Crítica Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres

David Fincher se ha convertido en uno de esos directores que no importa lo que hagan, tienen mi entrada asegurada cada vez que estrenen una película. Si, además, se trata de una historia perfecta para Planta 13, con sexo, violencia, venganza y misterios a raudales, pueden estar ustedes seguros de que no me perderé la película y, a poco que Fincher esté en forma, terminará formando parte de mi colección de DVDs y Blu-Rays. Y eso es, sin lugar a dudas, lo que ha pasado con The girl with the dragon tattoo. O, como se la conoce en España, Millenium, los hombres que no amaban a las mujeres, por su título original en las novelas en que se basa. Aunque aun faltan unas semanas para su estreno en nuestro país, Planta 13 ya ha podido disfrutar de su visionado y sólo podemos decir que la expectación no ha convertido la experiencia en una decepcioón. Todo lo contrario, nos ha hecho admirar aun más al director y hemos caido enamorados de Rooney Mara. 

La sinopsis es más que conocida, pues Millenium forma parte ya de la cultura popular con el éxito de la trilogía literaria y la producción de la trilogía de filmes suecos que llegaron en 2009. En ella Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es sentenciado por difamar a un importante empresario a través de su revista de actualidad política y económica, 'Millennium', que dirige junto a su compañera Erika Verger (Robin Wright). Aprovechando la situación, Henrik Vanger (Christopher Plummer), ex-director de la Corporación Vanger, le propone un trato: escribir un libro sobre su imperio y su extensa familia y, a la vez, investigar la desaparición en 1966 de la sobrina de Vanger, Harriet, que ha sido dada por muerta. Blomkvist accede y contará con la ayuda de una afamada hacker, de pasado oscuro, modales ariscos y atuendo gótico, que busca trazar por su cuenta su propia venganza, Lisbeth Salander (Rooney Mara). 

Y es precisamente este personaje, secundario, como comentaba nuestro colaborador en su pequeña retrospectiva sobre quién es Salander, el que se adueña de forma absoluta de la película. Ni la presencia de Daniel Craig la intimida. Rooney Mara se come la pantalla con sus ojos profundos, su fragilidad y su vulnerabilidad, pero también con su fuerza para luchar, con su venganza, su inteligencia y sí, su feminidad. A diferencia de la fría interpretación de Noomi Rapace, Mara añade más matices a su Salander, más feminidad y, en el fondo, más empatibilidad. Su profunda mirada, llena de matices y emociones, llega directamente al corazón del espectador. La actriz ya ha conseguido una nominación como mejor actriz a los Globos de Oro y, a buen seguro, tendrá su nominación en los Oscar. La actriz se entrega en cuerpo y alma al director, David Fincher, para conseguir "ser" Salander. La actriz, de 26 años, no dudó en perforarse partes de su cuerpo con piercings reales (aunque no todos los mostrados en el filme lo son). Rooney Mara se muestra desnuda, indefensa, vulnerable, en una entrega absoluta al personaje, en diferentes momentos de la película, entregándose por completo a un personaje en absoluto fácil de interpretar; un papel que requería de la actriz no sólo la entrega física, sino también atravesar por la oscura senda de la locura de un personaje torturado desde su niñez. 

Por su parte, Fincher y su equipo otorgan una textura al filme perfecta, como siempre en la filmografía del director. Si bien David Fincher se mantiene visualmente contenido en sus últimos filmes, en Millenium demuestra por qué le avalan dos nominaciones a los Oscar y un Globo de Oro como mejor director. Desde la elección de unos iniciales títulos de crédito fantásticos (aunque parezcan una versión ciberpunk de una intro de James Bond), a ritmo de la versionada "Inmigrant song", hasta la fotografía de Jeff Cronenweth, pasando por el montaje o el diseño artístico. La planificación, igual de eficaz que en El curioso caso de Benjamin Button pero más desatada que en La red Social, nos deja planos sorprendentes. No por casualidad, los planos más "diferentes" y trabajados envuelven al personaje interpretado por Rooney Mara. 

Sin duda, la película mal-rollera de las navidades. Un thriller sobre el abuso de la violencia, sobre la violencia sexual... Pero, en el fondo, una película sobre un personaje roto con un final no precisamente dulce. Lisbeth Salander, un nuevo icono del cine dentro de una película casi perfecta.

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

Drive: revival ochentero para cerrar el año

El nuevo trabajo del danés Nicolas Winding Refn, Drive, protagonizado por Ryan Gosling, se estrenó hace unos días en España. La película, que le dio a su director el premio como Mejor Director en Cannes, está basada en la novela homónima de James Sallis, y adaptada para la gran pantalla por Hossein Amini. Protagonizada por Ryan Gosling, un experto conductor que aprovecha su talento para ganarse la vida de dos maneras; por el día, cuando no trabaja en un taller, es un especialista de cine en las escenas de riesgo, y por la noche ofrece su volante para participar en fugas delictivas. Un día descubre que han puesto precio a su cabeza tras un golpe que no sale bien.

Al protagonista se le conoce simplemente como Driver, un antihéroe anónimo sin pasado ni vida aparente. Es, sencillamente, un auténtico ser humano, un auténtico héroe, como reza una de las ochenteras canciones de la banda sonora. Driver recuerda a algunos de los héroes del pasado, esos personajes del cine que interpretaban Steve McQueen y Clint Eastwood. Hombres que hablaban poco pero que lo decían todo con sus actos. La novela del mismo nombre escrita por James Sallis fue el catalizador que puso en marcha los motores de los productores Marc E. Platt y Adam Siegel de Marc Platt Productions y que les llevó a convertir este pequeño libro en un largometraje.  Hossein Amini (al que los realizadores llaman Hoss), nominado a los Premios de la Academia® por su adaptación de la novela de Henry James Las alas de la paloma, fue contratado para convertir la novela en un guión. "Era extraño que un estudio quisiera llevar a la pantalla un libro como ese porque era muy corto, muy oscuro. Era casi como un poema".

Y esa poesía literaria ha sido trasladada a la pantalla como una poesía visual. Algunas de las secuencias son de una belleza casi poética y que no pasaron desapercibidas en el festival de Sitges, donde llegaba tras la gran  gran acogida en Estados Unidos.  Drive fue el cierre perfecto para un Festival que intentó  mantener el equilibrio entre el lado más freak y bestia y el lado más autoral y artístico.  Quizá sea aburrida para públicos más comerciales, pero Drive es sin duda de lo mejor que ha podido verse en este 2011. 

Especial Dexter: Análisis y crítica de la sexta temporada

ATENCIÓN: SPOILERS DE LA SEXTA TEMPORADA

Lee bajo tu responsabilidad si quieres conocer detalles de cómo termina la sexta temproada de Dexter

 

El año pasado comentamos lo mucho que nos había gustado la temporada de Dexter, aunque no llegaba a las cotas de excelencia que alcanzó el show con la trama del "Trinity Killer". Pero la víctima número trece fue sin duda una trama digna de la serie de Showtime. Sin embargo, llegó la sexta temporada, llegó el "doomsday killer" y todo cambió. La temporada empieza suave, lenta, presetándonos la nueva situación, los personajes secundarios y los posibles enemigos de Dexter. Pero, poco a poco, los guionistas se centran demasiado en tramas que no parecen ir a ninguna parte, como si no supieran qué hacer con los personajes. 

Buen ejemplo serían las subtramas de Masuka y sus ayudantes; la infantil relación entre Quinn y Batista, los piques de LAguerta con Debra... Ninguno de ellos ha disfrutado de una temporada decente, pues sus tramas se han visto afectadas por una sensación de falta de rumbo preocupante para la serie. En cuanto a los protagonistas, Dexter se ha enfrentado a su pasado con la reaparición del supuesto Trinity Killer, aunque ha estado centrado en el "doomsday killer", una supuesta dupla de asesinos que la gran mayoría de espectadores no ha encontrado satisfactoria. Especialmente porque la supuesta revelación y sorpresa que su relación conlleva se vio venir con bastante antelación. A Dexter se le ha visto bastante perdido en esta temporada, sin la convicción que ha demostrado en otras ocasiones y sin la fuerza que su lucha con el antagonista suele provocar. 

