaje de Moira con movimientos suaves. O pasando a un montaje acelerado, de planos cerrados, a destiempo y en angulaciones poco habituales para aumentar la sensación de riesgo. En definitiva, un conjunto de herramientas bien utilizadas al servicio de una trama que engancha y que pondrá a prueba los nervios de más de un espectador, especialmente los poco habituados al género.

Pero, retomando la pregunta inicial, ¿qué va a pasar ahora con la segunda temporada? Si la historia de la familia Harmon queda cerrada al terminar la primera temporada, ¿hacia dónde nos van a llevar los creadores de la serie? ¿Volveremos a ver a los mismos personajes en la misma casa?

"Algunos de ellos regresarán", asegura el creador, Ryan Murphy. " He hablado con varios actores y estamos en negociaciones. Habrá caras familiares, pero también veremos rostros nuevos en la serie. Los que regresen interpretarán a personajes, criaturas y monstruos completamente diferentes. Lo de hacer una serie en forma de antología es una idea muy divertida. Así se diseñó desde el principio. En cada temporada tendremos una trama principal nueva.”, aseguraba en unas declaraciones publicadas justo después de la emisión del final de temporada.

Pero, ¿se sabe algo de la próxima temporada o no?

“La segunda temporada será muy diferente de lo que hemos visto en la casa de California. Me gustó mucho el poder incluir crímenes auténticos, así que cada temporada incluirá a personajes que procedan de crímenes ocurridos en América en la realidad. No estoy interesado en hacer otra historia acerca de una casa – no vamos a trasladarnos a Maine y hacer otra mansión encantada allí. Lo interesante es que hay muchos tipos de historias de terror que contar, ya sean crímenes en serie, crímenes auténticos, o historias de prisiones. Lo único que no haría es una temporada sobre vampiros.”

Y, aunque no quieren revelarlo, ya saben donde va a desarrollarse la próxima entrega de American Horror Story: “Hay una pista en Birth, el penúltimo episodio, que indica cómo será la segunda temporada. Repasad el episodio escena a escena. Está ahí, pero nunca lo revelaré.”, explica Murphy.

Sea como sea, la audiencia ha respaldado el proyecto y el éxito de la segunda temporada parece asegurado ahora que ya ha creado una legión de fans suficiente. Tan sólo habrá que ver qué tipo de historia deciden contar en la próxima entrega. Lo bueno de las antologías es que pueden tratar temas muy diversos, la clave para no resultar repetitivos.

A vueltas con la preproducción de AKIRA

2012-01-07T21:02:00.000Z

Warner Bros decidió hace unos días detener la pre-producción de Akira, cerrar indefinidamente las oficinas de trabajo en la ciudad de Vancouver y no concretar el principio de acuerdo con los dos actores que realizaban las pruebas para interpretar a Tetsuo: Dane DeHaan y Michael Pitt (Boardwalk Empire).

Internet está revolucionado este fin de semana con las noticias de este contratiempo para el filme que iba a dirigir Jaume Collet Serra. En un primer momento se comentó que el proyecto se detenía por motivos presupuestarios pero ahora parece que se trata de motivos creativos. Considerando la marejada de críticas que ha despertado el proyecto desde sus inicios, cuando se concretaron los primeros miembros del elenco (encabezado por Garrett Hedlund y Kristin Stewart). Todo empeoró cuando se filtratron los cambios que propondría esta nueva versión, partiendo de la base que Tetsuo y Kaneda serían hermanos dueños de un bar en Neo-Manhattan. De ahí que ahora se afirme que la verdadera razón tras la detención de las labores de pre-producción sería creativa y no precisamente de presupuesto.

Ha sido el sitio web Deadline el que ha señalado que el estudio quiere cambios en el guión, cuyo borrador más reciente tiene la firma de David James Kelly. Según estas informaciones asignarán a un guionista para pulir la premisa y y a partir de ahi se generará una decisión final sobre el destino de esta adaptación. Cabe mencionar además que el proyecto ya había bajado su presupuesto a los 90 millones de dólares, de los 150 que originalmente se estableció cuando la película sería dirigida por Albert Hughes, lo que da cuenta que el riesgo de la inversión tiene más que ver con que se trata de un proyecto que no viene amparado por grandes estrellas.

Tim Burton rueda en largo uno de sus cortos más famosos

2012-01-06T13:28:00.000Z

Del genio creativo Tim Burton (Pesadilla antes de Navidad) llega Frankenweenie, una conmovedora historia sobre un niño y su perro. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Victor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Victor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Victor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso.

Animada con la técnica fotograma a fotograma (stop-motion), Frankwenweenie se rodará en blanco y negro y luego será renderizada en 3D, lo que elevará el estilo clásico de animación a una experiencia completamente nueva. Cuando Tim Burton concibió la idea de la película lo hizo pensando en un largometraje animado con la técnica stop-motion, pero debido a restricciones en el presupuesto, realizó un cortometraje de acción real, que se estrenó en 1984. Ahora que por fin consiguió presupuesto han creado más de 200 muñecos y sets y han conseguido un reparto vocal en inglés que incluye a cuatro actores que ya trabajaron con Burton en películas anteriores: Winona Ryder (Eduardo Manostijeras), Catherine O’Hara (Pesadilla antes de Navidad) Martin Short (¡Mars Attacks!) y Martin Landau (Sleepy Holow).

La mitica Hammer presenta a La Mujer De Negro

2012-01-05T01:30:00.000Z

No vamos a caer en el topico. No vamos a mencionar que el protagonista viene de ser la estrella de la película mas taquillera del 2011 y de una de las sagas más exitosas de la historia del cine. Vamos a centrarnos en lo que nos interesa: la adaptación de la novela de gran éxito de Susan Hill. La mujer de negro es un sombrío relato de pérdida, venganza y duelo. La alabada guionista Jane Goldman se encarga de trasladar la historia de Hill a la gran pantalla para un público del siglo XXI. Dirigida por James Watkins y protagonizada por Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet McTeer y Liz White.

Cuando Susan Hill publicó la novela en 1982, jamás podría haber imaginado que cobraría vida en tantos medios distintos. “Lo cierto es que no”, comenta. “No escribes pensando en otros medios. Te limitas a escribir un libro y luego otras personas se hacen cargo del resto”. Pero está acostumbrada a que otras personas adapten su obra, sobre todo La mujer de negro, que ya se ha convertido anteriormente en un telefilme, un serial de radio, una obra de teatro y, ahora, una película. “La cuestión es que el libro sigue estando ahí”, señala. “Es el arte de la adaptación, algo que yo nunca podría hacer. Con la obra de teatro y, ahora, con la película, cada persona ha tomado mi libro y se ha mantenido fiel al espíritu del mismo, a la vez que lo reinterpretaba para adecuarse al nuevo medio”. Esta es la primera vez que se adapta la novela de Hill a la gran pantalla, a pesar de haber transcurrido ya casi tres décadas desde su publicación. El proyecto llegó inicialmente a manos del productor Richard Jackson, de Talisman Films, nada menos que en 1997. Tras el éxito de la producción de Talisman “Rob Roy, la pasión de un rebelde”, el agente de Hill abordó a Jackson para explorar la posibilidad de una adaptación cinematográfica de La mujer de negro. “Resultó ser una historia sorprendentemente peliaguda de adaptar”, confiesa. “A lo largo de los años, realizamos varios intentos de adaptar la historia con diferentes guionistas y nunca acabé de estar completamente satisfecho con ninguno de los guiones que obtuvimos”.

El impulso inicial que insufló vida a este proyecto surgió de una reunión con el productor, presidente y consejero delegado de Hammer, Simon Oakes, que se encontraba, por aquel entonces, en pleno proceso de relanzamiento del mítico sello de cine de terror. “Creo que es justo decir que sentía cierta cautela sobre hasta dónde podría llegar esto, puesto que ya se habían realizado otros intentos de revitalizar Hammer a lo largo de los años”, reconoce Jackson. “Sin embargo, Simon me dejó muy claro que iban muy en serio y que había un gran interés por asegurar que íbamos a producir una película de calidad superior, que respetara la voz narrativa de Susan, pero al mismo tiempo resultara atractiva para el público actual”. “Simon siempre me dejó muy claro desde el primer momento que su encarnación de Hammer se centraría en películas de miedo que fueran inteligentes”, prosigue Jackson. “Y supe que Susan Hill también vería ese factor de manera muy favorable”. Para Simon Oakes, La mujer de negro era una de las primeras propiedades de interés del recién relanzado sello de cine de género. “Una de las cuestiones sobre las que hablamos, como equipo, cuando pusimos en marcha esta nueva encarnación de Hammer, era que el terror está compuesto por muchos géneros y subgéneros distintos, aunque, en los últimos años, se ha tendido más bien a un tipo de terror donde el número de muertos es importante”, explica. “Queríamos explorar distintos tipos de terror y, aunque ya había un telefilme y una obra de teatro, vimos una gran oportunidad en esta obra de combinar la historia gótica de fantasmas de Susan Hill con una sensibilidad moderna para convertirla en un filme”. Cuando Daniel Radcliffe leyó el guion justo después del último día de Harry Potter supo que seria su siguiente trabajo. Pero, por que una nueva adaptacion? “Para mí", contesta la guionista, "era cuestión de presentar La mujer de Negro a los espectadores de cine. En cierto modo, intentaba hacer con el lenguaje cinematográfico lo que Stephen Mallatratt había logrado hacer en el teatro”.

Instantáneas sobrenaturales

2012-01-04T19:59:00.015Z

Con una cámara fotográfica es posible capturar casi cualquier cosa, desde momentos clave de nuestra historia hasta las escenas más insignificantes de la vida cotidiana. La cámara tiene incluso a día de hoy algo de mágico, y quizás por eso los amantes de lo paranormal han querido encontrar en ciertas imágenes borrosos resquicios de espíritus, criaturas de otros mundos, o simbología tan ancestral que precede a la propia humanidad.

Algunas películas del género de terror han intentado, con mayor o menor fortuna, utilizar la cámara de fotos como elemento clave para resolver un misterio sobrenatural. Un ejemplo bastante reciente sería Shutter (Recuerdos del más Allá, 2008), en el que una pareja de recién casados empieza a ver fantasmas en sus fotos tras un trágico accidente. ¿Sería posible trasladar este concepto al mundo de los videojuegos?

Según Nintendo, sí. Por eso su última propuesta es Ghost Camera, un videojuego para 3DS que se beneficia de la funcionalidad que ofrece la realidad aumentada. Esto quiere decir que según vayamos avanzando en la trama, deberemos hacer fotografías de nuestro alrededor con la portátil. En todo momento deberemos estar muy atentos a la pantalla, porque en ellas veremos aparecer elementos de lo más terrorífico; desde espíritus, criaturas que intentarán atacarnos, hasta claves y símbolos que nos permitan avanzar.

A priori la idea es bastante original, y es seguro que más de uno se llevará un buen susto cuando fotografíe el sofá de su salón y aparezca un espíritu sentado en él en la pantalla de su 3DS. De momento no hay fecha de salida, aunque el experimento verá la luz este año. Os dejamos un pequeño avance para que os hagáis una idea de cómo funciona.

Get More: GameTrailers.com, Ghost Camera - Japanese Overview Trailer, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

The Yellow Sea se estrena de forma limitada en España

2012-01-03T13:46:00.002Z

Presentada en el Festival de Cannes donde causó furor en la sección Un Certain Regard, y tras ganar Ha Jung-woo el premio al Mejor Actor en los Asian Film Awards, y Na Hong-hin el de Mejor Director en el SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2011, The yellow sea es uno de los más importantes y espectaculares títulos del año de la cinematografía surcoreana. Además, a su enorme éxito entre la crítica cabe añadir la enorme repercusión que logró en el público de Corea del Sur, donde alcanzó el puesto número uno en el ranking de taquilla siendo vista por más de 2 millones de espectadores, y recaudando cerca de 15 millones de dólares. Y todo ello, haciendo gala de unos arrancques de violencia y acción muy del gusto del cine oriental. Como en el clip que Mediatres Estudio nos ha facilitado.

La sinopsis oficial cuenta que en la ciudad de Yanji, entre Corea del Norte, China y Rusia, la mitad de la población vive de actividades ilegales. Un taxista llamado Gu-nam (Ha Jung-woo) debe pagar la deuda que contrajo con la mafia que permitió a su mujer viajar a Corea del Sur en busca de una vida mejor. Consciente que deberá trabajar durante años para recuperar el dinero, su única solución pasa por aceptar el peligroso trato que le propone el jefe mafioso Myun (Kim Yun-seok): cruzar la frontera de Corea del Sur para asesinar a una persona. No obstante, lo que parecía un plan sencillo pronto se complicará hasta límites insospechados.

Si tienes la suerte de vivir en Madrid, Barcelona, Málaga, Valladolid o San Sebastián, no pierdas la oportunidad de ir a verla al cine. Thriller de acci´n oriental con una dirección para enmarcar.

Tarántula ¿quién no teme a las arañas?

2012-01-02T14:37:00.002Z

Desde sus comienzos, el cine de terror siempre ha servido para reflejar los miedos de la sociedad a lo largo de su historia. En la década de los cincuenta se puso de moda lo que podríamos llamar el gigantismo, el cual tenía relación directa con un miedo general que había aflorado a raíz de los experimentos atómicos que se estaban produciendo y la repercusión que esto podía tener en la naturaleza. Así que los guionistas comenzaron a servirse de insectos y otros animales para transformarlos en temibles monstruos como en El monstruo de tiempos remotos (1953) de Eugene Loure o La mosca (1958) de Kurt Neuman. Aunque si de insectos que nos produzcan miedo se trata, siempre pensaremos en uno de los pequeños seres más temidos del planeta: las arañas.

En 1955 el magnífico y reconocido director Jack Arnold, uno de los más brillantes de la ciencia ficción de la década, se puso manos a la obra para llevar a las pantallas Tarántula. A pesar de ser uno de los títulos menores de su filmografía del género de los cincuenta, marcó el año como el de las arañas asesinas y causó más de un trauma.

El argumento gira en torno a un científico que es acusado del crimen de varios compañeros, pero pronto descubrirán que la verdadera responsable de estas muertes es una tarántula gigante. El doctor Hastings, al ver que la temible araña sigue llevándose vidas a su paso, decide poner todo su empeño para destruir al mortífero animal el cual es resultado de un experimento científico descontrolado para acelerar el crecimiento de los animales. Su meta será acabar con la vida de la tarántula antes de que destruya a los habitantes de una zona desértica de Arizona.

Aunque en la temática nos pueda resultar algo parecida a Them! (1954) de la cual se hizo un remake en 2006, las diferencias no solo yacen en que sean arañas en lugar de hormigas las que siembren el pánico. Mientras que en Them! Los monstruos eran completamente atómicos, aquí son científicos locos los que experimentan con mutaciones lo cual se podría ver como una metáfora acusativa de que el ser humano es responsable de los miedos de la sociedad y no sólo la ciencia y la fuerza de la naturaleza como tal.