Y es que, no queda otra que admitirlo, Dexter se define en relación a sus antogonistas. Si "el malo" de la temporada está a la altura, la temporada lo estará también. Y eso no depende sólo del actor, depende, de entrada, de los guionistas y su capacidad para sorprender y enganchar a los espectadores. La trama del Trinity Killer enganchaba porque el espectador veía un auténtico conflicto entre los dos asesinos. La trama de Lumen, en la quinta temporada, funcionaba porque alteraba lo que Dexter vivía en aquel momento y el antogonista conseguía hacer sentir cierta amenaza, auqnue sólo fuera por descubrir lo que había sufrido Lumen en manos del principal antagonista. Funcionaba porque había secuencias para quitarse el sombrero, sin necesidad de recurrir al morbo fácil o la sangre como han pretendido esta última temporada. La cena que Dexter pasaba en casa del Trinity Killer acumulaba más tensión y conflicto, enganchaba más al espectador, que una sucesión de crímenes religiosos, por fuertes o sorprendentes que éstos puedan ser. No deja de ser lo mismo que un susto cinematográfico. Lo que cala en el espectador es la tensión, lo que no sólo nos hace saltar sino acurrucarnos en la butaca o mordernos las uñas en tensión. A Dexter, esta temporada, le ha faltado esa tensión, que se consigue con un mejor trabajo en los personajes, con una mejor definición de tramas y creando situaciones que puedan cambiar a los personajes, amenazarles. Pero el "doomsday killer" no parecía poder cambiar a Dexter, tampoco conseguía ser una amenaza real para él. Ni siquiera desafiaba las creencias del protagonista. Quien sí parecía que iba a conseguirlo era el hermano Sam, pero también decidieron los guionistas que ese camino no merecía la pena segurilo, y por tanto, desapareció sin hacer mella en el protagonista. Y eso es lo peor en la narrativa, que todo siga igual, que entretengas al espectador con tramas que parece que van a alterar el status quo de los personajes pero que finalmente no lo hacen. Y es que el único cambio de esta sexta temproada ha llegado al final y a destiempo.

Lo mejor ha sido el conflicto creado entre Debra y Dexter tras las sesiones de ésta con la psicóloga de la policía. La última secuencia de esta sexta temporada abre importantes interrogantes. Este final tenía que haber ocurrido en la ya famosa secuencia de la cortina de la temporada anterior. El descubrimiento por parte de Debra de que su hermanastro es un asesino es, sin duda, algo que los aficionados estaban esparando desde hace tiempo. Pero, ahora, se añade el "pequeño" detalle de que ella está enamorada de su hermanastro. Un conflicto que sí promete cambiar las bases de los personajes y cuyas vidas se intuye serán amenazadas por los fantasmas pasados, a tenor del paquete que Dexter aun no ha visto con la mano del Ice Truck Killer (recordemos, hermano de sangre de Dexter, ex pareja de Debra). Desde luego, a tenor de lo mal que ha ido esta última temporada, parece fácil que Dexter mejore para las dos próximas y finales temporadas de la serie.

Trailer Red Band de The Devil Inside

Las historias de exorcismos suelen atraer. No importa cuándo las cuenten, quién las cuente y las parodias que se hayan hecho del tema. Así que vamos a por la que toca hoy y que está dándo de qué hablar en internet. En 1989 en una ciudad italiana la policía recibó una llamada de emergencia de Maria Rossi. La mujer, alterada, confesó que acababa de asesinar a tres personas de manera violenta y sanguinaria. Es por ello que las autoridades la llevaron a juicio y la encerraron en un asilo de máxima seguridad para personas con desequilibrios mentales. 

La película que nos ocupa, The devil inside, sigue en la actualidad, concretamente veinte años después, cuando aparece en escena Isabel, la hija de Maria. Ella está convencida de que su madre no está loca, sino que fue víctima de una posesión demoníaca. Por esa razón, llama a dos sacerdotes reconocidos en el campo de los exorcismos para que la liberen de ese terrible mal. La trama de The Devil Inside se pone aún más interesante, ya que los sacerdotes descubrirán que Maria no está poseída por un demonio sino por varios y deben recurrir a métodos nada ortodoxos de los que ya utilizaban.

Chronicle: el lado oscuro de los superpoderes

Durante el pasado festival de Sitges y con motivo del estreno de Emergo, de la que os ofreceremos una entrevista con su director cuando se acerque el estreno, se comentó mucho entre prensa y aficionados hasta qué punto el recurso del falso documental estaba sobrexplotado o no. Tanto el director de esa película, Carles Torrens, como Rodrigo Cortés, guionista y productor, defendieron que el recurso es uno de más de los cientos de los que un director dispone al contar sus peliculas, desde travellings hasta contrapicados, desenfoques, o cualquier técnica narrativa. Y tenían toda la razón. En Troll Hunter el recurso funciona a la perfección en el marca de la fantasía noruega y en el trailer que hoy presentamos, Chronicle, un filme de 20th Century Fox  rodado en formato de falso documental y dirigido por Josh Trank. La película narra la historia de tres adolescentes que tras ser expuestos a un extraño fenómeno en medio del bosque empiezan a desarrollar una serie de extraños superpoderes. Pero su juventud hace que empiecen a experimentar con ellos sin pararse a pensar en las consecuencias que podría tener. Dane DeHaan, Michael B. Jordan y Alex Russell son los protagonistas de la cinta que llegará a los cines de Estados Unido, Inglaterra y España a lo largo del mes de febrero.

El Topo: los auténticos espías de la Guerra Fría

La nueva adaptación de la novela de John Le Carré, El Topo, viene de la mano del director Tomas Alfredeson, conocido por aquella niña vampira que aparecía en su Déjame entrar (2008). No es la primera vez que el famoso personaje de George Smiley se lleva a la pantalla y, cómo es lógico, siempre existe cierto miedo por parte de sus numerosos seguidores a la decepción. Pero en este caso, Alfredeson ha conseguido plasmar ese ambiente amargo de Le Carré en una narrativa visual excelente y rodeándose de unos actores sublimes que encarnan a la perfección a los oscuros personajes de la novela.

Todo ocurre en plena Guerra Fría, en esa carrera por destruir la expansión de los países de detrás del Telón de Acero. Control (el jefe de la cúpula) envía al agente Jim Prideaux a Hungría, pero algo falla inesperadamente en la misión y Control es expulsado de la cúpula junto con su lugarteniente, George Smiley. Pero Smiley vuelve a ser contratado por el gobierno inglés, esta vez para descubrir a un topo que parece haberse infiltrado en los servicios secretos. Con una lista reducida a cinco nombres, Smiley se las ingeniará para recomponer todas las piezas de un puzle que no parece encajar.

Alfredeson nos ofrece una visión realista del mundo del espionaje; atrás quedan las carreras a contrarreloj, las persecuciones, las explosiones y la acción trepidante. La película se centra en el personaje de George Smiley que nos ofrece un ambiente de reflexión, diálogos cargados de matices (no sólo en lo que se dice, sino en el cómo se dice) y sobretodo mucho suspense. La interpretación de los actores destaca sobre todo en el silencio, en cada gesto, en cada pequeña pista que nos hará sospechar de cada uno de ellos.