Sin duda, lo mejor de la película es el monstruo y los magníficos efectos especiales totalmente revolucionarios para los años cincuenta. Todo hay que decir que Jack Arnold era un entendido en la materia y siempre intentaba en sus películas incluir nuevos efectos para un mayor impacto visual. Destacan los efectos que se aplican a la tarántula ya que en lugar de utilizar el típico stop montion de la época o el suitemation, se dedicaron a rodar un animal vivo usando unas lentes especiales lo que crea un efecto de realismo pocas veces antes visto.

A parte de la fotografía y los efectos especiales, la película también cuenta con un buen manejo del suspense. El filme está estructurado de tal forma que el espectador siempre ha de estar pendiente para no perderse ningún punto clave de la historia ya que cada pocos minutos nos encontramos ante un momento de intriga. Quizás el mayor fallo de Tarántula sean un grupo de personajes bastante sosos, pero lo que sí es cierto es que por planos como en el que se ven las patas de la araña acercándose a un ganadero o el momento en el que la araña ataca la casa del profesor está película merece la pena sobre todo si se es un fan incondicional del cine de terror clásico.

Crítica Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres

2011-12-31T01:38:00.001Z

David Fincher se ha convertido en uno de esos directores que no importa lo que hagan, tienen mi entrada asegurada cada vez que estrenen una película. Si, además, se trata de una historia perfecta para Planta 13, con sexo, violencia, venganza y misterios a raudales, pueden estar ustedes seguros de que no me perderé la película y, a poco que Fincher esté en forma, terminará formando parte de mi colección de DVDs y Blu-Rays. Y eso es, sin lugar a dudas, lo que ha pasado con The girl with the dragon tattoo. O, como se la conoce en España, Millenium, los hombres que no amaban a las mujeres, por su título original en las novelas en que se basa. Aunque aun faltan unas semanas para su estreno en nuestro país, Planta 13 ya ha podido disfrutar de su visionado y sólo podemos decir que la expectación no ha convertido la experiencia en una decepcioón. Todo lo contrario, nos ha hecho admirar aun más al director y hemos caido enamorados de Rooney Mara.

La sinopsis es más que conocida, pues Millenium forma parte ya de la cultura popular con el éxito de la trilogía literaria y la producción de la trilogía de filmes suecos que llegaron en 2009. En ella Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es sentenciado por difamar a un importante empresario a través de su revista de actualidad política y económica, 'Millennium', que dirige junto a su compañera Erika Verger (Robin Wright). Aprovechando la situación, Henrik Vanger (Christopher Plummer), ex-director de la Corporación Vanger, le propone un trato: escribir un libro sobre su imperio y su extensa familia y, a la vez, investigar la desaparición en 1966 de la sobrina de Vanger, Harriet, que ha sido dada por muerta. Blomkvist accede y contará con la ayuda de una afamada hacker, de pasado oscuro, modales ariscos y atuendo gótico, que busca trazar por su cuenta su propia venganza, Lisbeth Salander (Rooney Mara).

Y es precisamente este personaje, secundario, como comentaba nuestro colaborador en su pequeña retrospectiva sobre quién es Salander, el que se adueña de forma absoluta de la película. Ni la presencia de Daniel Craig la intimida. Rooney Mara se come la pantalla con sus ojos profundos, su fragilidad y su vulnerabilidad, pero también con su fuerza para luchar, con su venganza, su inteligencia y sí, su feminidad. A diferencia de la fría interpretación de Noomi Rapace, Mara añade más matices a su Salander, más feminidad y, en el fondo, más empatibilidad. Su profunda mirada, llena de matices y emociones, llega directamente al corazón del espectador. La actriz ya ha conseguido una nominación como mejor actriz a los Globos de Oro y, a buen seguro, tendrá su nominación en los Oscar. La actriz se entrega en cuerpo y alma al director, David Fincher, para conseguir "ser" Salander. La actriz, de 26 años, no dudó en perforarse partes de su cuerpo con piercings reales (aunque no todos los mostrados en el filme lo son). Rooney Mara se muestra desnuda, indefensa, vulnerable, en una entrega absoluta al personaje, en diferentes momentos de la película, entregándose por completo a un personaje en absoluto fácil de interpretar; un papel que requería de la actriz no sólo la entrega física, sino también atravesar por la oscura senda de la locura de un personaje torturado desde su niñez.

Por su parte, Fincher y su equipo otorgan una textura al filme perfecta, como siempre en la filmografía del director. Si bien David Fincher se mantiene visualmente contenido en sus últimos filmes, en Millenium demuestra por qué le avalan dos nominaciones a los Oscar y un Globo de Oro como mejor director. Desde la elección de unos iniciales títulos de crédito fantásticos (aunque parezcan una versión ciberpunk de una intro de James Bond), a ritmo de la versionada "Inmigrant song", hasta la fotografía de Jeff Cronenweth, pasando por el montaje o el diseño artístico. La planificación, igual de eficaz que en El curioso caso de Benjamin Button pero más desatada que en La red Social, nos deja planos sorprendentes. No por casualidad, los planos más "diferentes" y trabajados envuelven al personaje interpretado por Rooney Mara.

Sin duda, la película mal-rollera de las navidades. Un thriller sobre el abuso de la violencia, sobre la violencia sexual... Pero, en el fondo, una película sobre un personaje roto con un final no precisamente dulce. Lisbeth Salander, un nuevo icono del cine dentro de una película casi perfecta.

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

Drive: revival ochentero para cerrar el año

2011-12-29T12:28:00.000Z

El nuevo trabajo del danés Nicolas Winding Refn, Drive, protagonizado por Ryan Gosling, se estrenó hace unos días en España. La película, que le dio a su director el premio como Mejor Director en Cannes, está basada en la novela homónima de James Sallis, y adaptada para la gran pantalla por Hossein Amini. Protagonizada por Ryan Gosling, un experto conductor que aprovecha su talento para ganarse la vida de dos maneras; por el día, cuando no trabaja en un taller, es un especialista de cine en las escenas de riesgo, y por la noche ofrece su volante para participar en fugas delictivas.Un día descubre que han puesto precio a su cabeza tras un golpe que no sale bien.

Al protagonista se le conoce simplemente como Driver, un antihéroe anónimo sin pasado ni vida aparente. Es, sencillamente, un auténtico ser humano, un auténtico héroe, como reza una de las ochenteras canciones de la banda sonora. Driver recuerda a algunos de los héroes del pasado, esos personajes del cine que interpretaban Steve McQueen y Clint Eastwood. Hombres que hablaban poco pero que lo decían todo con sus actos.La novela del mismo nombre escrita por James Sallis fue el catalizador que puso en marcha los motores de los productores Marc E. Platt y Adam Siegel de Marc Platt Productions y que les llevó a convertir este pequeño libro en un largometraje. Hossein Amini (al que los realizadores llaman Hoss), nominado a los Premios de la Academia® por su adaptación de la novela de Henry James Las alas de la paloma, fue contratado para convertir la novela en un guión. "Era extraño que un estudio quisiera llevar a la pantalla un libro como ese porque era muy corto, muy oscuro. Era casi como un poema".

Y esa poesía literaria ha sido trasladada a la pantalla como una poesía visual. Algunas de las secuencias son de una belleza casi poética y que no pasaron desapercibidas en el festival de Sitges, donde llegaba tras la gran gran acogida en Estados Unidos. Drive fue el cierre perfecto para un Festival que intentó mantener el equilibrio entre el lado más freak y bestia y el lado más autoral y artístico. Quizá sea aburrida para públicos más comerciales, pero Drive es sin duda de lo mejor que ha podido verse en este 2011.

Especial Dexter: Análisis y crítica de la sexta temporada

2011-12-28T00:30:00.000Z

ATENCIÓN: SPOILERS DE LA SEXTA TEMPORADA

Lee bajo tu responsabilidad si quieres conocer detalles de cómo termina la sexta temproada de Dexter

El año pasado comentamos lo mucho que nos había gustado la temporada de Dexter, aunque no llegaba a las cotas de excelencia que alcanzó el show con la trama del "Trinity Killer". Pero la víctima número trece fue sin duda una trama digna de la serie de Showtime. Sin embargo, llegó la sexta temporada, llegó el "doomsday killer" y todo cambió. La temporada empieza suave, lenta, presetándonos la nueva situación, los personajes secundarios y los posibles enemigos de Dexter. Pero, poco a poco, los guionistas se centran demasiado en tramas que no parecen ir a ninguna parte, como si no supieran qué hacer con los personajes.

Buen ejemplo serían las subtramas de Masuka y sus ayudantes; la infantil relación entre Quinn y Batista, los piques de LAguerta con Debra... Ninguno de ellos ha disfrutado de una temporada decente, pues sus tramas se han visto afectadas por una sensación de falta de rumbo preocupante para la serie. En cuanto a los protagonistas, Dexter se ha enfrentado a su pasado con la reaparición del supuesto Trinity Killer, aunque ha estado centrado en el "doomsday killer", una supuesta dupla de asesinos que la gran mayoría de espectadores no ha encontrado satisfactoria. Especialmente porque la supuesta revelación y sorpresa que su relación conlleva se vio venir con bastante antelación. A Dexter se le ha visto bastante perdido en esta temporada, sin la convicción que ha demostrado en otras ocasiones y sin la fuerza que su lucha con el antagonista suele provocar.

Y es que, no queda otra que admitirlo, Dexter se define en relación a sus antogonistas. Si "el malo" de la temporada está a la altura, la temporada lo estará también. Y eso no depende sólo del actor, depende, de entrada, de los guionistas y su capacidad para sorprender y enganchar a los espectadores. La trama del Trinity Killer enganchaba porque el espectador veía un auténtico conflicto entre los dos asesinos. La trama de Lumen, en la quinta temporada, funcionaba porque alteraba lo que Dexter vivía en aquel momento y el antogonista conseguía hacer sentir cierta amenaza, auqnue sólo fuera por descubrir lo que había sufrido Lumen en manos del principal antagonista. Funcionaba porque había secuencias para quitarse el sombrero, sin necesidad de recurrir al morbo fácil o la sangre como han pretendido esta última temporada. La cena que Dexter pasaba en casa del Trinity Killer acumulaba más tensión y conflicto, enganchaba más al espectador, que una sucesión de crímenes religiosos, por fuertes o sorprendentes que éstos puedan ser. No deja de ser lo mismo que un susto cinematográfico. Lo que cala en el espectador es la tensión, lo que no sólo nos hace saltar sino acurrucarnos en la butaca o mordernos las uñas en tensión. A Dexter, esta temporada, le ha faltado esa tensión, que se consigue con un mejor trabajo en los personajes, con una mejor definición de tramas y creando situaciones que puedan cambiar a los personajes, amenazarles. Pero el "doomsday killer" no parecía poder cambiar a Dexter, tampoco conseguía ser una amenaza real para él. Ni siquiera desafiaba las creencias del protagonista. Quien sí parecía que iba a conseguirlo era el hermano Sam, pero también decidieron los guionistas que ese camino no merecía la pena segurilo, y por tanto, desapareció sin hacer mella en el protagonista. Y eso es lo peor en la narrativa, que todo siga igual, que entretengas al espectador con tramas que parece que van a alterar el status quo de los personajes pero que finalmente no lo hacen. Y es que el único cambio de esta sexta temproada ha llegado al final y a destiempo.

Lo mejor ha sido el conflicto creado entre Debra y Dexter tras las sesiones de ésta con la psicóloga de la policía. La última secuencia de esta sexta temporada abre importantes interrogantes. Este final tenía que haber ocurrido en la ya famosa secuencia de la cortina de la temporada anterior. El descubrimiento por parte de Debra de que su hermanastro es un asesino es, sin duda, algo que los aficionados estaban esparando desde hace tiempo. Pero, ahora, se añade el "pequeño" detalle de que ella está enamorada de su hermanastro. Un conflicto que sí promete cambiar las bases de los personajes y cuyas vidas se intuye serán amenazadas por los fantasmas pasados, a tenor del paquete que Dexter aun no ha visto con la mano del Ice Truck Killer (recordemos, hermano de sangre de Dexter, ex pareja de Debra). Desde luego, a tenor de lo mal que ha ido esta última temporada, parece fácil que Dexter mejore para las dos próximas y finales temporadas de la serie.

Trailer Red Band de The Devil Inside

2011-12-27T02:08:00.001Z

Las historias de exorcismos suelen atraer. No importa cuándo las cuenten, quién las cuente y las parodias que se hayan hecho del tema. Así que vamos a por la que toca hoy y que está dándo de qué hablar en internet. En 1989 en una ciudad italiana la policía recibó una llamada de emergencia de Maria Rossi. La mujer, alterada, confesó que acababa de asesinar a tres personas de manera violenta y sanguinaria. Es por ello que las autoridades la llevaron a juicio y la encerraron en un asilo de máxima seguridad para personas con desequilibrios mentales.

La película que nos ocupa, The devil inside, sigue en la actualidad, concretamente veinte años después, cuando aparece en escena Isabel, la hija de Maria. Ella está convencida de que su madre no está loca, sino que fue víctima de una posesión demoníaca. Por esa razón, llama a dos sacerdotes reconocidos en el campo de los exorcismos para que la liberen de ese terrible mal.La trama de The Devil Inside se pone aún más interesante, ya que los sacerdotes descubrirán que Maria no está poseída por un demonio sino por varios y deben recurrir a métodos nada ortodoxos de los que ya utilizaban.

Chronicle: el lado oscuro de los superpoderes

2011-12-26T03:37:00.000Z

Durante el pasado festival de Sitges y con motivo del estreno de Emergo, de la que os ofreceremos una entrevista con su director cuando se acerque el estreno, se comentó mucho entre prensa y aficionados hasta qué punto el recurso del falso documental estaba sobrexplotado o no. Tanto el director de esa película, Carles Torrens, como Rodrigo Cortés, guionista y productor, defendieron que el recurso es uno de más de los cientos de los que un director dispone al contar sus peliculas, desde travellings hasta contrapicados, desenfoques, o cualquier técnica narrativa. Y tenían toda la razón. En Troll Hunter el recurso funciona a la perfección en el marca de la fantasía noruega y en el trailer que hoy presentamos, Chronicle, un filme de 20th Century Fox rodado en formato de falso documental y dirigido por Josh Trank. La película narra la historia de tres adolescentes que tras ser expuestos a un extraño fenómeno en medio del bosque empiezan a desarrollar una serie de extraños superpoderes. Pero su juventud hace que empiecen a experimentar con ellos sin pararse a pensar en las consecuencias que podría tener. Dane DeHaan, Michael B. Jordan y Alex Russell son los protagonistas de la cinta que llegará a los cines de Estados Unido, Inglaterra y España a lo largo del mes de febrero.