A pesar de ser una película excelente en la que se respira autenticidad en cada momento, no deja de ser densa y algo enrevesada. Esto puede provocar para el espectador desconocedor de la literatura de Le Carré que la película resulte algo compleja a la hora de seguir el argumento. Y es que Alfredeson se ha servido de la narrativa y el montaje para jugar al despiste, utilizando numerosos flashbacks y un orden temporal que a más de uno le puede llevar al desconcierto. Aún así, el espectador que se sienta atrapado por este universo, no podrá salir de él hasta el último momento en el que descubra la lógica y la oscuridad que mueve a cada uno de los personajes en sus actuaciones. El engaño traspasa la pantalla y juega con el espectador, ya que como dice el propio Le Carré “Para mí, este mundo secreto era también una metáfora del gran mundo en el que vivimos; nos engañamos unos a otros, nos engañamos a nosotros mismos, nos inventamos mentirijillas y representamos nuestra vida en lugar de vivirla”.

El topo

Luz entre tinieblas

Que Alan Wake (a pesar de su exclusividad para Xbox360) iba a ser uno de los juegos estrella del 2010 ya lo intuíamos, pero poder escucharlo de los propios labios de Sam Lake fue la confirmación definitiva de que no nos equivocábamos. Tuvimos la oportunidad de conocer a Lake en persona durante el Salón del Cómic de Barcelona de aquel año, y el guionista principal de la finlandesa Remedy Studios no nos defraudó creando expectativas. ¿Cómo podía equivocarse el creador de la mítica saga Max Payne? Alan Wake supo equilibrar a la perfección horror y acción, en un género hoy día excesivamente absorbido por las mecánicas de shooter en tercera persona (véase los últimos Resident Evil). El resultado fue un aclamado survival horror con una excelente narrativa digna de los relatos de Stephen King, y plagado de misterios al estilo de series como Twin Peaks o Perdidos, directos inspiradores del título.

Tras la cesión de los derechos de Max Payne a Rockstar Games (precisamente la tercera parte tiene su lanzamiento previsto para marzo del próximo año, lo que nos permitirá tener la manos ocupadas hasta GTA V), los fans de Remedy se preguntaban si el próximo movimiento de la compañía sería continuar con las desventuras del escritor o crear un producto completamente nuevo. Como hemos podido saber recientemente, la respuesta es… ambigua.

Alan Wake no tendrá secuela el próximo año, al menos entendida como un título completo que salga al mercado en formato físico. En su lugar, tendremos un nuevo episodio de las andanzas del novelista que saldrá a la venta en el bazar de XBoX Live, al más puro estilo DLC. Su título será Alan Wake’s American Nightmare (La pesadilla americana de Alan Wake), y saldrá a la venta a principios del 2012. De acuerdo con los creadores, “es un juego independiente de la línea argumental del primero, que existe únicamente para expandir el universo de Alan Wake”. No es por lo tanto la esperada secuela, aunque Remedy tampoco quiere desmentir que pudieran estar trabajando en ella en estos mismos momentos.

El argumento se centrará en un Wake atrapado en Arizona, y lo que es peor, atrapado en uno de sus primeros guiones para la serie de televisión Night Springs (que como recordemos, era un claro homenaje a la clásica En Los Límites de la Realidad). En medio de una guerra abierta entre luz y oscuridad, Alan deberá resolver un misterio que le permita distinguir entre realidad y ficción, o de lo contrario podría perder la cordura.

De acuerdo con Remedy, American Nightmare toma inspiración directa del universo Tarantino, con un enfoque más similar a Pulp Fiction o Abierto hasta el Amanecer, aunque manteniendo sus características distintivas. A continuación os mostramos su primer tráiler, que parece corroborar que no decepcionará a nadie.

Get More: GameTrailers.com, Alan Wake: American Nightmare - VGA 2011: Exclusive Debut Trailer HD, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

Ridley Scott vuelve a la ciencia ficción: Trailer de Prometheus

Después de meses de rumores, semanas de filtraciones y días de cuenta atrás, por fin podemos disfrutar en majestuosa alta definición del primer avance de la esperada Prometheus, el regreso a la ciencia ficción de Ridley Scott, director de Alien, Blade Runner o Gladiator. Pero no perdáis más tiempo, bajad, ved el trailer, y luego hablamos...

Ok.

Espectacular, ¿verdad?

Tanto el guionista Damon Lindelof como el propio Ridley Scott habían dicho que esta "no-precuela" de Alien mantendría rasgos del universo que convirtió a la Teniente Ripley en uno de los iconos de la historia del cine. Pero, visto el avance, parece que habrá algo más que rastros del "ADN Alien" en Prometheus. Según Scott, tan sólo habrá una auténtica conexión con el primer filme de la saga en el tercer acto de esta película, a pesar de lo que acabamos de ver con este avance. Scott hablaba la semana pasada en torno al origen de la historia, el Space Jockey, que podemos ver brevemente en el avance:

“Durante la película le comenzaron a llamar así, no sé quien lo comenzó. Siempre pensé que era increíble que nadie respondiese quien era ni porqué estaba ahí. ¿Qué era todo eso?, me senté a pensar en ello por un tiempo y pensé: ¡Bueno, ahí hay una historia! ¡Las otras cuatro películas se lo perdieron! Por lo tanto, aquí está”. 

Pase lo que pase, ¡no dejes de jugar!

Para ser sinceros, resulta frustrante tener que admitir que la industria del videojuego nacional no es muy potente en cuanto a desarrollo se refiere. Aquellos que superen los treinta años recordarán con cierta nostalgia la época dorada del videojuego español, que tan bien cuajó en la consola de 8 bits Spectrum. ¿Quién no ha oído al menos hablar de esa mítica aventura gráfica, La Abadía del Crimen, producto de la desaparecida Opera Soft? Desde entonces apenas contamos con alguna que otra compañía importante (destacando Pyro Studios, Péndulo y la reciente MercurySteam) y unos pocos juegos de calado internacional, como la saga belica Commandos, la aventura gráfica Runaway o el reciente Castlevania: Lords of Shadow para Konami.

Y precisamente por la escasa cantidad de grandes éxitos, siempre es de agradecer cuando oímos hablar de un título genuinamente español con capacidad para levantar expectación entre los jugadores. En este caso, nos referimos a REC: el videojuego. Tras el éxito arrollador de las dos películas de terror de Jaume Balagueró y Paco Plaza (REC en el 2007 y su secuela, REC2, en el 2009) y el próximo lanzamiento de las dos nuevas entregas de la franquicia (la precuela REC: Genesis y la secuela REC: Apocalípsis), tendremos la oportunidad de revivir el horror de forma interactiva gracias al videojuego oficial.

El título está producido por Filmax y de su desarrollo se encarga Tonika Games, una joven compañía de videojuegos española que de momento sólo cuenta con dos títulos en su catálogo; la aventura gráfica Play English para PSP, y Patito Feo: El videojuego más bonito, también para PSP.

De acuerdo con las primeras informaciones (ya que aún es demasiado pronto para mostrar ninguna imagen), el juego será bastante fiel a la estética de las películas. Durante el proceso de desarrollo se está teniendo muy en cuenta la terrorífica atmósfera de REC, dando especial relevancia a la iluminación y los efectos sonoros inquietantes (algo que tan buen resultado ha dado en títulos como Dead Space). Por otro lado, en el apartado de armas y personajes también se está teniendo en cuenta el componente de acción y violencia que son ya marca de la casa.

El juego estará dividido en cuatro episodios, cada una de ellos dedicado a cada película. Según la productora, nos encontramos ante un first person shooter que a través de varias misiones nos sumergirá en el universo REC en primera persona, con la intención de causar un mayor impacto en el jugador. Como tal, podremos explorar las localizaciones clave de cada película, aunque aún está por ver hasta que punto tendremos libertad para hacerlo o si incluso se irá más allá y aparecerán localizaciones no vistas en las versiones cinematográficas.