El Topo: los auténticos espías de la Guerra Fría

2011-12-24T13:13:00.000Z

La nueva adaptación de la novela de John Le Carré, El Topo, viene de la mano del director Tomas Alfredeson, conocido por aquella niña vampira que aparecía en su Déjame entrar (2008). No es la primera vez que el famoso personaje de George Smiley se lleva a la pantalla y, cómo es lógico, siempre existe cierto miedo por parte de sus numerosos seguidores a la decepción. Pero en este caso, Alfredeson ha conseguido plasmar ese ambiente amargo de Le Carré en una narrativa visual excelente y rodeándose de unos actores sublimes que encarnan a la perfección a los oscuros personajes de la novela.

Todo ocurre en plena Guerra Fría, en esa carrera por destruir la expansión de los países de detrás del Telón de Acero. Control (el jefe de la cúpula) envía al agente Jim Prideaux a Hungría, pero algo falla inesperadamente en la misión y Control es expulsado de la cúpula junto con su lugarteniente, George Smiley. Pero Smiley vuelve a ser contratado por el gobierno inglés, esta vez para descubrir a un topo que parece haberse infiltrado en los servicios secretos. Con una lista reducida a cinco nombres, Smiley se las ingeniará para recomponer todas las piezas de un puzle que no parece encajar.

Alfredeson nos ofrece una visión realista del mundo del espionaje; atrás quedan las carreras a contrarreloj, las persecuciones, las explosiones y la acción trepidante. La película se centra en el personaje de George Smiley que nos ofrece un ambiente de reflexión, diálogos cargados de matices (no sólo en lo que se dice, sino en el cómo se dice) y sobretodo mucho suspense. La interpretación de los actores destaca sobre todo en el silencio, en cada gesto, en cada pequeña pista que nos hará sospechar de cada uno de ellos.

A pesar de ser una película excelente en la que se respira autenticidad en cada momento, no deja de ser densa y algo enrevesada. Esto puede provocar para el espectador desconocedor de la literatura de Le Carré que la película resulte algo compleja a la hora de seguir el argumento. Y es que Alfredeson se ha servido de la narrativa y el montaje para jugar al despiste, utilizando numerosos flashbacks y un orden temporal que a más de uno le puede llevar al desconcierto. Aún así, el espectador que se sienta atrapado por este universo, no podrá salir de él hasta el último momento en el que descubra la lógica y la oscuridad que mueve a cada uno de los personajes en sus actuaciones. El engaño traspasa la pantalla y juega con el espectador, ya que como dice el propio Le Carré “Para mí, este mundo secreto era también una metáfora del gran mundo en el que vivimos; nos engañamos unos a otros, nos engañamos a nosotros mismos, nos inventamos mentirijillas y representamos nuestra vida en lugar de vivirla”.

El topo

Luz entre tinieblas

2011-12-23T17:04:00.014Z

Que Alan Wake (a pesar de su exclusividad para Xbox360) iba a ser uno de los juegos estrella del 2010 ya lo intuíamos, pero poder escucharlo de los propios labios de Sam Lake fue la confirmación definitiva de que no nos equivocábamos. Tuvimos la oportunidad de conocer a Lake en persona durante el Salón del Cómic de Barcelona de aquel año, y el guionista principal de la finlandesa Remedy Studios no nos defraudó creando expectativas. ¿Cómo podía equivocarse el creador de la mítica saga Max Payne? Alan Wake supo equilibrar a la perfección horror y acción, en un género hoy día excesivamente absorbido por las mecánicas de shooter en tercera persona (véase los últimos Resident Evil). El resultado fue un aclamado survival horror con una excelente narrativa digna de los relatos de Stephen King, y plagado de misterios al estilo de series como Twin Peaks o Perdidos, directos inspiradores del título.

Tras la cesión de los derechos de Max Payne a Rockstar Games (precisamente la tercera parte tiene su lanzamiento previsto para marzo del próximo año, lo que nos permitirá tener la manos ocupadas hasta GTA V), los fans de Remedy se preguntaban si el próximo movimiento de la compañía sería continuar con las desventuras del escritor o crear un producto completamente nuevo. Como hemos podido saber recientemente, la respuesta es… ambigua.

Alan Wake no tendrá secuela el próximo año, al menos entendida como un título completo que salga al mercado en formato físico. En su lugar, tendremos un nuevo episodio de las andanzas del novelista que saldrá a la venta en el bazar de XBoX Live, al más puro estilo DLC. Su título será Alan Wake’s American Nightmare (La pesadilla americana de Alan Wake), y saldrá a la venta a principios del 2012. De acuerdo con los creadores, “es un juego independiente de la línea argumental del primero, que existe únicamente para expandir el universo de Alan Wake”. No es por lo tanto la esperada secuela, aunque Remedy tampoco quiere desmentir que pudieran estar trabajando en ella en estos mismos momentos.

El argumento se centrará en un Wake atrapado en Arizona, y lo que es peor, atrapado en uno de sus primeros guiones para la serie de televisión Night Springs (que como recordemos, era un claro homenaje a la clásica En Los Límites de la Realidad). En medio de una guerra abierta entre luz y oscuridad, Alan deberá resolver un misterio que le permita distinguir entre realidad y ficción, o de lo contrario podría perder la cordura.

De acuerdo con Remedy, American Nightmare toma inspiración directa del universo Tarantino, con un enfoque más similar a Pulp Fiction o Abierto hasta el Amanecer, aunque manteniendo sus características distintivas. A continuación os mostramos su primer tráiler, que parece corroborar que no decepcionará a nadie.

Get More: GameTrailers.com, Alan Wake: American Nightmare - VGA 2011: Exclusive Debut Trailer HD, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

Ridley Scott vuelve a la ciencia ficción: Trailer de Prometheus

2011-12-23T00:00:00.000Z

Después de meses de rumores, semanas de filtraciones y días de cuenta atrás, por fin podemos disfrutar en majestuosa alta definición del primer avance de la esperada Prometheus, el regreso a la ciencia ficción de Ridley Scott, director de Alien, Blade Runner o Gladiator. Pero no perdáis más tiempo, bajad, ved el trailer, y luego hablamos...

Ok.

Espectacular, ¿verdad?

Tanto el guionista Damon Lindelof como el propio Ridley Scott habían dicho que esta "no-precuela" de Alien mantendría rasgos del universo que convirtió a la Teniente Ripley en uno de los iconos de la historia del cine. Pero, visto el avance, parece que habrá algo más que rastros del "ADN Alien" en Prometheus. Según Scott, tan sólo habrá una auténtica conexión con el primer filme de la saga en el tercer acto de esta película, a pesar de lo que acabamos de ver con este avance. Scott hablaba la semana pasada en torno al origen de la historia, el Space Jockey, que podemos ver brevemente en el avance:

“Durante la película le comenzaron a llamar así, no sé quien lo comenzó. Siempre pensé que era increíble que nadie respondiese quien era ni porqué estaba ahí. ¿Qué era todo eso?, me senté a pensar en ello por un tiempo y pensé: ¡Bueno, ahí hay una historia! ¡Las otras cuatro películas se lo perdieron! Por lo tanto, aquí está”.

Pase lo que pase, ¡no dejes de jugar!

2011-12-22T17:18:00.004Z

Para ser sinceros, resulta frustrante tener que admitir que la industria del videojuego nacional no es muy potente en cuanto a desarrollo se refiere. Aquellos que superen los treinta años recordarán con cierta nostalgia la época dorada del videojuego español, que tan bien cuajó en la consola de 8 bits Spectrum. ¿Quién no ha oído al menos hablar de esa mítica aventura gráfica, La Abadía del Crimen, producto de la desaparecida Opera Soft? Desde entonces apenas contamos con alguna que otra compañía importante (destacando Pyro Studios, Péndulo y la reciente MercurySteam) y unos pocos juegos de calado internacional, como la saga belica Commandos, la aventura gráfica Runaway o el reciente Castlevania: Lords of Shadow para Konami.

Y precisamente por la escasa cantidad de grandes éxitos, siempre es de agradecer cuando oímos hablar de un título genuinamente español con capacidad para levantar expectación entre los jugadores. En este caso, nos referimos a REC: el videojuego. Tras el éxito arrollador de las dos películas de terror de Jaume Balagueró y Paco Plaza (REC en el 2007 y su secuela, REC2, en el 2009) y el próximo lanzamiento de las dos nuevas entregas de la franquicia (la precuela REC: Genesis y la secuela REC: Apocalípsis), tendremos la oportunidad de revivir el horror de forma interactiva gracias al videojuego oficial.

El título está producido por Filmax y de su desarrollo se encarga Tonika Games, una joven compañía de videojuegos española que de momento sólo cuenta con dos títulos en su catálogo; la aventura gráfica Play English para PSP, y Patito Feo: El videojuego más bonito, también para PSP.

De acuerdo con las primeras informaciones (ya que aún es demasiado pronto para mostrar ninguna imagen), el juego será bastante fiel a la estética de las películas. Durante el proceso de desarrollo se está teniendo muy en cuenta la terrorífica atmósfera de REC, dando especial relevancia a la iluminación y los efectos sonoros inquietantes (algo que tan buen resultado ha dado en títulos como Dead Space). Por otro lado, en el apartado de armas y personajes también se está teniendo en cuenta el componente de acción y violencia que son ya marca de la casa.

El juego estará dividido en cuatro episodios, cada una de ellos dedicado a cada película. Según la productora, nos encontramos ante un first person shooter que a través de varias misiones nos sumergirá en el universo REC en primera persona, con la intención de causar un mayor impacto en el jugador. Como tal, podremos explorar las localizaciones clave de cada película, aunque aún está por ver hasta que punto tendremos libertad para hacerlo o si incluso se irá más allá y aparecerán localizaciones no vistas en las versiones cinematográficas.

REC: el videojuego aún no tiene fecha oficial de salida, aunque sus dos primeros episodios (correspondientes a REC y REC2) saldrán a la venta durante el primer trimestre de 2012 para Iphone, Ipad, PC, Blackberry, tablet y Android a un precio de descarga de 2’99 euros. Aunque en principio nos alegra saber que REC se expande hacia otras plataformas más allá del celuloide, ¿estará a la altura de lo que esperan los fans de la saga? Conforme vayamos conociendo más detalles, no dudéis que seréis los primeros en enteraros. Hasta entonces, nos encontraremos en las tinieblas.

Primer trailer subtitulado de El Hobbit

2011-12-21T10:51:00.003Z

Menudo cierre de año. El 2011 no ha terminado y ya nos han metido en vena la expectación necesaria con varios avances espectaculares. Si la semana pasada Filmax lanzaba el trailer de [REC]: Génesis y el Lunes noche se publicó el nuevo trailer de El caballero Oscuro, hoy le toca el turno a otra de las grandes apuestas del 2012: El Hobbit, para la que tendremos que esperar todo un año, hasta Diciembre del inminente año nuevo. Y aun falta el trailer de Prometheus para las próximas horas.El filme está dirigido por Peter Jackson y está escrito por Philippa Boyens, Guillermo del Toro, Fran Walsh y el propio Jackson, está protagonizado por Martin Freeman, Ian McKellen, Cate Blanchett, Orlando Bloom, Ian Holm, Christopher Lee, Hugo Weaving, Elijah Wood, Andy Serkis y Stephen Fry, entre otros.

El Hobbit: un viaje inesperado, comienza con el viaje de Bilbo Bolson, quien es arrastrado a una aventura épica para reclamar el reino perdido de los enanos de Erebor, el cual fue tiempo atrás conquistado por el dragón Smaug. Trasportado como por arte de magia por el mago Gandalf el Gris, Bilbo se encontrará en compañía de trece enanos encabezados por el legendario guerrero Thorin Oakenshield. Su viaje les llevará a internarse dentro del Wild, tierras traicioneras invadidas por Duendes y Orcos, terribles Wargs y arañas gigantescas y hechiceros.Aunque su objetivo se encuentra al Este y en las tierras baldías de la Montaña Solitaria, primero deben escapar de los túneles de los duendes, donde Bilbo encontrará a la criatura que cambiará su vida para siempre, Gollum. A solas con él, en la orilla de un lago subterráneo, Bilbo descubrirá su astucia y su coraje, cualidades desconocidas hasta entonces para él; también conseguirá la posesión más preciada por Gollum, un anillo de oro que posee inesperadas y útiles cualidades. Un simple anillo de oro al que está ligado el destino de la Tierra Media de una manera que Bilbo comenzará pronto a saber.

"Cuando Gotham sea cenizas, tienes mi permiso para morir"

2011-12-20T00:30:00.000Z

Con esas palabras que abren esta entrada de hoy en Planta 13, el personaje de Bane deja más que claras sus intenciones de destruir Gotham y acabar con El Caballero Oscuro. Si el primer teaser de El Caballero Oscuro: la leyenda renace, se centraba en el enfrentamiento entre Batman y Bane (Christian Bale/Tom Hardy), el primer trailer largo plantea el impresionante reparto de esta tercera (y final) entrega sobre Batman: Gary Oldman, Michael Caine, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Anne Hathaway y Nestor Carbonell aparecen en este nuevo avance secundando al protagonista, aunque no debemos olvidar los nombres de otros actores secundarios que no aparecen aun en los trailers: Morgan Freeman y Juno Temple.

La anticipación de este filme es sólo equiparable a la expectación levantada por el trailer de El Hobbit (que llegará también en los próximos días) y el prólogo proyectado en cines IMAX se ha flitrado ya en internet (lo comentaremos cuando lo veamos en el Imax de Londres en unas semanas). Aunque no lo hayamos visto, fuentes de confianza que ya han visto el avance aseguran que secuencias así son las que nos hacen amar el cine estadounidense. Por ahora, os dejamos con la sinopsis ofrecida en la ficha de la película en Sensacine y con el trailer en versión original subtiulada al español.

Tercera entrega de la trilogía dirigida por Christopher Nolan, que comenzó con Batman Begins (2005), siguió con El caballero oscuro (2008) y ahora finaliza con El caballero oscuro. La leyenda renace. En esta aventura, el superhéroe Batman deberá enfrentarse a Bane, un poderoso villano que acaba de escaparse de la cárcel y que liderará una tropa de maleantes fugados de la prisión de Arkham. Bane asediará la ciudad de Gotham y Batman tendrá que unirse a las fuerzas del orden para detener su avance. Además, el Hombre Murciélago tendrá que verse las caras con otro contrincante, en este caso femenina, la fiera Catwoman.

Spielberg y su primer gran éxito con los extraterrestres

2011-12-19T14:49:00.000Z

Ayer Steven Spielberg celebrabasu cumpleaños, y con motivo del mismo dedicábamos una entrada a la ya míticafigura del cine (podéis leerla aquí). Aunque ha tocado todos los géneros, buenaparte de la carrera de Spielberg ha estado marcada por la fantasía, el terror,la ciencia ficción y el cine de aventuras. Así que como podéis imaginar, poraquí, en Planta13, tiene un puesto privilegiado (al menos para algunos denosotros). No he querido desaprovechar la oportunidad para re-homenajearle volviendoa sacar a la luz una de sus primeras obras dedicadas a los ovnis y la ufología:Encuentros en la tercera fase (1977).