REC: el videojuego aún no tiene fecha oficial de salida, aunque sus dos primeros episodios (correspondientes a REC y REC2) saldrán a la venta durante el primer trimestre de 2012 para Iphone, Ipad, PC, Blackberry, tablet y Android a un precio de descarga de 2’99 euros. Aunque en principio nos alegra saber que REC se expande hacia otras plataformas más allá del celuloide, ¿estará a la altura de lo que esperan los fans de la saga? Conforme vayamos conociendo más detalles, no dudéis que seréis los primeros en enteraros. Hasta entonces, nos encontraremos en las tinieblas.

Primer trailer subtitulado de El Hobbit

Menudo cierre de año. El 2011 no ha terminado y ya nos han metido en vena la expectación necesaria con varios avances espectaculares. Si la semana pasada Filmax lanzaba el trailer de [REC]: Génesis y el Lunes noche se publicó el nuevo trailer de El caballero Oscuro, hoy le toca el turno a otra de las grandes apuestas del 2012: El Hobbit, para la que tendremos que esperar todo un año, hasta Diciembre del inminente año nuevo. Y aun falta el trailer de Prometheus para las próximas horas. El filme está dirigido por Peter Jackson y está escrito por Philippa Boyens, Guillermo del Toro, Fran Walsh y el propio Jackson, está protagonizado por Martin Freeman, Ian McKellen, Cate Blanchett, Orlando Bloom, Ian Holm, Christopher Lee, Hugo Weaving, Elijah Wood, Andy Serkis y Stephen Fry, entre otros. 

El Hobbit: un viaje inesperado, comienza con el viaje de Bilbo Bolson, quien es arrastrado a una aventura épica para reclamar el reino perdido de los enanos de Erebor, el cual fue tiempo atrás conquistado por el dragón Smaug. Trasportado como por arte de magia por el mago Gandalf el Gris, Bilbo se encontrará en compañía de trece enanos encabezados por el legendario guerrero Thorin Oakenshield. Su viaje les llevará a internarse dentro del Wild, tierras traicioneras invadidas por Duendes y Orcos, terribles Wargs y arañas gigantescas y hechiceros. Aunque su objetivo se encuentra al Este y en las tierras baldías de la Montaña Solitaria, primero deben escapar de los túneles de los duendes, donde Bilbo encontrará a la criatura que cambiará su vida para siempre, Gollum. A solas con él, en la orilla de un lago subterráneo, Bilbo descubrirá su astucia y su coraje, cualidades desconocidas hasta entonces para él; también conseguirá la posesión más preciada por Gollum, un anillo de oro que posee inesperadas y útiles cualidades. Un simple anillo de oro al que está ligado el destino de la Tierra Media de una manera que Bilbo comenzará pronto a saber.

"Cuando Gotham sea cenizas, tienes mi permiso para morir"

Con esas palabras que abren esta entrada de hoy en Planta 13, el personaje de Bane deja más que claras sus intenciones de destruir Gotham y acabar con El Caballero Oscuro. Si el primer teaser de El Caballero Oscuro: la leyenda renace, se centraba en el enfrentamiento entre Batman y Bane (Christian Bale/Tom Hardy), el primer trailer largo plantea el impresionante reparto de esta tercera (y final) entrega sobre Batman: Gary Oldman, Michael Caine, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Anne Hathaway y Nestor Carbonell aparecen en este nuevo avance secundando al protagonista, aunque no debemos olvidar los nombres de otros actores secundarios que no aparecen aun en los trailers: Morgan Freeman y Juno Temple. 

La anticipación de este filme es sólo equiparable a la expectación levantada por el trailer de El Hobbit (que llegará también en los próximos días) y el prólogo proyectado en cines IMAX se ha flitrado ya en internet (lo comentaremos cuando lo veamos en el Imax de Londres en unas semanas). Aunque no lo hayamos visto, fuentes de confianza que ya han visto el avance aseguran que secuencias así son las que nos hacen amar el cine estadounidense. Por ahora, os dejamos con la sinopsis ofrecida en la ficha de la película en Sensacine y con el trailer en versión original subtiulada al español. 

Tercera entrega de la trilogía dirigida por Christopher Nolan, que comenzó con Batman Begins (2005), siguió con El caballero oscuro (2008) y ahora finaliza con El caballero oscuro. La leyenda renace. En esta aventura, el superhéroe Batman deberá enfrentarse a Bane, un poderoso villano que acaba de escaparse de la cárcel y que liderará una tropa de maleantes fugados de la prisión de Arkham. Bane asediará la ciudad de Gotham y Batman tendrá que unirse a las fuerzas del orden para detener su avance. Además, el Hombre Murciélago tendrá que verse las caras con otro contrincante, en este caso femenina, la fiera Catwoman. 

Spielberg y su primer gran éxito con los extraterrestres

Ayer Steven Spielberg celebraba su cumpleaños, y con motivo del mismo dedicábamos una entrada a la ya mítica figura del cine (podéis leerla aquí). Aunque ha tocado todos los géneros, buena parte de la carrera de Spielberg ha estado marcada por la fantasía, el terror, la ciencia ficción y el cine de aventuras. Así que como podéis imaginar, por aquí, en Planta13, tiene un puesto privilegiado (al menos para algunos de nosotros). No he querido desaprovechar la oportunidad para re-homenajearle volviendo a sacar a la luz una de sus primeras obras dedicadas a los ovnis y la ufología: Encuentros en la tercera fase (1977).

Con apenas treinta años había llegado ya a lo alto de Hollywood gracias a su primera película de éxito mundial: Tiburón (1975). Pero si Tiburón le dio la fama, el prestigio y el dinero; fue Encuentros en la tercera fase la que confirmó que nos encontrábamos ante un verdadero maestro del cine que daría mucho que hablar en los siguientes años. Le salvó de ser un director de un solo éxito (el miedo eterno de los cineastas que comienzan pisando fuerte) y con ella demostró al mundo que era capaz de arrastrar a millones de personas a los cines a ver sus películas. Convirtiéndose en uno de los jóvenes “Rey Midas” de Hollywood, fue además, con esta obra, con la que salvó a la Columbia de la bancarota.

Spielberg siempre ha sentido atracción por la ufología y todo lo relacionado con los ovnis. Ya de niño se pasaba horas observando por su telescopio el cielo y buscando indicios de naves extraterrestres con sus habilidades de boy scout. Por eso, incluso antes de rodar Tiburón, tenía en mente hacer un documental sobre el tema; aunque finalmente se decantó por esta película con el apoyo de la Columbia. Para la misma, leyó multitud de guiones que le ofrecieron, pero ninguno le convencía lo suficiente. Así que el mismo se puso manos a la obra y escribió íntegramente el guión haciendo de ésta una de las pocas películas en la que él es director y guionista (aunque muchas veces participa en los guiones revisando diálogos o cambiando secuencias). 

El filme cuenta diversas historias paralelas a modo de distintos caminos que convergen en un mismo punto. La de Claude Lacombe, un investigador de sucesos paranormales ocurridos en distintos lugares del planeta; la de Jillian Guiler, que busca a su hijo misteriosamente desaparecido; y la de Roy Neary, que está obsesionado con una imagen tras un extraño encuentro nocturno. Todos ellos, buscando respuestas, se encontrarán en el mismo punto de la geografía americana.

Estos caminos por recorrer en la búsqueda de respuestas es un tema recurrente en el cine de ciencia ficción de Spielberg. Muchas veces se ha dicho de los mismos que corresponden a una metáfora de la figura divina en la que convierte a la ufología en una especie de religión en la que el hombre se encuentra con una forma vital superior; unas veces amistosa (como en E.T. el extraterrestre de 1982) y otras un tanto destructiva (como en La guerra de los mundos de 2005). Esta forma de representar la forma de vida alienígena en la pantalla ha sido muy influyente para algunos directores.

Pero el director no es sólo influencia, sino que también ha sido influenciado (como siempre en la historia del cine); en este caso por autores clásicos como Howard Hawks. Ejemplo de ello son las secuencias de la búsqueda y la huída acontecidas en la montaña que recibe el nombre de Devil’s Tower. Así, toda la película se llena de un halo clasicista dejándonos con imágenes de gran atractivo visual que, combinados con la música y un guión que atrapa, nos lleva al espectáculo al que Spielberg ya nos tiene acostumbrados. Pocas películas han sido capaces de resucitar esa estética clasicista como ésta: una obra maestra que abrió un gran camino en la relación entre la ciencia ficción y un gran cineasta, de la cual, estoy segura, aún nos queda mucho por ver.

Domingo en serie: nuevo trailer de Juego de Tronos

Apenas unos segundos bastan para poner los dientes aún más largos a los aficionados. HBO ha lanzado  un nuevo teaser de la segunda temporada de Juego de Tronos y, está claro, sabe que muchos están ya esperando la nueva temporada. “The cold winds are rising”, es el lema de esta promo, que en menos de un minuto ya avisa de que no es tiempo para la paz. No hay espacio para la felicidad o la luz: las tierras baldías o las zonas heladas ya no dejan espacio para fiestas en los castillos ni en las ciudades. Quien da el discurso del teaser es Stannis Baratheon, que será eje fundamental de esta nueva temporada y que ya deja claras sus intenciones: "They will bend the knee or I will destroy them".  La segunda temporada de Juego de Tronos se estrenará el próximo 12 de abril.

Feliz Cumpleaños, señor Spielberg

Uno de los cineastas más exitosos e influyentes de la industria y el director más taquillero de todos los tiempos cumple 65 años este domingo 18 de diciembre. Suyos son éxitos como Tiburón, ET: El extraterrestre, las franquicias de Indiana Jones y Jurassic Park y el próximo título War Horse (Caballo de batalla) que se estrena el 17 de febrero de 2011 y cuyas críticas iniciales están siendo bastante favorables.

El denominado "Rey Midas" de Hollywood ha ganado el Oscar® en 3 ocasiones. Las dos primeras estatuillas fueron como Mejor Director y Mejor Película por la película La Lista de Schindler, que recibió un total de siete estatuillas. El tercer Oscar fue como Mejor Director por el drama de la Segunda Guerra Salvar al soldado Ryan aunque ha sido nominado un total de diez veces hasta la fecha a los premios de la Academia, cifra que podría aumentar con las posibilidades que tanto Las Aventuras de Tintín como Caballo de Batalla tienen este año de cara a los premios.

Spielberg ha sido honrado por sus colegas con más nominaciones a los premios DGA que cualquier otro director, llegando a recibir en el año 2000 el premio DGA Lifetime Achievement Award. Es también el ganador del premio Irving G. Thalberg Award de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, del premio Cecil B. DeMille Award de Hollywood Foreign Press, del Kennedy Center Honors, y otros numerosos homenajes a su carrera.

La carrera de Spielberg comenzó con el cortometraje de 1968 Amblin, que le llevó a convertirse en el director más joven en firmar un contrato a largo plazo con un estudio. Llamó la atención con su película para televisión de 1971, El diablo sobre ruedas. Tres años más tarde hizo su debut cinematográfico como director en Loca Evasión, cuyo guión coescribió. Su siguiente película fue Tiburón, que fue la primera en romper la marca de $ 100 millones de recaudación. En 1984 Spielberg formó su propia productora, Amblin Entertainment. Bajo la bandera de Amblin, se desempeñó como productor y productor ejecutivo de éxitos como Gremlins, Goonies, Regreso al Futuro (I, II y III), Quién engaño Roger Rabbit?, Twister, La máscara del zorro y Men in Black.

En 1994 Spielberg se asoció con Jeffrey Katzenberg y David Geffen para formar el original DreamWorks Studios. El estudio disfrutó del éxito de la crítica y el público y produjo tres películas ganadoras del Oscar® –consecutivamente- como Mejor Película: American Beauty, Gladiator y Una mente maravillosa. Entre sus próximos estrenos destaca War Horse (Caballo de batalla) que llegará a España el 17 de febrero, una épica y emotiva aventura que aspira a convertirse en clásico. Es la historia de un maravilloso caballo en época de guerra; una conmovedora historia que explora los lazos de la amistad, la lealtad y el coraje. Inspirada en una de las más grandes historias modernas acerca de la amistad en tiempos de guerra, la película es una adaptación de la novela que se convirtió en una exitosa apuesta teatral –cosechando cinco premios Tony, entre ellos el de Mejor Obra-. Ahora, Spielberg despliega este cálido relato para todas las edades, que marca su regreso a un territorio donde la pantalla gigante y la narrativa de corte intimista se encuentran.

Spielbrerg dice: “Para mí, War Horse es una historia inmortal acerca de los sacrificios del amor; los sacrificios que un joven muchacho hace durante la guerra para hallar su caballo y los sacrificios que el animal hace para sobrevivir en medio de la oscuridad de ese episodio histórico. Más allá de todo, sus destinos están enlazados”. Para Spielberg, la oportunidad de trabajar con caballos fue una experiencia muy estimulante, una de esas experiencias que te transportan a nuevos territorios. “Los caballos fueron una experiencia extraordinaria para mí porque muchas miembros de mi familia montan a caballo. Me fascinó la expresividad de los caballos y su capacidad para mostrar lo que sienten”.

Morir es cosa del pasado

Game Over. ¿Cuántas veces hemos leído estas palabras jugando a un videojuego? Quien más y quien menos, seguro que no pocas. Nuestro personaje cae por un precipicio, o lo vapulean, o se ahoga, o se electrocuta, y nuestra frustración crece, crece, y sigue creciendo porque somos incapaces de superar ese nivel que se nos ha atragantado. Estamos hartos de morir, y por eso Konami (veterana del género con franquicias como Castlevania o Silent Hill) ha decidido escuchar nuestras plegarias y ofrecernos una experiencia novedosa: Neverdead, el juego en el que no podemos morir.

En Neverdead nos metemos en la piel de Bryce Boltzmann, un hombre que hace quinientos años presenció la brutal muerte de su esposa a manos del rey demonio Astaroth. Por si eso no fuera suficiente, Astaroth le condenó a vivir eternamente, impidiendo así que pudiera reunirse algún día con su amada. Con el paso de los siglos Boltzmann terminó convirtiéndose en un alcoholizado y cínico cazademonios a sueldo, malviviendo con la vaga esperanza de morir algún día. Y en ese aspecto radica la originalidad del título.

Cada vez que suframos daños mortales, en lugar de perecer nuestro cuerpo se desmabrará, lo que nos obligará a buscar nuestros miembros faltantes esparcidos por el escenario para poder continuar de una pieza. En ocasiones, controlar únicamente una parte suelta de nuestro cuerpo, como la cabeza, nos permitirá acceder rodando a lugares imposibles de cualquier otra manera (como por ejemplo una tubería o un pasadizo estrecho). Como podemos ver, deberemos utilizar nuestro ingenio para sacar partido a nuestra habilidad.

Por lo demás, deberemos enviar de vuelta al averno a la fauna demoníaca que ha invadido nuestro plano de la realidad, gracias a un amplio y variado arsenal de armas. No solo eso, también deberemos proteger en todo momento a Arcadia, una sexy investigadora privada y compañera de fatigas durante nuestra aventura. También es reseñable comentar que el proyecto cuenta con la colaboración acústica de Megadeth, la popular banda de heavy metal cuyo estilo agresivo encaja perfectamente con el tono de película de acción del juego.