Con apenas treinta años habíallegado ya a lo alto de Hollywood gracias a su primera película de éxitomundial: Tiburón (1975). Pero si Tiburón le dio la fama, el prestigio yel dinero; fue Encuentros en la tercera fase la que confirmó que nos encontrábamos ante un verdadero maestro del cineque daría mucho que hablar en los siguientes años. Le salvó de ser un directorde un solo éxito (el miedo eterno de los cineastas que comienzan pisandofuerte) y con ella demostró al mundo que era capaz de arrastrar a millones depersonas a los cines a ver sus películas. Convirtiéndose en uno de los jóvenes “ReyMidas” de Hollywood, fue además, con esta obra, con la que salvó a la Columbiade la bancarota.

Spielberg siempre ha sentidoatracción por la ufología y todo lo relacionado con los ovnis. Ya de niño sepasaba horas observando por su telescopio el cielo y buscando indicios de navesextraterrestres con sus habilidades de boy scout. Por eso, incluso antes derodar Tiburón, tenía en mente hacerun documental sobre el tema; aunque finalmente se decantó por esta película conel apoyo de la Columbia. Para la misma, leyó multitud de guiones que leofrecieron, pero ninguno le convencía lo suficiente. Así que el mismo se pusomanos a la obra y escribió íntegramente el guión haciendo de ésta una de laspocas películas en la que él es director y guionista (aunque muchas vecesparticipa en los guiones revisando diálogos o cambiando secuencias).

El filme cuenta diversashistorias paralelas a modo de distintos caminos que convergen en un mismopunto. La de Claude Lacombe, un investigador de sucesos paranormales ocurridosen distintos lugares del planeta; la de Jillian Guiler, que busca a su hijomisteriosamente desaparecido; y la de Roy Neary, que está obsesionado con unaimagen tras un extraño encuentro nocturno. Todos ellos, buscando respuestas, seencontrarán en el mismo punto de la geografía americana.

Estos caminos por recorrer en labúsqueda de respuestas es un tema recurrente en el cine de ciencia ficción deSpielberg. Muchas veces se ha dicho de los mismos que corresponden a unametáfora de la figura divina en la que convierte a la ufología en una especiede religión en la que el hombre se encuentra con una forma vital superior; unasveces amistosa (como en E.T. el extraterrestre de 1982) y otras un tanto destructiva (como en La guerra de los mundos de 2005). Estaforma de representar la forma de vida alienígena en la pantalla ha sido muyinfluyente para algunos directores.

Pero el director no es sóloinfluencia, sino que también ha sido influenciado (como siempre en la historiadel cine); en este caso por autores clásicos como Howard Hawks. Ejemplo de elloson las secuencias de la búsqueda y la huída acontecidas en la montaña querecibe el nombre de Devil’s Tower. Así, toda la película se llena de un haloclasicista dejándonos con imágenes de gran atractivo visual que, combinados conla música y un guión que atrapa, nos lleva al espectáculo al que Spielberg yanos tiene acostumbrados. Pocas películas han sido capaces de resucitar esaestética clasicista como ésta: una obra maestra que abrió un gran camino en larelación entre la ciencia ficción y un gran cineasta, de la cual, estoy segura,aún nos queda mucho por ver.

Domingo en serie: nuevo trailer de Juego de Tronos

2011-12-18T15:23:00.001Z

Apenas unos segundos bastan para poner los dientes aún más largos a los aficionados. HBO ha lanzado un nuevo teaser de la segunda temporada de Juego de Tronos y, está claro, sabe que muchos están ya esperando la nueva temporada. “The cold winds are rising”, es el lema de esta promo, que en menos de un minuto ya avisa de que no es tiempo para la paz.No hay espacio para la felicidad o la luz: las tierras baldías o las zonas heladas ya no dejan espacio para fiestas en los castillos ni en las ciudades. Quien da el discurso del teaser es Stannis Baratheon, que será eje fundamental de esta nueva temporada y que ya deja claras sus intenciones: "They will bend the knee or I will destroy them". La segunda temporada de Juego de Tronos se estrenará el próximo 12 de abril.

Feliz Cumpleaños, señor Spielberg

2011-12-17T18:17:00.000Z

Uno de los cineastas más exitosos e influyentes de la industria y el director más taquillero de todos los tiempos cumple 65 años este domingo 18 de diciembre. Suyos son éxitos como Tiburón, ET: El extraterrestre, las franquicias de Indiana Jones y Jurassic Park y el próximo título War Horse (Caballo de batalla) que se estrena el 17 de febrero de 2011 y cuyas críticas iniciales están siendo bastante favorables.

El denominado "Rey Midas" de Hollywood ha ganado el Oscar® en 3 ocasiones. Las dos primeras estatuillas fueron como Mejor Director y Mejor Película por la película La Lista de Schindler, que recibió un total de siete estatuillas. El tercer Oscar fue como Mejor Director por el drama de la Segunda Guerra Salvar al soldado Ryan aunque ha sido nominado un total de diez veces hasta la fecha a los premios de la Academia, cifra que podría aumentar con las posibilidades que tanto Las Aventuras de Tintín como Caballo de Batalla tienen este año de cara a los premios.

Spielberg ha sido honrado por sus colegas con más nominaciones a los premios DGA que cualquier otro director, llegando a recibir en el año 2000 el premio DGA Lifetime Achievement Award. Es también el ganador del premio Irving G. Thalberg Award de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, del premio Cecil B. DeMille Award de Hollywood Foreign Press, del Kennedy Center Honors, y otros numerosos homenajes a su carrera.

La carrera de Spielberg comenzó con el cortometraje de 1968 Amblin, que le llevó a convertirse en el director más joven en firmar un contrato a largo plazo con un estudio. Llamó la atención con su película para televisión de 1971, El diablo sobre ruedas. Tres años más tarde hizo su debut cinematográfico como director en Loca Evasión, cuyo guión coescribió. Su siguiente película fue Tiburón, que fue la primera en romper la marca de $ 100 millones de recaudación. En 1984 Spielberg formó su propia productora, Amblin Entertainment. Bajo la bandera de Amblin, se desempeñó como productor y productor ejecutivo de éxitos como Gremlins, Goonies, Regreso al Futuro (I, II y III), Quién engaño Roger Rabbit?, Twister, La máscara del zorro y Men in Black.

En 1994 Spielberg se asoció con Jeffrey Katzenberg y David Geffen para formar el original DreamWorks Studios. El estudio disfrutó del éxito de la crítica y el público y produjo tres películas ganadoras del Oscar® –consecutivamente- como Mejor Película: American Beauty, Gladiator y Una mente maravillosa. Entre sus próximos estrenos destaca War Horse (Caballo de batalla) que llegará a España el 17 de febrero, una épica y emotiva aventura que aspira a convertirse en clásico. Es la historia de un maravilloso caballo en época de guerra; una conmovedora historia que explora los lazos de la amistad, la lealtad y el coraje. Inspirada en una de las más grandes historias modernas acerca de la amistad en tiempos de guerra, la película es una adaptación de la novela que se convirtió en una exitosa apuesta teatral –cosechando cinco premios Tony, entre ellos el de Mejor Obra-. Ahora, Spielberg despliega este cálido relato para todas las edades, que marca su regreso a un territorio donde la pantalla gigante y la narrativa de corte intimista se encuentran.

Spielbrerg dice: “Para mí, War Horse es una historia inmortal acerca de los sacrificios del amor; los sacrificios que un joven muchacho hace durante la guerra para hallar su caballo y los sacrificios que el animal hace para sobrevivir en medio de la oscuridad de ese episodio histórico. Más allá de todo, sus destinos están enlazados”. Para Spielberg, la oportunidad de trabajar con caballos fue una experiencia muy estimulante, una de esas experiencias que te transportan a nuevos territorios. “Los caballos fueron una experiencia extraordinaria para mí porque muchas miembros de mi familia montan a caballo. Me fascinó la expresividad de los caballos y su capacidad para mostrar lo que sienten”.

Morir es cosa del pasado

2011-12-16T22:02:00.002Z

Game Over. ¿Cuántas veces hemos leído estas palabras jugando a un videojuego? Quien más y quien menos, seguro que no pocas. Nuestro personaje cae por un precipicio, o lo vapulean, o se ahoga, o se electrocuta, y nuestra frustración crece, crece, y sigue creciendo porque somos incapaces de superar ese nivel que se nos ha atragantado. Estamos hartos de morir, y por eso Konami (veterana del género con franquicias como Castlevania o Silent Hill) ha decidido escuchar nuestras plegarias y ofrecernos una experiencia novedosa: Neverdead, el juego en el que no podemos morir.

En Neverdead nos metemos en la piel de Bryce Boltzmann, un hombre que hace quinientos años presenció la brutal muerte de su esposa a manos del rey demonio Astaroth. Por si eso no fuera suficiente, Astaroth le condenó a vivir eternamente, impidiendo así que pudiera reunirse algún día con su amada. Con el paso de los siglos Boltzmann terminó convirtiéndose en un alcoholizado y cínico cazademonios a sueldo, malviviendo con la vaga esperanza de morir algún día. Y en ese aspecto radica la originalidad del título.

Cada vez que suframos daños mortales, en lugar de perecer nuestro cuerpo se desmabrará, lo que nos obligará a buscar nuestros miembros faltantes esparcidos por el escenario para poder continuar de una pieza. En ocasiones, controlar únicamente una parte suelta de nuestro cuerpo, como la cabeza, nos permitirá acceder rodando a lugares imposibles de cualquier otra manera (como por ejemplo una tubería o un pasadizo estrecho). Como podemos ver, deberemos utilizar nuestro ingenio para sacar partido a nuestra habilidad.

Por lo demás, deberemos enviar de vuelta al averno a la fauna demoníaca que ha invadido nuestro plano de la realidad, gracias a un amplio y variado arsenal de armas. No solo eso, también deberemos proteger en todo momento a Arcadia, una sexy investigadora privada y compañera de fatigas durante nuestra aventura. También es reseñable comentar que el proyecto cuenta con la colaboración acústica de Megadeth, la popular banda de heavy metal cuyo estilo agresivo encaja perfectamente con el tono de película de acción del juego.

Dicho esto, os presentamos el primer avance de lo que dará de sí la nueva propuesta de Konami, que saldrá a la venta el 31 de Enero para Xbox360 y Playstation 3. Aunque aún tendremos que esperar un poco para comprobar si el experimento realmente funciona, ¿Quién sabe? Quizás haya llegado el momento de decirle au revoir! a la muerte.

Get More: GameTrailers.com, NeverDead - Preview HD, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

Kill List sigue dando de qué hablar por el mundo

2011-12-15T14:59:00.000Z

Mira que habíamos visto clips en Londres, durante el Empire Presents Big Screen. Mira que el director lo había avisado: "es una película que arranca en un género y termina en otro". Pero, a pesar de todo, Kill List es un filme que descoloca, que sorprende. Kill List es fuerte, sin tapujos, con una dirección maestra durante los primeros dos tercios de la película. Pero, entonces, llega el último acto del filme. Y no es que el directo, Ben Whitley, empiece a hacer aguas en su trabajo, pues sigue siendo igual de efectivo. El "problema" (para algunos espectadores que compartieron visionado con Planta 13 en Sitges), es que la trama da un giro brutal. Aunque intentan sembrar pistas de hacia donde se dirige la película, con algunas pistas confusas salpicando los dos primeros tercios del guión, ningún espectador esperaba encontrarse de forma tan radical el cambio de tercio que acontece en el tercer acto.

La dirección ahi no empeora, y la secuencia en el túnel es brutal en tensión, pero lo que supone el giro en la trama descoloca demasiado al espectador.Aunque el cambio de rumbo puede funcionar para algunos (más de uno se llevaba las manos a la boca de incredulidad, tensión o incluso miedo durante su proyección en Sitges), lo cierto es que la gran mayoría han salido defraudados por ese giro: "Me estaba encantado la película hasta que ha llegado a ese punto", se comentaba a la salida del Auditori. "Más de la mitad de la peli es fantástica, en serio, pero es que al llegar al final...", comentaban otros.Desde luego, la película sorprende y durante los dos primeros actos, mantiene la tensión de un thriller bestia; y con nota. Que el tercer acto y final de la película sea bueno, queda en manos del espectador, su capacidad para soportar finales duros y lo predispuesto que esté a que le cambien de género sin avisar. Podéis ir abriendo boca con el trailer que circula por internet.

Oscar a los mejores efectos especiales

2011-12-14T01:26:00.003Z

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha decidido cuáles serán las películas que optarán a las candidaturas de los premios Oscar en la categoría de efectos visuales. Se trata de un total de 15 largometrajes entre los que se encuentran todo tipo de adaptaciones. Capitán América, Thor, X-Men: Primera generación o Harry Potter y las reliquias de la muerte II. Cintas de acción y ciencia ficción como Cowboys and Aliens, Acero puro, El origen del planeta de los simios, Transformers: El lado oscuro de la luna, Piratas del Caribe: En mareas misteriosas o Misión: imposible Protocolo fantasma. A las que se suman películas más variadas pero visualmente arroladoras como La invención de Hugo, Sherlock Holmes: Juego de sombras, Super 8, Sucker punch e incluso el drama El árbol de la vida.El próximo mes de enero la lista se quedará en diez semifinalistas y los miembros de la Academia tendrán que visionar diez minutos de cada una de las películas para decidir sus votos, con los que se obtendrán los 5 nominados en esta categoría en el marco de la 84ª edición de los premios. Las nominaciones serán anunciadas, en directo, el martes 24 de enero de 2012.

Planta 13 selecciona sus favoritas entre las que ya hemos podido ver.

Por el desparrame visual en pantalla y el espectacular resultado en 3D, Transformers 3.

Por la expresividad conseguida con la captura de movimientos, El origen del Planeta de los Simios.

Espectacular trailer de [REC]3: Génesis

2011-12-13T12:19:00.003Z

Lo habían prometido. Y aquí está. El trailer de [REC]3: Génesis. Con decenas de infectados vomitando sangre entre los invitados de una boda. Leticia Dolera, motosierra en mano, se lanza a la caza de zombis para delirio de los fans del género y la saga de terror española por excelencia. En Sitges, durante la presentación de Mientras Duermes, pudimos ver este avance entre los vítores de los aficionados.

RTVE.es ofrece en primicia el tráiler de [Rec]3:Génesis, la nueva película de la franquicia más rentable y exitosa del terror nacional y una de las películas más esperadas de 2012 tras el éxito de las dos primeras partes en todo el mundo (Juntas recaudaron más de 35 millones de euros).Una saga que ha ganado numerosos premios internacionales y dos Goyas, a mejor actriz revelación (Manuela Velasco) y montaje, en 2007. Además Hollywood ha rodado su propia versión, Quarantine, que también cosechó un gran éxito y ya ha estrenado su segunda entrega, que nada tiene que ver ya con la saga española.En esta ocasión, Paco Plaza dirige en solitario y ha coescrito el guión con Luiso Berdejo (La otra hija) y cuenta con un excepcional reparto encabezado por Leticia Dolera (Circuit) y Diego Martín (Amigos).

El primer Teaser-tráiler, estrenado por RTVE.es fue todo un éxito en internet (100.000 reproducciones en un fin de semana, actualmente lleva acumuladas casi 400.000, trending topic en twitter…) Y ahorase espera una respuesta similar con este avance, muy bien lanzado por la gente de Filmax días antes de que los esperados avances de The dark knight Rises y El Hobbit revolucionen el fin de semana.

Tras la sensación de claustrofobia experimentada en las dos primeras entregas de [REC], la acción transcurre ahora a kilómetros de distancia de la ubicación original y en parte, a plena luz del día, características que dotan a la película de una renovada e inquietante realidad.La infección ha salido del edificio.Con esta nueva entrega, el director Paco Plaza bombea sangre nueva para llevar, una vez más, a los espectadores al límite de sus sensaciones. Esta tercera parte, cargada de más acción y más humor, nos llevará de vuelta a la esencia de la primera película.[Rec]3 Génesis llegará a las pantallas de toda España el próximo 30 de marzo de 2012, día a marcar en el calendario con una cruz rojo sangre por todos aquellos que sufrieron y disfrutaron con el original y su primera secuela.Y más allá de su desembarco en las carteleras, no conviene olvidar que en un futuro no muy lejano los infectados atacarán de nuevo en [Rec] 4 Apocalipsis, que dirigirá el otro responsable de la franquicia, Jaume Balagueró.

Pinchad en la imágen de abajo para ir a verlo.

Edgar Allan Poe y George Corman

2011-12-12T10:21:00.001Z

Para los amantes del género deterror, uno de los directores y productores más importantes siempre ha sido (yes) George Corman. Desde su inicio en el mundo cinematográfico en 1955 con Las mujeres del Pantano (aunque anteshabía trabajado como mensajero de la Fox) su obra se caracterizó por unainclinación hacia el cine de terror y ciencia ficción. Aunque si hay que hablarde las principales características de Corman tenemos que mencionar dospeculiaridades: casi todas sus películas fueron de bajo presupuesto y lamayoría fueron rodadas en menos de una semana. Hoy os lo traemos a Planta13para hablaros de una parte de su filmografía muy interesante: una serie depelículas basadas en adaptaciones (bastante libres) de obras de Edgar AllanPoe.

La relación de Corman con Poecomenzó en 1960 con El hundimiento de lacasa Usher en la que ya aparecía el que sería su actor fetiche en estaserie: Vicent Price. Este título pertenece a la parte más oscura de la obra dePoe y seguramente sea la más fiel de todas las adaptaciones que Corman hizo. Enesta y en su segunda adaptación Elpéndulo de la muerte (1961) ya se sentaron las bases de lo que sería suinnovadora forma de crear el ambiente de terror gótico alejándose de la tendenciadel momento basada en el horror de los monstruos. En las películas de Corman elverdadero “monstruo” era el propio individuo con su enfermiza obsesión por lamuerte y la enfermedad que en muchos casos les llevaba a la locura.

El director creó un ambientecontinuo en toda la serie llenando los escenarios de una perturbadora y espesaniebla que en ocasiones servía para disimular la escasez de decorado. Así mismotambién supo dar la importancia debida a los objetos y rincones de susterroríficas casas haciendo que se llenasen de significado en el relato yutilizó el color como uno de sus principales elementos expresivos. En sussiguientes dos adaptaciones La obsesión(basado en “El entierro prematuro”) e Historiasde terror, ambas del sesenta y dos, siguió trabajando en base a una de lasconstantes de la obra de Poe, la muerte. En la primera abordando el tema de lacatalepsia (muerte aparente) y, en el segundo, combinando varios relatos de Poe,los entierros y la obsesión de su protagonista de que la responsable de lamuerte de su mujer es su propia hija.

A partir de esta última película,el director se fue alejando cada vez más de Poe, reinterpretándola a su maneraaunque conservando las principales características de sus personajes. Esteprogresivo alejamiento hizo que sus filmes parecieran más una parodia delpropio relato que no una historia de terror. Quizás donde más se aprecie estosea en El cuervo (1963) que ha sidoconsiderada prácticamente una comedia paródica. El ciclo se completa con La máscara de la muerte roja (1964) y La tumba de Ligeia (1965).

Indiferentemente de que se sea unamante de Edgar Allan Poe, de Corman o del cine de terror, estas películas sehacen indispensables. Aunque todo ha de decirse; los iniciados en la literaturade Poe puede que tengan más de una discrepancia o decepción ya que la mayoríade las películas se alejan considerablemente de lo que la mayoría de loslectores hayan podido crear en su imaginario. Aún así, el prestigioso Corman(al cual le concedieron el Oscar honorífico en 2009) siempre será merecedor denuestro tiempo. Sin él, directores tan importantes como Coppola, Scorsese, RonHoward o James Cameron no serían lo que hoy son y actores de la talla de JackNicholson, Robert De Niro, Peter Fonda o Denis Hopper entre otros no habríantenido una oportunidad en el cine.

Para los que esto les hayaabierto ligeramente el apetito de ver la obra de Corman, este mismo año se harealizado un documental sobre su vida y su trabajo dirigido por Alex Stapletony en el que aparecen los ya mencionados Nicholson, De Niro, Scorsese y Fondaentre muchos otros. Os dejo con imágenes del mismo, Corman’s world: Exploids of a Hollywood rebel (2011) que prevéestrenarse este mes de diciembre.

Domingo en serie: acción en el horizonte de los muertos

2011-12-11T00:42:00.001Z

POSIBLES SPOILERS

The Walking Dead regresará con la continuación de su segunda temporada el próximo doce de Febrero con menos palabras y más acción. O eso es lo que prometen.

Tras el éxtio de la serie, que arrasó con este final de la primera mitad con una audiencia de 6,6 millones (de los que 4,5 eran espectadores de entre 18 y 49 años), se espera mucha más acción para su regreso en Febrero. Y la culpa la va a tener el enfrentamiento entre Hershel y algunos de los protagonistas, especialmente Shane. Para complicar más aun la situación tras el demoledor capítulo emitido la semana pasada, la situación desembocará también en enfretamientos internos dentro del grupo principal de supervivientes. Precisamente en los videos que ya se han adelantado vemos a Shane buscando respuestas del porqué Sofía estaba en el pajar, algo que Hershel no sabe. Tras los últimos sucesos, la tensión va a estallar entre los supervivientes.

Trailer de Battleship, con Rihanna pegando tiros a mansalva

2011-12-10T00:32:00.001Z

Si alguien me dice que Michael Bay ha rodado en secreto Transformers 4, ha puesto a Rihanna a pegar tiros frente a naves alienígenas emergentes del mar y le ha puesto el título de Battleship, me lo creería.

Pero no. A pesar de las apariencias, la película no está dirigida por el creador de la saga de los robots gigantes. El director tras las cámaras de Battleship es Peter Berg, que ya se manejó bastante bien con efectos especiales a cascoporro en Hancock. Ahora, de la mano de Hasbro (de ahi el parecido con Transformers, suponemos), han preparado Battleship, una película que aspira a blockbuster de 2012 y que cuenta con muchas papeletas para hacer dinero y gustar al público. Al fin y al cabo, la idea de máquinas dándose leñe unas a otras funciona pongas los personajes que pongas. Las explosiones, los cuerpos de escándalo que pueblan la pantalla, los edificos desplomándose, las naves espaciales, los helicópteros partiéndose en dos... En fin, un espectáculo palomitero que a buen seguro sacará tajada en la taquilla.

Secuencia inicial de The Divide

2011-12-09T14:47:00.001Z

Durante un cataclismo en Nueva York, ocho personas que viven en un mismo edificio corren a refugiarse en el sótano. Sin embargo, cuando parece que lo peor ha pasado, un grupo de hombres que viste trajes Hazmat entra en el lugar por la fuerza, provocando un sangriento enfrentamiento en el que quedarán finalmente atrapados en ese lugar. Sin suficientes víveres y aislados por completo, la claustrofobia y locura no tardarán en invadirles y se convertirarán en depredadores los unos de los otros.

Durante el festival de Sitges se pudo ver esta película sin cortes, demostrando que el público del festival tiene estómago para secuencias duras y que la violencia cinematográfica no es un problema para ellos. Con una planificación que aprovecha cada rincón del decorado, Xavier Gens, el director, consigue crear una narración in crescendo hasta una parte final desmadrada en la que vivimos paso a paso la desintegración humana que viven los personajes.

Echad un vistazo a la secuencia de inicio del filme, donde Xavier Gens ya demuestra tener ojo con la planificación.

Entrevista exclusiva con Joe Cornish, Attack the block

2011-12-08T12:00:00.001Z

La sinopsis oficial de Attack the block dice que se trata de una divertida y aterradora película de aventuras que enfrenta a una banda de adolescentes contra una invasión de salvajes alienígenas, convirtiendo una zona marginal de Londres en una zona de peligrosos juegos de ciencia ficción. De la noche a la mañana, un bloque de pisos se convierte en una fortaleza sitiada y un grupo de adolescentes de la calle en héroes. La guerra entre los bajos fondos y el espacio exterior ha comenzado…

Tras los múltiples premios recibidos en el festival de Sitges, llega a España la cinta de ciencia ficción de la temporada. Haced click aquí para recuperar lso comentarios sobre la película que hizo nuestra corresponsal en Sitges.

JOE CORNISH

Hasta ahora era conocido por ser uno de los miembros del dúo cómico británico Adán y Joe. Además de escribir y dirigir Attack The Block, recientemente ha co-escrito The Astonishing Ant Man con Edgar Wright para Marvel Studios, y Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, de Steven Spielberg, para Dreamworks, junto con Wright y Moffat Steven.Apareció por primera vez en la televisión británica en 1997 como co-protagonista y co-creador de The Adam and Joe Show, comedia famosa por sus sketches, canciones y animaciones satirizando la cultura pop. Aclamada por la crítica, durante sus cuatro años en antena, se convirtió en una serie de culto y en 1998 ganó el premio a la Mejor Serie de la Royal Television Society.El éxito de The Adam and Joe Show dio lugar a un spin-off en Channel 4 y en la BBC. Joe también ha trabajado de director de shows cómicos (Modern Toss y Blunder) para Channel 4, como guionista de Big Train BBC2, y como presentador de BBC 2 y BBC Radio 4.Joe compagina una exitosa carrera en la radio con Adam con sus trabajos en cine. En 2003 el dúo tomó el relevo de Ricky Gervais en la emisora XFM, generando una popular serie de podcasts. En 2007 se trasladaron a la BBC 6music, donde su matinal de los sábados fue galardonado con el Broadcasting Press Guild Award como Mejor Programa de Radio del Año (2008), tres Sony Awards de Plata (2009), y otro Sony Award de Oro como la Mejor Comedia Radiofónica de 2010.

The Yellow Sea: espectacular cara a cara entre fronteras

2011-12-07T17:21:00.001Z

The Yellow Sea, dirigida por Hong-jin Na , es un thriller muy del gusto del público de Sitges, donde pudimos verla entre aplausos hace unos meses. La historia nos traslada a la ciudad de Yanji, entre Corea del Norte, China y Rusia, donde la mitad de la población vive de actividades ilegales. Un taxista llamado Gu-nam (HA Jung-woo) debe pagar la deuda que contrajo con la mafia que permitió a su mujer viajar a Corea del Sur en busca de una vida mejor. Consciente que deberá trabajar durante años para recuperar el dinero, su única solución pasa por aceptar el peligroso trato que le propone el jefe mafioso MYUN (KIM Yun-seok): cruzar la frontera de Corea del Sur para asesinar a una persona. No obstante, lo que parecía un plan sencillo pronto se complicará hasta límites inesperados.

Cuando el filme decide arrancar con la acción uno no puede por menos que aplaudir, como así hizo la platea del Auditori en Sitges. Buen ejemplo es la persecución de coches, con un ritmo y una planificacion que ya quisiera entender Michael Bay para su saga Transformes. Los arranques de violencia y sangre en las peleas y coreografías también levantaron los aplausos del público del festival y de la crítica mundial, a tenor de las excelantes calificaciones que el filme está recibiendo por todo el mundo. Y es que está claro, la cinematografía oriental muestra algunos de los mejores thrillers de acción del mundo.

Buen thriller cargado de acción que llegará a los cines españoles la primera semana de Enero, para empezar el 2012 con energía.

¡Por fin! The cabin in the woods estrena trailer

2011-12-06T11:43:00.001Z

Hace apenas unos días comentábamos los rumores y detalles sobre el primer largometraje de Drew Goddard (Monstruoso), producido por Joss Wedon. La información acompañaba al lanzamiento del último poster del filme y parece que la campaña de promoción por parte de Lionsgate, distribuidora, no ha hecho más que comenzar, porque acaban de lanzar el primer trailer del filme.

Para algunos, quiza los más alérgicos a los spoliers, el avance puede revelar demasiado, aunque creo que sería difícil vender la película sin revelar ciertas sorpresas. Con un par de imágenes, entre ellas el juego de espejos o el vuelo del águila, se meten al espectador en el bolsillo. Al menos al aficionado al cine de género. Pero no adelantemos acontecimientos, porque al principio, todo suena demasiado familiar...

Un grupo de jóvenes deciden pasar unos días en una cabaña alejada de toda civilización. (Tópico número uno en el manual del cine terror). Una cabaña que no sale en los GPS, donde no hay cobertura de móviles y a la que, por supuesto, se accede a través de un camino solitario y bello pero con gasolineras malrolleras (tópicos dos y tres). Al llegar, queda claro que lo único que buscan son unos días de desmadre y diversión, sexo y alcohol mediante (Tópico número cuatro). Sólo para descubrir que un campo de fuerza de alta tecnología les mantendrá encerrados sin poder salir. (Tópico numero... Espera ¿Qué?).

Y ahi es donde el trailer se desmadra y te deja con ganas de ver la película. Porque el campo de fuerza no es la única sorpresa que guarda la cabaña. Hasta se perfilan ciertos toques de humor que funcionan a la perfección dentro de lo que promete ser un divertimento en toda regla para los aficionados. Desde luego tiene todos los ingredientes para funcionar, aunque habrá que ver si lo consigue. Por ahora, la fecha de estreno, en abril de 2012, tras la temporada de premios y justo antes del arranque de los blockbusters del verano, es perfecta para sacar tajada en la taquilla.

Sensacine y The Artist: la mejor combinación

2011-12-05T10:49:00.001Z

El pasado jueves tuve el placer de asistir al Community Dayde Sensacine en el que la conocida web invita a sus blogs colaboradores a unaestupenda velada que incluye un pase especial para ver una película, disfrutarde una cena y tomar una copa mientras participas en un emocionante juego.

A eso de las ocho de la tarde, Sensacine nos citó a todoslos bloggers enfrente de los cines Renoir de la Plaza de los Cubos de Madrid.Nada más llegar vi a algunas personas que ya me sonaban de anteriores pasesprivados de los que Sensacine organiza para darnos el privilegio de ver películasantes que nadie. Entre ellos figuraban miembros de blogs como De Fan a Fan, Galax Pictures, Cinedanía, Historias de cine, Va de Cine o Cineralia entre muchosotros. Esta vez el pase era para The Artist, una de las películas más destacadas del año que ya ha arrasado enfestivales como el de Sevilla o el de San Sebastián (llevándose en ambos elPremio del Público), en Cannes (donde consiguió el premio a Mejor Actor) y quees una de las favoritas de cara a los Oscar.