Dicho esto, os presentamos el primer avance de lo que dará de sí la nueva propuesta de Konami, que saldrá a la venta el 31 de Enero para Xbox360 y Playstation 3. Aunque aún tendremos que esperar un poco para comprobar si el experimento realmente funciona, ¿Quién sabe? Quizás haya llegado el momento de decirle au revoir! a la muerte.

Get More: GameTrailers.com, NeverDead - Preview HD, PC Games, PlayStation 3, Xbox 360

Kill List sigue dando de qué hablar por el mundo

Mira que habíamos visto clips en Londres, durante el Empire Presents Big Screen. Mira que el director lo había avisado: "es una película que arranca en un género y termina en otro". Pero, a pesar de todo, Kill List es un filme que descoloca, que sorprende. Kill List es fuerte, sin tapujos, con una dirección maestra durante los primeros dos tercios de la película. Pero, entonces, llega el último acto del filme. Y no es que el directo, Ben Whitley, empiece a hacer aguas en su trabajo, pues sigue siendo igual de efectivo. El "problema" (para algunos espectadores que compartieron visionado con Planta 13 en Sitges), es que la trama da un giro brutal.  Aunque intentan sembrar pistas de hacia donde se dirige la película, con algunas pistas confusas salpicando los dos primeros tercios del guión, ningún espectador esperaba encontrarse de forma tan radical el cambio de tercio que acontece en el tercer acto.

La dirección ahi no empeora, y la secuencia en el túnel es brutal en tensión, pero lo que supone el giro en la trama descoloca demasiado al espectador. Aunque el cambio de rumbo puede funcionar para algunos (más de uno se llevaba las manos a la boca de incredulidad, tensión o incluso miedo durante su proyección en Sitges), lo cierto es que la gran mayoría han salido defraudados por ese giro: "Me estaba encantado la película hasta que ha llegado a ese punto", se comentaba a la salida del Auditori. "Más de la mitad de la peli es fantástica, en serio, pero es que al llegar al final...", comentaban otros. Desde luego, la película sorprende y durante los dos primeros actos, mantiene la tensión de un thriller bestia; y con nota. Que el tercer acto y final de la película sea bueno, queda en manos del espectador, su capacidad para soportar finales duros y lo predispuesto que esté a que le cambien de género sin avisar. Podéis ir abriendo boca con el trailer que circula por internet.

Oscar a los mejores efectos especiales

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha decidido cuáles serán las películas que optarán a las candidaturas de los premios Oscar en la categoría de efectos visuales. Se trata de un total de 15 largometrajes entre los que se encuentran todo tipo de adaptaciones. Capitán América, Thor, X-Men: Primera generación o Harry Potter y las reliquias de la muerte II. Cintas de acción y ciencia ficción como Cowboys and Aliens, Acero puro, El origen del planeta de los simios, Transformers: El lado oscuro de la luna, Piratas del Caribe: En mareas misteriosas o Misión: imposible Protocolo fantasma.   A las que se suman películas más variadas pero visualmente arroladoras como La invención de Hugo, Sherlock Holmes: Juego de sombras, Super 8, Sucker punch e incluso el drama El árbol de la vida. El próximo mes de enero la lista se quedará en diez semifinalistas y los miembros de la Academia tendrán que visionar diez minutos de cada una de las películas para decidir sus votos, con los que se obtendrán los 5 nominados en esta categoría en el marco de la 84ª edición de los premios. Las nominaciones serán anunciadas, en directo, el martes 24 de enero de 2012.

Planta 13 selecciona sus favoritas entre las que ya hemos podido ver.

Por el desparrame visual en pantalla y el espectacular resultado en 3D, Transformers 3.

Por la expresividad conseguida con la captura de movimientos, El origen del Planeta de los Simios.

Espectacular trailer de [REC]3: Génesis

Lo habían prometido. Y aquí está. El trailer de [REC]3: Génesis. Con decenas de infectados vomitando sangre entre los invitados de una boda. Leticia Dolera, motosierra en mano, se lanza a la caza de zombis para delirio de los fans del género y la saga de terror española por excelencia. En Sitges, durante la presentación de Mientras Duermes, pudimos ver este avance entre los vítores de los aficionados. 

RTVE.es ofrece en primicia el tráiler de [Rec]3:Génesis, la nueva película de la franquicia más rentable y exitosa del terror nacional y una de las películas más esperadas de 2012 tras el éxito de las dos primeras partes en todo el mundo (Juntas recaudaron más de 35 millones de euros). Una saga que ha ganado numerosos premios internacionales y dos Goyas, a mejor actriz revelación (Manuela Velasco) y montaje, en 2007. Además Hollywood ha rodado su propia versión, Quarantine, que también cosechó un gran éxito y ya ha estrenado su segunda entrega, que nada tiene que ver ya con la saga española. En esta ocasión, Paco Plaza dirige en solitario y ha coescrito el guión con Luiso Berdejo (La otra hija) y cuenta con un excepcional reparto encabezado por Leticia Dolera (Circuit) y Diego Martín (Amigos). 

El primer Teaser-tráiler, estrenado por RTVE.es fue todo un éxito en internet (100.000 reproducciones en un fin de semana, actualmente lleva acumuladas casi 400.000, trending topic en twitter…) Y ahorase espera una respuesta similar con este avance, muy bien lanzado por la gente de Filmax días antes de que los esperados avances de The dark knight Rises y El Hobbit revolucionen el fin de semana.

Tras la sensación de claustrofobia experimentada en las dos primeras entregas de [REC], la acción transcurre ahora a kilómetros de distancia de la ubicación original y en parte, a plena luz del día, características que dotan a la película de una renovada e inquietante realidad. La infección ha salido del edificio. Con esta nueva entrega, el director Paco Plaza bombea sangre nueva para llevar, una vez más, a los espectadores al límite de sus sensaciones. Esta tercera parte, cargada de más acción y más humor, nos llevará de vuelta a la esencia de la primera película. [Rec]3 Génesis llegará a las pantallas de toda España el próximo 30 de marzo de 2012, día a marcar en el calendario con una cruz rojo sangre por todos aquellos que sufrieron y disfrutaron con el original y su primera secuela. Y más allá de su desembarco en las carteleras, no conviene olvidar que en un futuro no muy lejano los infectados atacarán de nuevo en [Rec] 4 Apocalipsis, que dirigirá el otro responsable de la franquicia, Jaume Balagueró.

Pinchad en la imágen de abajo para ir a verlo. 

Edgar Allan Poe y George Corman

Para los amantes del género de terror, uno de los directores y productores más importantes siempre ha sido (y es) George Corman. Desde su inicio en el mundo cinematográfico en 1955 con Las mujeres del Pantano (aunque antes había trabajado como mensajero de la Fox) su obra se caracterizó por una inclinación hacia el cine de terror y ciencia ficción. Aunque si hay que hablar de las principales características de Corman tenemos que mencionar dos peculiaridades: casi todas sus películas fueron de bajo presupuesto y la mayoría fueron rodadas en menos de una semana. Hoy os lo traemos a Planta13 para hablaros de una parte de su filmografía muy interesante: una serie de películas basadas en adaptaciones (bastante libres) de obras de Edgar Allan Poe.

La relación de Corman con Poe comenzó en 1960 con El hundimiento de la casa Usher en la que ya aparecía el que sería su actor fetiche en esta serie: Vicent Price. Este título pertenece a la parte más oscura de la obra de Poe y seguramente sea la más fiel de todas las adaptaciones que Corman hizo. En esta y en su segunda adaptación El péndulo de la muerte (1961) ya se sentaron las bases de lo que sería su innovadora forma de crear el ambiente de terror gótico alejándose de la tendencia del momento basada en el horror de los monstruos. En las películas de Corman el verdadero “monstruo” era el propio individuo con su enfermiza obsesión por la muerte y la enfermedad que en muchos casos les llevaba a la locura. 