Tras la película y sin poder dejar de hablar sobre ella, nosdirigimos hacía la Gran Vía de Madrid para disfrutar de una cena en Los 40café. No podía ser de otra forma, el cine fue el tema por excelencia durantetoda la cena. Tras ella, Sensacine había organizado un divertido juego depreguntas sobre cine y series en el que competíamos por equipos organizados deunas 6 personas. Aprovecho para decir que nuestro equipo quedó en segundaposición (que en vista de la gran competencia ¡no está nada mal!) y sobre todopara agradecer a todo el equipo de Sensacine por su maravillosa organización yamabilidad al invitarnos a esta fantástica velada y tratarnos tan bien comosiempre; y cómo no, también al resto de asistentes por hacerla aún másespecial.

Respecto a The Artistmucho se podría decir. Al principio cuando te dicen que es una películatotalmente muda (salvo por una pequeña excepción debidamente justificada) sobrela llegada del cine sonoro, no sabes si va a ser una genialidad o una totallocura. Pero al verla, cualquier duda se disipa: nos encontramos ante una obramaestra y posiblemente una de las mejores películas del año. Parece increíble queHazanavicius escribiera el guión en cuatro meses y rodara la película en tansólo treinta y cinco días obteniendo como resultado final una obra de excelentecalidad visual y narrativa donde no faltan los detalles.

El argumento, siguiendo las líneas clásicas de los cuentosde amor, nos relata la historia de George Valentín, una gran estrella del cinemudo, y de Peppy Miller, una joven admiradora que trabaja como extra. Con lallegada del sonoro, la carrera de George comienza un descenso apoteósico al nosaber adaptarse a la nueva tendencia; mientras que Peppy aprende a aprovecharlas oportunidades hasta convertirse en la actriz de moda del momento.

A pesar de no ser un argumento del todo original que ya seha visto en otros filmes como Cantandobajo la lluvia; la película supone toda una innovación (por irónico queesto parezca). El ejercicio narrativo al puro estilo de los años veinte con unrelato perfectamente construido hace que prescindir de los diálogos no sea unproblema. Para un público que no está acostumbrado a ver cine mudo, no supondráun esfuerzo meterse dentro de una historia donde la fuerza visual de losactores aporta un brillo especial que se remata con puntos cómicos en los quenadie se resistirá a soltar una carcajada. Como el mismo Hazanavicius dice: “escine de emociones y de sensaciones. En esta película, el hecho de no tener untexto para contar la historia implica que solo podía trabajar con lossentimientos que había creado.”

Técnicamente es sorprendente como se ha llegado a unareconstrucción casi perfecta de lo que es una película muda de finales de ladécada de los veinte. Detalles como la relación de aspecto, la iluminación,ensuciar la película para darle más realismo o el hecho de que se hayaprescindido totalmente del color hacen que te sientas como un espectador de laépoca a la vez que descubres cómo se sintieron algunos de los actores ante unade las revoluciones más importantes del cine. Otro de los ingredientesesenciales son sin duda alguna los protagonistas. Los actores principales, JeanDujardin y Bérénice Bejo, prácticamente desconocidos internacionalmente (apesar de ser conocidos en Francia) hacen un trabajo magistral recreando lacaracterística forma de actuación de los actores de la época; especialmente conel lenguaje corporal y las expresiones faciales.

En definitiva, desde Planta13 y a pesar de no ser un tipo depelícula del que solemos hablar por aquí, no os podemos dejar de recomendar The Artist. Una obra inigualable,totalmente distinta a cualquier otra cosa que hoy en día se esté haciendo y que seguramente será una de las películas delaño. No os la podéis perder.

The Artist

Domingo en serie: nuevo tv spot de The river

2011-12-04T02:37:00.001Z

Ya hemos hablado de esta serie, que se estrenará en Febrero en Estados Unidos, pero es que gracias al éxito de American Horror Story, las ganas de más series de terror han crecido exponencialmente. The river es la nueva serie de la ABC, creada por Oren Peli (Paranormal Activity) y cuyo piloto ha dirigido Jaume Collet-Serra (La húerfana, Sin identidad).

La ABC ha lanzado esta semana un nuevo spot de la serie, que cuenta la historia de un hombre que trabaja para la televisión y desaparece en el Amazonas. Seis meses después se recibe una señal de su baliza de rescate. Con ello, y convencida de que su marido sigue con vida, Tess obligará a su hijo Lincoln para que abandone sus estudios de medicina y dirija una expedición de rescate. Al igual que ocurría en Paranormal Activity, todo será mostrado mediante grabaciones de cámaras, buscando de nuevo el efecto de realismo que implica esta técnica narrativa.

Crítica de Hugo, de Martin Scorsese

2011-12-03T14:08:00.001Z

Cuando apareció el primer trailer de Hugo, la nueva pelicula de Martin Scorsese, muchos se sorprendieron al ver que era una película "infantil", para niños. La aventura típica de las navidades entre dos chiquillos y sus múltiples aventuras. Y durante el primer acto del filme, Hugo es esa película infantil. Tiene las anécdotas tiípicas que enganchan a los más pequeños, golpes de comedia clásicos pero efectivos y una relación entre los personajes propia de un filme navideño. Pero luego, hay mucho más...

Hugo es un joven huérfano que vive entre los muros y entresijos de la estación de tren de Paris, correteando y viviendo entre los rincones ocultos de los relojes, entre los pasadizos secretos y olvidados que utilizan los relojeros. Su único afán es terminar de reparar y reconstruir el extraño robot que su padre encontró hace años perdido en un museo. Lo que los espectadores no se esperan (a no ser que hayan leído sinopsis extensivas del filme) es que la película utiliza a los niños para contar algo personal, algo más amplio que una aventura infantil de Navidad. Hugo, en el fondo, es la primera película de amor de Scorsese. Una película de amor al cine.

Sin dar muchos más detalles de la trama, (porque que cuanto menos se sepa de las películas, mejor) conviene resaltar algunos aspectos más concretos del filme de Scorsese, que tiene a buen seguro oportunidades de ser nominado en varias categorias para los próximos premios Oscars.

Por un lado, el gran trabajo de ambientación y el diseño artístico de Dante Ferreti es fantástico, trasladando al espectador directamente a la estación de Paris en la que sucede gran parte del filme. Dentro de esta estación, construida casi íntegramente en los estudios Pinewood de Londres, se mueven una serie de personajes secundarios que, al estilo Amelie o El curioso caso de Benjamin Button, enriquecen el universo en que se desarrolla la historia. Por ejemplo la relación entre el personaje de Sacha Baron Cohen y el interpretado por Emily Mortimer. Ésta y otras subtramas enriquecen el mágico aunque realista universo que rodea al protagonista. El empleo de trucajes digitales ayuda a Scorsese a moverse de un lado a otro con movimientos de cámaras imposibles, recorriendo Paris desde el cielo hasta introducirse por una pequeña rendija de la estacion en la que encontramos al protagonista. De nuevo, si bien la película nunca abandona cierto tono realista, todo el trabajo técnico busca otorgar un ligero aura mágico a la estación o a las calles de París cuando salen del decorado central. Al igual que ya utilizara Guillermo del Toro con un efecto muy similar en el Laberinto del Fauno, pequeñas motas de nieve o polvo flotan en el ambiente en todo momento, incluso dentro de la estación, dándole un aura mágica a la cinta que funciona a la perfección. Una ambientación que Scorsese explota al máximo con el empleo del 3D. La planificación del director le permite introducir al espectador en la estación, correr entre las manecillas de los relojes gigantes y saltar entre ellas con Hugo, de forma que tras el prólogo, el espectador ya está totalmente situado. En todo momento Scorsese es consciente del efecto tridimensiaonal para ubicar a los actores y ayudarse de las tres dimensiones con efectos narrativos. Un claro ejemplo sería el momento en que el inspector de la estacion, Sacha Baron Cohen, llama la atención de los niños protagonistas (Chloe Moretz y Asa Butterfield). El inspector se agacha hacia la cámara, en un punto de vista subjetivo que mete al espectador de lleno en el punto de vista de los pequeños, convirtiendo al inspector en una amenaza que sale de la pantalla lo suficiente para amenazar pero no tanto como para sacar al espectador de la película y que sea consciente del efecto. Así es como debe utilizarse el 3D, para explotar las posibilidades narrativas que otorga a directores y actores a la hora de expresar sensaciones hacia el espectador.

La película es una oda al cine, una obra de amor de un cineasta hacia los orígenes del séptimo arte, un recuerdo de que la gente va al cine para que le cuenten historias, un recuerdo de que a veces el cine clásico es el mejor aunque quede olvidado y ya no gusten al público de hoy. Hugo es la demostración de que un buen director de cine puede ser bueno en cualquier género. Y sí, es una película que pueden ver los niños, pero varias secuencias, varias conversaciones, varios mensajes, no serán captados en su totalidad por los más pequeños, sino por los más grandes. La metáfora sobre la ciudad de París que cuenta el protagonista, comparándola con una gran máquinaria perfecta en la que no debería sobrar ninguna pieza tiene más miga de la que muchos pequeños puedan comprender. No es, desde luego, el mejor trabajo del director, pues su mundo es el de gánsters, violencia y locura, pero Scorsese demuestra lo buen cineasta que es rodando una pelicula perfecta para todo aquel que aun se deje emocionar por el buen cine.

Poster y sinopsis de Cabin in the woods

2011-12-02T12:43:00.001Z

The Cabin in the Woods es un filme dirigido por Drew Goddard, por primera vez tras las cámaras tras colaborar como guionista en series de éxito como Alias, Perdidos o Buffy. Fue precisamente durante la producción de Buffy cuando conoció a Joss Whedon, coguionista de esta película.

El filme está protagonizado por Kristen Connolly, Chris Hemsworth, Anna Hutchison, Fran Kranz, Jesse Williams, Richard Jenkins y Bradley Whitford. Por lo que cuenta la sinopsis y las palabras de los creadores, la película pretende dar una serie de giros y vueltas de tuerca a los clichés más reconocidos del género, en especial el de casas encantadas.

"Si piensas que ya sabes esta historia, piénsalo de nuevo", reza la sinposis oficial. Una mente moldeada por películas de terror como la de Goddard pretende poner el cine de género del revés con la historia de cinco amigos que van a una tranquila cabaña en la que todo empezará a convertirse en una pesadilla.

Para empezar, y aunque a partir de aquí nos movemos en el pantanoso terreno de los rumores, la filtración de guiones previos a rodaje y demás desinformación típica de internet, parece que la cabaña está llena de cámaras de vigilancia instaladas por una organización secreta que pretende castigar a los jóvenes. Una especie de Gran Hermano del terror en el que el espectador podría seguir la pesadilla de los protagonistas desde diferentes cámaras mientras sufren posibles ataques de todos los entes posibles que circulan por los clichés del cine de terror: zombis, vampiros, aliens, espantapájaros, payasos y hasta hombres lobo.

The Cabin in the Woods es el debut en la dirección de Goddard, hasta ahora guionista de Cloverfield y Robopocalypse. Su estreno, como vemos en el poster arriba, es para el 13 de abril de 2012. Abajo podéis ver unos minutos de Cloverfield (Monstruoso), película escrita por Goddard y dirigida por Matt Reeves.

Las películas de Christopher Nolan

2011-12-01T14:20:00.001Z

"Creo que el público está demasiado acomodado en las películas de hoy.

Creen todo lo que oyen y ven. Me gusta jugar con eso".

Christopher Nolan.

La primera vez que vi una película suya aluciné con la propuesta. Nominada al Globo de Oro como mejor guión y nominada a dos Premios Óscar (por su guion original y edición), la línea temporal de Memento no es lineal, va hacia atrás, "a saltos", mostrando según avanza la película las causas de lo ya se ha visto, en vez de sus consecuencias. Entre éstas, se intercalan secuencias en blanco y negro que progresan en orden normal y que al final de la cinta, se unen.

Ya en aquel momento Nolan dejaba constancia de lo mucho que le gusta jugar con las ideas preconcebidas del espectador para agitarlas, removerlas y dejarles con la boca abierta. Película tras película, Nolan ha conseguido una reputación intachable, en la que quizá sus peores filmes recaudan más de cien millones en taquilla y son claramente superiores a la media de los productos estrenados a lo largo del año. Desde sus primeros cortos, el director de Origen ha jugado con la idea de que el hombre se enfrente a sí mismo, de que la realidad no es siempre lo que parece y ha coqueteado con personajes e ideas de una mente humana en estados extremos.

Nolan basa su éxito en guiones sorprendentes, muy bien estructurados y trabajados, siempre jugando con la conciencia de lo que es real, de la moral, la ética. Siempre cuestionando al espectador, apelando a su inteligencia, dándole algo en qué pensar. Nunca utiliza la acción de forma gratuita, sino para remarcar lo que sus personajes buscan, sienten, sufren o piensan, aunque ni ellos mismos lo sepan.

Su primer largometraje, Following, fue rodado durante todo un año durante los fines de semana, junto a sus compañeros de la University College London film society en la que estaban estudiando. Con un presupuesto de 6.000 dólares, consiguió alcanzar festivales de todo el mundo, llamar la atención de productoras y ganar 48.482 dólares en apenas un puñado de cines.

A continuación llegó Memento, con la que comenzamos el repaso a su filmografía en este artículo, una película sobre un hombre incapaz de recordar lo que ha pasado apenas unos minutos antes y cuya vida es una constante interrogación. Basada en el relato de su hermano Jonathan Nolan, Memento Mori, el filme empujó la carrera de Nolan hasta una cómoda posición en Hollywood.

Tras el gran éxito de este filme (costó nueve millones y recaudó treinta y nueve), Nolan rodó Insomnio, un thriller que nos sitúa ante un extraño asesinato realizado en un pequeño pueblo de Alaska al que llega un veterano policía de la ciudad (Al Pacino) para ayudar en la investigación.El título hace referencia al insomnio sufrido por el protagonista debido tanto a las interminables horas de luz que hay en el pueblo como a su propios fantasmas personales.

De nuevo, la gran acogida del filme le permitió negociar con la Warner Bros el reinicio de uno de los personajes más clásicos del mundo del comic: Batman. Batman Begins y The Dark Knight (El caballero Oscuro) constituyen dos de las tres películas que Nolan ha hecho sobre el personaje de DC Comics. La primera sitúa al protagonista, interpretado por Christian Bale, en lo que su papel como guardián de Gotham City. En la segunda parte se introduce su prueba de fuego al enfrentarse a Joker, con la magnifica actuación de Heath Ledger, ganador del Oscar por este papel. La tercera parte, The Dark Knight Rises, está prevista para mediados de 2012 y pondrá fin a la relación de Nolan como director del héroe de Gotham.

Algunos han criticado la falta de mano del director al rodar secuencias de acción, pero vistas El caballero Oscuro y Origen, cuyas imágenes resultan espectaculares y podéis juzgar vosotros mismos en el video de abajo, no entiendo cómo aun hay quien critique que no sabe rodar secuencias de acción.

Antes de embarcarse en el rodaje de El caballero oscuro, Nolan rodo El prestigio, un filme escrito a dos manos entre Christopher y Jonathan Nolan. La película está ambientada a principios del Siglo XX y cuenta la historia de dos magos rivales que buscan la destrucción del otro a cualquier precio. Sin alcanzar el éxito de la saga de Batman, El prestigio funcionó en taquilla y no defraudó a la crítica, así que se embarcó en el rodaje de El Caballero oscuro con la confianza de la Warner a sus espaldas. Cuando se estrenó el filme y acabó convirtiéndose en su película más aclamada y taquillera, con críticas comparándola con la calidad de El padrino y la taquilla superando los mil millones de dólares, Nolan saltó a un nivel alcanzado sólo por los más grandes.

Sus historias complejas, profundas, pero al mismo tiempo increiblemente atrayentes y cercanas para todos, se mezclan en películas que sirven para hablar de ética, de filosofía, incluso de política; pero al mismo tiempo suponen un viaje en una auténtica montaña rusa de acción, giros y sorpresas que te mantienen pegado a la butaca desde el primer hasta el último minuto. Nolan es uno de esos directores que ha conseguido unir crítica y público, premios y reconocimiento mundial como cineasta y narrador al mismo tiempo que reventar las taquillas mundiales dándole al público lo que pide. Cine de calidad y entretenimiento.

Y volvió a demostrarlo en un proyecto personal para el que Warner puso sin dudarlo cerca de doscientos millones de dólares de presupuesto. Origen no sólo fue una de las mejores películas del 2010, se convirtió en la prueba fehaciente de que el cine de calidad no está reñido con el espectáculo. El estilo de Nolan llama la atención creando aunténticas imágenes de acción, poniendo los efectos especiales (que no tanto digitales) al servicio de la narración, y no supeditando todo el guión a un espectáculo vacuo de significado. Además, busca siempre hacerlo todo frente a la pantalla, cuanto más pueda capturar la cámara mejor. Y así, comete locuras como provocar una avalancha de nieve para el climax de Origen.

Faltan tan sólo dos semanas para el estreno del trailer de su nueva película, El caballero Oscuro: la leyenda renace, de la que hablamos la semana pasada. Tras siete meses de rodaje en tres continentes, y tras haber revolucionado las calles cercanas a Wall Street en Nueva York, la nueva entrega está ahora en manos del equipo de postproducción. El próximo mes de Julio veremos el resultado de un largometraje que entrará a formar parte de la lista de obras creadas por alguien a quien le gusta jugar con las concepciones narativas y las creencias del espectador.

El ataque de los gnomos

2011-11-30T00:30:00.000Z

Según las antiguas mitologías de Europa del Norte y la Patagonia, los gnomos son cada uno de los enanos fantásticos o genios elementales de la Tierra, en cuyas entrañas moran trabajando en las minas, custodiando los tesoros subterráneos y cuidando de los metales y piedras preciosas.Los gnomos forman un pueblo sobrenatural, a caballo entre la fantasía y el mito, formado por seres diminutos e invisibles, dotados de singular astucia. Los gnomos son los mejores conocedores de los secretos de la Tierra y son el alma de esta. siempre han sido representados como criaturas adorables y quizá por ello a alguien se le ha ocurrido realizar una película a medio camino entre el terror y la comedia que relate el ataque de un grupo de gnomos malvados y asesinos. Las primeras evidencias del ataque, en el video a continuación.

Gnomes Attack! Teaser from Screen Invaders on Vimeo.

Especial Vacaciones de Muerte: DEAD RISING (parte 1)

2011-11-29T00:44:00.004Z

Las vacaciones de Navidad se acercan, un momento perfecto para romper con la monotonía y descansar la mente por unos días. Por eso, hemos elegido estas fechas para irnos de vacaciones. ¿El destino? No importa, ¡siempre que haya zombis de por medio! Esos muertos vivientes nunca se cansan de perseguirnos, desgarrarnos y devorarnos, y como nos tienen tanto "cariño", vamos a dedicarles las próximas semanas. Nuestro primer viaje nos llevará hasta la localidad de Willamette (Colorado), y posteriormente haremos una parada en Fortune City (Nevada), ya que hablaremos en profundidad de la franquicia Dead Rising. Si conseguimos sobrevivir, haremos las maletas y partiremos a tierras más paradisíacas. Concretamente a la isla de Banoi (Papua Nueva Guinea), donde analizaremos en profundidad lo que ha dado de sí Dead island. Así que acomodaos en vuestro asientos, agarrad un buen bate de beisbol por si acaso, y ¡buen viaje!

Nueva franquicia, nuevo enfoque

Capcom no es, precisamente, una compañía novata en los videojuegos del género zombi. Desde el año 1996 nos lleva haciendo sufrir con una de las sagas del ocio electrónico más populares (si no la más popular) dentro del survival horror: Resident Evil. Zombis y monstruos detrás de cada puerta, escasa munición, personajes carismáticos como León Kennedy o Jill Vallentine, y varios finales alternativos son la marca de la casa.

Tras el éxito internacional de Resident Evil 4 en 2005, no era de extrañar que Capcom considerara la creación de nuevas franquicias en torno a la amenaza de los no muertos. Lo que nadie podía imaginar tras la última entrega de RE sería el enfoque de estos nuevos juegos, algo jamás visto antes en la compañía (con permiso de Ghost’n Goblins). Si el último Resident Evil se había caracterizado por un tono siniestro, acción basada en la precisión (tanto de movimiento como quick-time events) y un punto de vista de “cámara al hombro”, el nuevo juego desarrollado por Estudio 1 (uno de los estudios internos de la compañía nipona) no tenía en cuenta ninguna de estas características, abriendo las puertas a algo totalmente distinto y fresco.

Creando al monstruo

El encargado de sacar el proyecto adelante fue Keiji Inafune, creador de Megaman y una de las cabezas pensantes de Capcom hasta su abandono en octubre de 2010. Lo que Inafune proponía era un sandbox de acción pura y dura con elementos de RPG y una vista en tercera persona. Claramente influenciado por El Amanecer de los Muertos de George A. Romero (Dawn of the Dead, 1985), toda la acción tendría lugar dentro de un enorme centro comercial situado en la ficticia localidad de Willamete (Colorado), que por razones desconocidas está atestado de zombis.

El protagonista sería un periodista y fotógrafo fanfarrón, dispuesto a jugarse la vida con tal de averiguar el origen de la infección y llevarse la exclusiva. Aunque quizás lo más sobresaliente del título era que, mientras que Resident Evil se caracterizaba por su jugabilidad lineal, personajes oscuros y ambientes opresivos, en Dead Rising disfrutamos de un mundo abierto con una vena cómica y una clara apuesta por dar mayor libertad creativa al jugador.

El juego se diseñó en exclusiva para Xbox360 y salió a la venta en Agosto de 2006. Tras su buena acogida tanto entre la crítica como entre el público, Capcom lanzaría un remake para Wii titulado Dead Rising: Chop till you Drop en febrero de 2009, adaptando el estilo de juego al mando (especialmente en el manejo de armas) e incluyendo algunas novedades. Sin embargo, debido a las limitaciones técnicas de la consola de Nintendo, hubo que eliminar varios aspectos de la jugabilidad y reducir el tamaño del centro comercial y el número de zombis drásticamente, algo que no sentó muy bien a los fans.

El Matazombis de la Semana

En Dead Rising asumimos la identidad de Frank West, un periodista tan decido a averiguar que ocurre en Willamette, como para colarse en la zona de cuarentena a la que el ejército somete a la localidad y entrar en su centro comercial, Parkview Mall. Allí descubrimos como los muertos vivientes campan a sus anchas mientras pequeños grupos de supervivientes intentan escapar sin éxito. Nuestra misión consistirá en ayudar a los supervivientes mientras hacemos frente no sólo a la amenaza de los centenares de zombis, sino también a la de aquellos individuos que han perdido la razón (identificados en el juego como psicópatas).

Uno de los puntos fuertes del juego es el (prácticamente) interminable arsenal del que disponemos para defendernos. Estamos en un centro comercial repleto de tiendas, y casi cualquier cosa que encontremos se puede convertir en un arma en nuestras manos. Desde armas serias como escopetas o pistolas, hasta “armas” tan absurdas como un peluche gigante o una bola de bolos. Algunas de estas armas tendrán efectos de lo más variopintos. Así, si por ejemplo tiramos una bolsa de canicas a los pies de los zombis, estos resbalarán y caerán cómicamente al suelo. También podemos practicar nuestro swing y lanzar pelotas de golf a la cabeza de los muertos vivientes con un hierro 5. Las posibilidades son casi inagotables, y uno de los mayores incentivos será el ser creativos y probar todo lo que nos vayamos encontrando en las tiendas, restaurantes, plazuelas, cobertizos,…

Otro de los atractivos será el vestuario. Las múltiples tiendas de ropa de Parkview nos permitirán vestirnos de muy diversas maneras, con trajes tan curiosos como un elegante esmoquin o un traje de vaquero, o tan absurdos como el de astronauta o mascota deportiva. Por si eso fuera poco, sólo los exploradores más concienzudos podrán encontrar las piezas que homenajean a personajes populares de Capcom, tales como la armadura de Megaman o los calzoncillos de Sir Arthur.

Tampoco podemos olvidar que Frank es fotógrafo, una habilidad que es parte integrante del juego. En cualquier momento de la partida podremos hacer fotografías, que el propio juego luego valorará en función de la situación, los individuos que aparezcan, el ángulo, … Cuanto mejores sean nuestras fotografías más puntos ganaremos, puntos que luego podremos invertir en mejorar nuestras habilidades (potencia de ataque, salud, velocidad, …).

El tiempo se agota

A medida que vayamos completando las misiones principales y secundarias (generalmente rescatar o ayudar a otros supervivientes), iremos desvelando el misterio sobre el origen de la infección, aunque deberemos ser rápidos. El juego completo tiene lugar durante un periodo de tres días, tras los cuales un helicóptero vendrá a recogernos. Esto significa que debemos resolver todas las misiones principales en menos de 72 horas (6 horas en tiempo real) o perderemos la partida y no podremos resolver el enigma.

Tanto si tenemos éxito como si no, al finalizar el juego se nos ofrecerá la oportunidad de comenzar una nueva partida con el nivel de experiencia y la habilidades que teníamos al terminar la partida anterior, lo que facilitará enormemente las cosas en el siguiente intento. Además, en cualquier momento podremos consular nuestro reloj de pulsera para saber cuántas horas nos quedan antes de la recogida, fundamental para administrarnos debidamente el tiempo. Dependiendo de nuestras acciones el juego terminará de diferentes maneras, un perfecto incentivo para rejugar el título e intentar encontrar otro de los múltiples finales.

Conclusiones

Dead Rising supuso un gran éxito para Capcom, y el inicio de una franquicia que ofrece algo completamente distinto dentro del género zombi: comicidad y diversión a partes iguales, además de un alto valor rejugable. A pesar de no contar con un argumento de peso y una inteligencia artificial bastante limitada, sólo la posibilidad de matar docenas de zombis de cientos de maneras distintas es ya de por sí sorprendentemente adictiva. Si eso le añadimos las opciones de personalización (tanto estética como de atributos) y un lugar gigantesco para explorar con total libertad, nos encontramos ante un juego con tantos aciertos que es fácil pasar por alto sus errores.

Dead Rising es una parada obligatoria para los fans del género que dispongan de una Xbox 360 o una Wii. Con un título tan redondo, ¿Sería capaz Capcom de innovar con sus secuelas, o simplemente reciclaría la fórmula para sacarle el dinero a los fans? Responderemos a esa pregunta la próxima semana.Hasta entonces, os espero en la oscuridad más profunda.

La década de los 70: diez años, diez películas (Parte III)

2011-11-28T13:12:00.003Z

Llegamos ya a la recta final de la recopilación de películas de terror de los setenta que hemos ido haciendo las últimas semanas. A pesar de que hemos dejado muchas en el saco, esperamos que, como nosotros, hayáis disfrutado de este repaso a lo más imprescindible de una década llena de grandes obras maestras.

1976. Carrie

Basada en best-seller de terror del exitoso Stephen King, en el setenta y seis Carrie destacó con diferencia gracias a la magnífica dirección de Brian De Palma. La película ha sido aclamada a lo largo de los años como una de las adaptaciones más terroríficas de la literatura. De Palma se metió a la crítica en el bolsillo gracias a su característica narrativa que en este filme plasmó gracias a recursos como el “slow-motion” y la pantalla partida en pro de una línea in crescendo que engancha al espectador. La violencia extrema de una “inocente” y sobrenatural adolescente en busca de venganza pasará a los anales de la historia cinematográfica gracias a la escena final en el que imagen y música crean un espectáculo escalofriante.

1977. Eraserhead

El setenta y siete no fue uno de los mejores años para el cine de terror, aunque de todos modos cuenta con buenos títulos como puede ser Encuentros en la tercera fase de Spielberg o La isla del doctor Moreau de Don Taylor. Aún así, nosotros nos quedamos con la que fue la primera película de David Lynch: Eraserhead o, lo que es lo mismo, Cabeza Borradora. Lynch tuvo que esperar seis años a llevar su proyecto a cabo ya que no encontraba financiación (seguramente por su trama tan poco convencional), pero la espera y el esfuerzo dieron sus frutos. La obra es un híbrido entre el cine experimental y el cine de terror gracias a su narrativa atípica que nos introduce en varias escenas oníricas, o mejor dicho pesadillas, que aceptan cualquier libre interpretación. El miedo y el horror aquí parten de lo ilógico y de lo que la mente de cada espectador quiera (o pueda) entender.

1978. La noche de Halloween

Hablamos de ella hace unas semanas y la rescatamos para incluirla en esta lista por varias razones que ya comentamos entonces. La primera de todas es porque se trata del primer “slasher” o cine de asesinos en serie con máscara. La segunda por la innovadora realización a manos de Carpenter en la que destaca el juego de planos subjetivos que nos coloca en primer plano en los atroces asesinatos. Y la tercera, por el mérito y genialidad de que, a pesar de ser una película de serie B y bajo presupuesto, fuera una de las películas que más recaudó en el setenta y ocho. Podéis leer más sobre ella aquí.