El director creó un ambiente continuo en toda la serie llenando los escenarios de una perturbadora y espesa niebla que en ocasiones servía para disimular la escasez de decorado. Así mismo también supo dar la importancia debida a los objetos y rincones de sus terroríficas casas haciendo que se llenasen de significado en el relato y utilizó el color como uno de sus principales elementos expresivos. En sus siguientes dos adaptaciones La obsesión (basado en “El entierro prematuro”) e Historias de terror, ambas del sesenta y dos, siguió trabajando en base a una de las constantes de la obra de Poe, la muerte. En la primera abordando el tema de la catalepsia (muerte aparente) y, en el segundo, combinando varios relatos de Poe, los entierros y la obsesión de su protagonista de que la responsable de la muerte de su mujer es su propia hija. 

A partir de esta última película, el director se fue alejando cada vez más de Poe, reinterpretándola a su manera aunque conservando las principales características de sus personajes. Este progresivo alejamiento hizo que sus filmes parecieran más una parodia del propio relato que no una historia de terror. Quizás donde más se aprecie esto sea en El cuervo (1963) que ha sido considerada prácticamente una comedia paródica. El ciclo se completa con La máscara de la muerte roja (1964) y La tumba de Ligeia (1965). 

Indiferentemente de que se sea un amante de Edgar Allan Poe, de Corman o del cine de terror, estas películas se hacen indispensables. Aunque todo ha de decirse; los iniciados en la literatura de Poe puede que tengan más de una discrepancia o decepción ya que la mayoría de las películas se alejan considerablemente de lo que la mayoría de los lectores hayan podido crear en su imaginario. Aún así, el prestigioso Corman (al cual le concedieron el Oscar honorífico en 2009) siempre será merecedor de nuestro tiempo. Sin él, directores tan importantes como Coppola, Scorsese, Ron Howard o James Cameron no serían lo que hoy son y actores de la talla de Jack Nicholson, Robert De Niro, Peter Fonda o Denis Hopper entre otros no habrían tenido una oportunidad en el cine. 

Para los que esto les haya abierto ligeramente el apetito de ver la obra de Corman, este mismo año se ha realizado un documental sobre su vida y su trabajo dirigido por Alex Stapleton y en el que aparecen los ya mencionados Nicholson, De Niro, Scorsese y Fonda entre muchos otros. Os dejo con imágenes del mismo, Corman’s world: Exploids of a Hollywood rebel (2011) que prevé estrenarse este mes de diciembre. 

Domingo en serie: acción en el horizonte de los muertos

POSIBLES SPOILERS

The Walking Dead regresará con la continuación de su segunda temporada el próximo doce de Febrero con menos palabras y más acción. O eso es lo que prometen. 

Tras el éxtio de la serie, que arrasó con este final de la primera mitad con una audiencia de 6,6 millones (de los que 4,5 eran espectadores de entre 18 y 49 años), se espera mucha más acción para su regreso en Febrero. Y la culpa la va a tener el enfrentamiento entre Hershel y algunos de los protagonistas, especialmente Shane. Para complicar más aun la situación tras el demoledor capítulo emitido la semana pasada, la situación desembocará también en enfretamientos internos dentro del grupo principal de supervivientes. Precisamente en los videos que ya se han adelantado vemos a Shane buscando respuestas del porqué Sofía estaba en el pajar, algo que Hershel no sabe. Tras los últimos sucesos, la tensión va a estallar entre los supervivientes. 

Trailer de Battleship, con Rihanna pegando tiros a mansalva

Si alguien me dice que Michael Bay ha rodado en secreto Transformers 4, ha puesto a Rihanna a pegar tiros frente a naves alienígenas emergentes del mar y le ha puesto el título de Battleship, me lo creería.

Pero no. A pesar de las apariencias, la película no está dirigida por el creador de la saga de los robots gigantes. El director tras las cámaras de Battleship es Peter Berg, que ya se manejó bastante bien con efectos especiales a cascoporro en Hancock. Ahora, de la mano de Hasbro (de ahi el parecido con Transformers, suponemos), han preparado Battleship, una película que aspira a blockbuster de 2012 y que cuenta con muchas papeletas para hacer dinero y gustar al público. Al fin y al cabo, la idea de máquinas dándose leñe unas a otras funciona pongas los personajes que pongas. Las explosiones, los cuerpos de escándalo que pueblan la pantalla, los edificos desplomándose, las naves espaciales, los helicópteros partiéndose en dos... En fin, un espectáculo palomitero que a buen seguro sacará tajada en la taquilla.

Secuencia inicial de The Divide

Durante un cataclismo en Nueva York, ocho personas que viven en un mismo edificio corren a refugiarse en el sótano. Sin embargo, cuando parece que lo peor ha pasado, un grupo de hombres que viste trajes Hazmat entra en el lugar por la fuerza, provocando un sangriento enfrentamiento en el que quedarán finalmente atrapados en ese lugar. Sin suficientes víveres y aislados por completo,  la claustrofobia y locura no tardarán en invadirles y se convertirarán en depredadores los unos de los otros. 

Durante el festival de Sitges se pudo ver esta película sin cortes, demostrando que el público del festival tiene estómago para secuencias duras y que la violencia cinematográfica no es un problema para ellos. Con una planificación que aprovecha cada rincón del decorado, Xavier Gens, el director, consigue crear una narración in crescendo hasta una parte final desmadrada en la que vivimos paso a paso la desintegración humana que viven los personajes.

Echad un vistazo a la secuencia de inicio del filme, donde Xavier Gens ya demuestra tener ojo con la planificación. 

Entrevista exclusiva con Joe Cornish, Attack the block

La sinopsis oficial de Attack the block dice que se trata de una divertida y aterradora película de aventuras que enfrenta a una banda de adolescentes contra una invasión de salvajes alienígenas, convirtiendo una zona marginal de Londres en una zona de peligrosos juegos de ciencia ficción. De la noche a la mañana, un bloque de pisos se convierte en una fortaleza sitiada y un grupo de adolescentes de la calle en héroes. La guerra entre los bajos fondos y el espacio exterior ha comenzado… 

Tras los múltiples premios recibidos en el festival de Sitges, llega a España la cinta de ciencia ficción de la temporada. Haced click aquí para recuperar lso comentarios sobre la película que hizo nuestra corresponsal en Sitges.

JOE CORNISH

Hasta ahora era conocido por ser uno de los miembros del dúo cómico británico Adán y Joe. Además de escribir y dirigir Attack The Block, recientemente ha co-escrito The Astonishing Ant Man con Edgar Wright para Marvel Studios, y Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, de Steven Spielberg, para Dreamworks, junto con Wright y Moffat Steven. Apareció por primera vez en la televisión británica en 1997 como co-protagonista y co-creador de The Adam and Joe Show, comedia famosa por sus sketches, canciones y animaciones satirizando la cultura pop. Aclamada por la crítica, durante sus cuatro años en antena, se convirtió en una serie de culto y en 1998 ganó el premio a la Mejor Serie de la Royal Television Society. El éxito de The Adam and Joe Show dio lugar a un spin-off en Channel 4 y en la BBC.  Joe también ha trabajado de director de shows cómicos (Modern Toss y Blunder) para Channel 4, como guionista de Big Train BBC2, y como presentador de BBC 2 y BBC Radio 4. Joe compagina una exitosa carrera en la radio con Adam con sus trabajos en cine. En 2003 el dúo tomó el relevo de Ricky Gervais en la emisora XFM, generando una popular serie de podcasts. En 2007 se trasladaron a la BBC 6music, donde su matinal de los sábados fue galardonado con el Broadcasting Press Guild Award como Mejor Programa de Radio del Año (2008), tres Sony Awards de Plata (2009), y otro Sony Award de Oro como la Mejor Comedia Radiofónica de 2010. 