1979. Alien

No podíamos encontrar mejor cierre a una década tan prolífica como la de los setenta: Alien fue (y es) seguramente la obra sublime de Ridley Scott (junto con Blade Runner) y una de las mejores películas de terror de todos los tiempos considerada tanto por el público como por la crítica. Un filme que según muchos marcó un antes y un después en el género, donde el suspense es el pilar básico a pesar de encontrarnos con algún que otro susto en el momento oportuno para que el espectador siga a lo largo de dos horas enganchado al argumento. Jugando con la claustrofobia y el “temer y no ver”, o lo que es lo mismo “temer y no saber”, se crea una tensión que atrapa al público en la morbosidad del horror la cual no se sacia hasta llegar a la parte final del filme donde ya nos muestran al diabólico ser. Ridley Scott nos ofrece un espectáculo visual deslumbrante con una escenografía y una dirección fotográfica más que destacable. Pero no solo la ambientación es la responsable de tan magnífica obra maestra, un guión con un argumento original y un control del ritmo inigualable más una dirección de actores que convirtió a Ridley Scott en uno de los grandes hace que Alien sea un imprescindible para la historia del cine; y por supuesto, en esta lista.

Domingo en serie: En el rodaje de Juego de Tronos

2011-11-27T23:26:00.000Z

La gran serie revelación de 2011 ha sido sin duda Juego de Tronos. Basada en la saga de novelas de George R.R. Martin, el show de la HBO fue ganando adeptos a medida que avanzaba la temporada. Y, gracias al boca a boca, la popularidad de la serie ha ido aumentando gracias a las descargas en internet o las repeticiones en las cadenas de televisión. Nominada a trece premios Emmy y a la espera de ver lo que ocurre en los Globos de Oro dentro de unos meses, la serie se ha alzado como una de las grandes entre los aficionados.

Ahora, cuando aun quedan meses para el estreno de la segunda temporada (primavera de 2012), la cadena norteamericana ha lanzado la campaña de promoción con un vídeo detrás de las cámaras de la segunda temporada. Con muchas nuevas imágenes e incluso líneas de diálogo de la nueva entrega, el video pone los dientes largos a cualquier aficionado. Teniendo en cuenta el final de la primera temporada y el aumento de presupuesto que conlleva el éxito alcanzado, sólo nos queda esperar a que lleguen los nuevos cápitulos para disfrutar de una de las mejores series del momento. Al menos, en cuanto al género fantástico, terror o ciencia ficción se refiere.

Especial SENSACINE: Asesinos del siglo XXI

2011-11-26T11:09:00.000Z

Nuestros amigos de Sensacine han hecho una recopilación de asesinos de cine del siglo XXI, una lista muy interesante en la que no faltan nombres como Vigo Mortensen, Robert de Niro, Javier Bardem, Colin Farrel o Umma Thurman. Haced click en la la imagen superior para acceder al especial.

XP3D: conoce a los personajes

2011-11-25T17:53:00.000Z

La tecnología tridimensional se ha convertido en uno de los principales reclamos del fenómeno cinematográfico de comienzos del siglo XXI. Para hablar de su presente y futuro, así como de la situación del 3D, el Festival de Sitges acogió una Masterclass monográfica el domingo nueve de octubre.

Para ilustrar la sesión, se proyectaron en exclusiva un teaser, un trailer y una escena exclusiva de la película XP3D, la primera película española tridimensional de terror y nuevo proyecto de la productora Rodar y Rodar, responsable de títulos tan celebrados del género como El orfanato y Los ojos de Julia. La escena que se vió en el marco del Festival de Cine de Sitges es una de las más espectaculares del filme, que no volverá a verse hasta su estreno comercial en salas a finales de diciembre.

Conozcamos más a los protagonistas que nos llevarán al miedo en 3D:

ANGELA - Amaia Salamanca

Estudiante de medicina. Inteligente, pragmática, autosuficiente. A menudo puede parecer fría y distante, pero su seguridad en sí misma y su espíritu imparable inspira lealtad en los que la rodean. Es tozuda y escéptica ante todo lo que no tenga explicación racional. Exhibe el cinismo de alguien que ha tenido que crecer demasiado rápido.

JOSÉ - Maxi Iglesias

José es optimista y se toma la vida con humor. Siempre dice lo que piensa sin tapujos, a veces ofendiendo y a veces sin poderlo evitar. Es oberservador y sabe leer a la gente con facilidad, una habilidad que a veces utiliza para fastidiar a sus amigos. Bajo su fachada de indiferencia hay un corazón generoso.

CARLOS - Luis Fernández

Carlos es un estudiante dinámico, deportista y lleno de testosterona. Acostumbra a actuar por impulsos, sin reflexionar, lo que le hace parecer algo salvaje. Posee el encanto de alguien que no se preocupa de lo que pensarán de él. Es territorial y muy protector con su novia Ángela.

BELÉN - Úrsula Corberó

Belén es joven, pija y un poco gruñona. Le gusta disfrutar de su belleza y su juventud y no piensa demasiado en el futuro. A pesar de su actitud arrogante y superficial es una amiga leal que sabe ganarse a la gente siendo ella misma. Aunque es muy femenina, creció entre coches y motores.

DIANA - Alba Ribas

Diana es una chica frágil y solitaria.Se siente indefensa ante un mundo que considera hostil y axfisiante. Puede parecer que es extremadamente sensible ante todo lo que la rodea; o tal vez posea un sexto sentido muy desarrollado. No se siente segura entre gente y sus intentos por abrise sólo la hacen parecer más excéntrica.

TONI - Oscar Sinela

Toni es un estudiante brillante y algo antisocial. Enfoca la vida como si fuera un cubo de Rubik que resolver. Siempre defiende lo que piensa con pasión. Le fascina el estudio de lo sobrenatural, ya que las ciencias convencionales no le estimulan lo suficiente. Suele presumir de su inteligencia.

XP3D

Entrevista con MyAnna Buring - Kill List y Crepúsculo

2011-11-24T15:41:00.000Z

Quién le iba a decir a MyAnna Buring hace unos años que acabaría trabajando en una de las sagas más taquilleras y con una de las legiones de fans más grandes del mundo. A sus 27 años, el 2011 es sin duda el año en que la joven actriz, nacida en Suecia pero formada en la escuela de interpretación británica, se ha dado a conocer al mundo con dos proyectos. Y, como no podía ser de otra forma acorde a su carrera, lo ha hecho con el género de terror y el fantástico por bandera. Durante el pasado Empire presents Big Screen en Londres, pudimos charlar unos minutos con ella. Abajo podeis ver un extracto de la entrevista, aunque la teneis traducida entera a continuacón.

Planta13: Pareces trabajar muy bien en el género de terror. ¿Qué te atrae del género?

MyAnna Buring: Sí que me gustan las películas de terror. Me encantan. Creo que las películas de terror suelen apelar a los miedos más básicos y humanos: el miedo a perder a alguien, el miedo a ahogarse, el miedo a la oscuridad. Son todas emociones muy humanas. Además, creo que atrae a directores jovenes, por lo que te permite trabajar con directores muy creativos, que están empezando o también con directores consagrados, quienes utilizan el genero para ser muy creativos.

P13: ¿Cómo fue estar en la saga Crepúsculo?

M.B.: Estar en Crepúsculo fue como un sueño hecho realidad. Soy una gran fan de los libros y las películas. Me he estado pellizcando mientras rodaba. ¿De verdad estoy en Crespúsculo?

P.13: ¿Qué puedes decir de tu personaje en Amanecer, la nueva entrega de Crepúsculo?

M.B: Mi personaje es Tanya Denali, líder del clan Denali. Son un clan primo de los Cullen, lo que llamaríamos vampiros vegetarianos porque no beben sangre de humanos. Es una vampira muy, muy mayor. Durante siglos, ha esperado que Edward se fjara en ella y en esta película intenta acercarse definitivamente, pero por supuesto, el corazón de Edward pertenece a Bella.

P13: ¿Por qué crees que gente de todo el mundo se ha obsesionado tanto con esta saga?

M.B: Creo que, para empezar, los personajes de los libros son fantásticos y te puedes relacionar con ellos. En el fondo está la clásica historia de amor de Romeo y Julieta, el amor prohibido. Ahora con las películas la gente puede vivir esa historia. Además, ¿qué hay en el amor que a alguien pueda no gustarle?

P13: Y has participado en Grindhouse...

M.B: Sí, Tarantino y Rodriguez quisieron hacer este homenaje de dos películas y trailers falsos. Edgar Wright hacía uno de los trailers falsos y pasamos un día genial rodaándolo con un buen grupo de actores británicos. Fue genial.

P13: ¿Qué puedes decirnos de Kill List?

M.B.: Es algo muy diferente a Crepúsculo. Es una historia muy oscura, fue fantástico trabajar con Ben Whitley. La película empieza como un thriller muy adulto, fuerte. Pero hacia el último tercio, el filme da un giro radical y se convierte en algo visceral, aterrador y un tanto enfermo. Es una locura.

P13: Nos gustaría poder hablar más de tus trabajos en el cine de género, como Lesbians Vampire Killers o The descent, pero no tenemos tiempo para más... Gracias.
M.B.: Será un placer hablar de ello en otra ocasión... Gracias a vosotros.

El anuncio que aterroriza al Reino Unido

2011-11-23T00:36:00.001Z

Que los ingleses son un poco dados a criticar y censurar obras audiovisuales ya lo sabemos. Pasó con muchos filmes (la que para muchos es ya la película del año, Drive, ha sido censurada en algunos festivales por determinados planos). Pasó con la banda sonora de El código Da Vinci y pasa cada año con algún anuncio de televisión. Bueno, pues ahora, con cierta razón hemos de añadir, se está levantando cierta polémica por un anuncio de televisión sobre telefonía móvil.

Los organismos de control de la televisión británica han comenzado las investigaciones en torno a un spot de televisión con estética de terror y que parece haber causado estragos entre algunos televidentes. El anuncio en cuestión pertenece a la campaña de márketing de Phones4U y muestra al fantasma de una niña acechando a una mujer en un parking subterraneo.

El público se ha quejado de que el anuncio es demasiado parecido a un filme de terror, y muchos padres han pedido que lo retiren tras ver cómo sus hijos pequeños se echaban a llorar en un corte publicitario. Y es que el organismo de control ha recibido la mayor cifra de quejas de todo el año: 341.

Al más puro estilo The ring y haciendo uso del cliché de la niña creepy en el género, el anuncio bien parece un clip de promoción de la última película de cine de terror en llegar a las pantallas y no un spot sobre telefonía móvil. La niña del anuncio, de aspecto aterrador, persigue a una mujer por el parking para terminar con un lema que podría traducrise como "perder nuestras ofertas te perseguirá" y que aparece en pantalla con manchas de sangre. Para los aficionados al cine, o incluso los adultos, el anuncio podría funcionar, pero desde luego no deberían emitirlo en horario de audiencia infantil.

"Fuck off and die": Bane, el villano en The dark knight rises

2011-11-22T15:06:00.001Z

Una de las ventajas de vivir en Inglaterra y estar suscrito a la prestigiosa revista Empire es que uno puede acceder a múltiples exclusivas antes que nadie. Y el último tanto que se han apuntado los chicos de la revista de cine más famosa del mundo ha sido lanzar datos e imágenes exclusivas de una de las películas más anticipadas del 2012: The dark knight rises (El caballero oscuro: la leyenda renace). Los chicos de la revista británica desvelan quién es Bane, el nuevo villano de la franquicia, interpretado por Tom Hardy y desvelan algunos detalles del prólogo que podrá verse en los cines Imax este diciembre.

"En realidad todo es sobre terminar la historia de Batman y Bruce Wayne", explica el director Christopher Nolan. "Le dejamos en un lugar bastante precario. Aunque quizá por sorpresa para algunos, nuestra historia se desarrolla un poco después, ocho años después de The Dark Knight. Por lo que es un Bruce Wayne más viejo, no está en el mejor estado", asegura Nolan a la publicación británica. Y el hecho de que Batman no se encuentre en plena forma no son buenas noticias, ya que esta tercera entrega enfrentará al héroe de Gotham contra una amenaza mucho más "fisica" que las anteriores. Si en Batman Begins eran El Espantapajaros y Ra's al Ghul y en El caballero oscuro era el joker el principal enemigo, en la nueva entrega será Bane, a quienes los lectores de comic conocen como el villano que rompe la columna vertebral de Batman en un devastador enfrentamiento. "Es brutal", asegura el actor Tom Hardy. "Bane entrega una brutalidad de expediente. Y, ya sabes, es un tio enorme. Es un tio enorme con una increible capacidad clínica, en el sentido de que su estilo de lucha está basado en resultados (...) ¿Sabes lo que quiero decir? Va en plan Jódete y muere". Hardy se explaya en las páginas de Empire explicando cómo en la película el personaje parte cuellos, destroza cabezas, rompe piernas y rodillas y destila un estilo bastante desagradable, a pesar de que la película va a llevar una calificación de 13 años : "No me estoy acercando al personaje con esa actitud. Si vamos a disparar a alguien, que sea a a mujer embarazada o a la vieja primero", continua, "asegúrate de que todos se sientan a escucharte. Es un terrorista en su mentalidad, pero también en su actitud", concluye un exaltado Tom Hardy acerca de la personalidad del personaje.

Pero no sólo por su persolanidad resulta amenazador el personaje de Bane. Su embargadura, su forma de moverse, su voz y, especialmente, su máscara: "Quería que fuera como un animal" explica la diseñadora de vestuario Lindy Hemming. "Con colmillos hacia arriba y hacia abajo". Pero Bane no lleva la máscara porque sea amenazadora, sino porque sin ella no podría respirar: "Se lesionó cuando era más joven. Sufre una serie de dolores y necesita la máscara para respirar. Las tuberías pasan por la línea de la mandibula y se alimentan de los botes de detrás. Los anestésicos", confirma Hemming.

Por suerte no habrá que esperar hasta el estreno de la película en Julio de 2012 para ver algo más del personaje. Según se ha informado a los medios, el día 16 se lanzará en Estados Unidos el primer trailer oficial del filme (junto al también esperado primer avance de El hobbit). Y apenas unos días después, el equipo de márketing de Warner lanzará el prólogo del filme junto a las copias en Imax de Misión Imposible:Protocolo Fantasma: "El prólogo lo constituyen básicamente los primeros seis o siete minutos de película", asegura Nolan. "Es la presentación de Bane y un apunte de lo que será el resto del filme".

Así que queda confirmado. al igual que El Caballero Oscuro el prólogo servía para presentar al Joker, en esta nueva entrega, presentarán al temible personaje de Tom Hardy, Bane. Pero, ¿cómo consigues que un actor tras una máscara resulte tan expresivo y amenazador? Pues en parte como lo hiciera Hugo Weaving en V de vendetta, con una gran interpretación: "Tom Hardy tiene esa increible disyuntiva entre la expresividad de su voz y la tranquilidad del movimeinto de su cuerpo", afirma Nolan. "Ha encontrado la forma de interpretar un personaje enorme y poderoso con una especie de calma en todo ello, pero es increíblemente rápido en ocasiones. Impredecible". Y a pesar de todo, Batman (Christian Bale) le sigue impresionando. "Sí que resulta intimidante", conlcuye Tom Hardy. "Hay una parte de mi que dice Dios mio, es Batman. Y me va a pegar. Pero luego me miro en el espejo. y se la devuelvo. El doble de fuerte".

El caballero oscuro. La leyenda renace