The Yellow Sea: espectacular cara a cara entre fronteras

The Yellow Sea, dirigida por Hong-jin Na , es un thriller muy del gusto del público de Sitges, donde pudimos verla entre aplausos hace unos meses. La historia nos traslada a la ciudad de Yanji, entre Corea del Norte, China y Rusia, donde la mitad de la población vive de actividades ilegales. Un taxista llamado Gu-nam (HA Jung-woo) debe pagar la deuda que contrajo con la mafia que permitió a su mujer viajar a Corea del Sur en busca de una vida mejor. Consciente que deberá trabajar durante años para recuperar el dinero, su única solución pasa por aceptar el peligroso trato que le propone el jefe mafioso MYUN (KIM Yun-seok): cruzar la frontera de Corea del Sur para asesinar a una persona. No obstante, lo que parecía un plan sencillo pronto se complicará hasta límites inesperados.

Cuando el filme decide arrancar con la acción uno no puede por menos que aplaudir, como así hizo la platea del Auditori en Sitges.  Buen ejemplo es la persecución de coches, con un ritmo y una planificacion que ya quisiera entender Michael Bay para su saga Transformes. Los arranques de violencia y sangre en las peleas y coreografías también levantaron los aplausos del público del festival y de la crítica mundial, a tenor de las excelantes calificaciones que el filme está recibiendo por todo el mundo. Y es que está claro, la cinematografía oriental muestra algunos de los mejores thrillers de acción del mundo.

Buen thriller cargado de acción que llegará a los cines españoles la primera semana de Enero, para empezar el 2012 con energía.

¡Por fin! The cabin in the woods estrena trailer

Hace apenas unos días comentábamos los rumores y detalles sobre el primer largometraje de Drew Goddard (Monstruoso), producido por Joss Wedon. La información acompañaba al lanzamiento del último poster del filme y parece que la campaña de promoción por parte de Lionsgate, distribuidora, no ha hecho más que comenzar, porque acaban de lanzar el primer trailer del filme.

Para algunos, quiza los más alérgicos a los spoliers, el avance puede revelar demasiado, aunque creo que sería difícil vender la película sin revelar ciertas sorpresas. Con un par de imágenes, entre ellas el juego de espejos o el vuelo del águila, se meten al espectador en el bolsillo. Al menos al aficionado al cine de género. Pero no adelantemos acontecimientos, porque al principio, todo suena demasiado familiar...

Un grupo de jóvenes deciden pasar unos días en una cabaña alejada de toda civilización. (Tópico número uno en el manual del cine terror). Una cabaña que no sale en los GPS, donde no hay cobertura de móviles y a la que, por supuesto, se accede a través de un camino solitario y bello pero con gasolineras malrolleras (tópicos dos y tres). Al llegar, queda claro que lo único que buscan son unos días de desmadre y diversión, sexo y alcohol mediante (Tópico número cuatro). Sólo para descubrir que un campo de fuerza de alta tecnología les mantendrá encerrados sin poder salir. (Tópico numero... Espera ¿Qué?).

Y ahi es donde el trailer se desmadra y te deja con ganas de ver la película. Porque el campo de fuerza no es la única sorpresa que guarda la cabaña. Hasta se perfilan ciertos toques de humor que funcionan a la perfección dentro de lo que promete ser un divertimento en toda regla para los aficionados. Desde luego tiene todos los ingredientes para funcionar, aunque habrá que ver si lo consigue. Por ahora, la fecha de estreno, en abril de 2012, tras la temporada de premios y justo antes del arranque de los blockbusters del verano, es perfecta para sacar tajada en la taquilla. 

Sensacine y The Artist: la mejor combinación

El pasado jueves tuve el placer de asistir al Community Day de Sensacine en el que la conocida web invita a sus blogs colaboradores a una estupenda velada que incluye un pase especial para ver una película, disfrutar de una cena y tomar una copa mientras participas en un emocionante juego. 

A eso de las ocho de la tarde, Sensacine nos citó a todos los bloggers enfrente de los cines Renoir de la Plaza de los Cubos de Madrid. Nada más llegar vi a algunas personas que ya me sonaban de anteriores pases privados de los que Sensacine organiza para darnos el privilegio de ver películas antes que nadie. Entre ellos figuraban miembros de blogs como De Fan a Fan, Galax Pictures, Cinedanía, Historias de cine, Va de Cine o Cineralia entre muchos otros. Esta vez el pase era para The Artist, una de las películas más destacadas del año que ya ha arrasado en festivales como el de Sevilla o el de San Sebastián (llevándose en ambos el Premio del Público), en Cannes (donde consiguió el premio a Mejor Actor) y que es una de las favoritas de cara a los Oscar.

Tras la película y sin poder dejar de hablar sobre ella, nos dirigimos hacía la Gran Vía de Madrid para disfrutar de una cena en Los 40 café. No podía ser de otra forma, el cine fue el tema por excelencia durante toda la cena. Tras ella, Sensacine había organizado un divertido juego de preguntas sobre cine y series en el que competíamos por equipos organizados de unas 6 personas. Aprovecho para decir que nuestro equipo quedó en segunda posición (que en vista de la gran competencia ¡no está nada mal!) y sobre todo para agradecer a todo el equipo de Sensacine por su maravillosa organización y amabilidad al invitarnos a esta fantástica velada y tratarnos tan bien como siempre; y cómo no, también al resto de asistentes por hacerla aún más especial. 

Respecto a The Artist mucho se podría decir. Al principio cuando te dicen que es una película totalmente muda (salvo por una pequeña excepción debidamente justificada) sobre la llegada del cine sonoro, no sabes si va a ser una genialidad o una total locura. Pero al verla, cualquier duda se disipa: nos encontramos ante una obra maestra y posiblemente una de las mejores películas del año. Parece increíble que Hazanavicius escribiera el guión en cuatro meses y rodara la película en tan sólo treinta y cinco días obteniendo como resultado final una obra de excelente calidad visual y narrativa donde no faltan los detalles.

El argumento, siguiendo las líneas clásicas de los cuentos de amor, nos relata la historia de George Valentín, una gran estrella del cine mudo, y de Peppy Miller, una joven admiradora que trabaja como extra. Con la llegada del sonoro, la carrera de George comienza un descenso apoteósico al no saber adaptarse a la nueva tendencia; mientras que Peppy aprende a aprovechar las oportunidades hasta convertirse en la actriz de moda del momento. 

A pesar de no ser un argumento del todo original que ya se ha visto en otros filmes como Cantando bajo la lluvia; la película supone toda una innovación (por irónico que esto parezca). El ejercicio narrativo al puro estilo de los años veinte con un relato perfectamente construido hace que prescindir de los diálogos no sea un problema. Para un público que no está acostumbrado a ver cine mudo, no supondrá un esfuerzo meterse dentro de una historia donde la fuerza visual de los actores aporta un brillo especial que se remata con puntos cómicos en los que nadie se resistirá a soltar una carcajada. Como el mismo Hazanavicius dice: “es cine de emociones y de sensaciones. En esta película, el hecho de no tener un texto para contar la historia implica que solo podía trabajar con los sentimientos que había creado.”

Técnicamente es sorprendente como se ha llegado a una reconstrucción casi perfecta de lo que es una película muda de finales de la década de los veinte. Detalles como la relación de aspecto, la iluminación, ensuciar la película para darle más realismo o el hecho de que se haya prescindido totalmente del color hacen que te sientas como un espectador de la época a la vez que descubres cómo se sintieron algunos de los actores ante una de las revoluciones más importantes del cine. Otro de los ingredientes esenciales son sin duda alguna los protagonistas. Los actores principales, Jean Dujardin y Bérénice Bejo, prácticamente desconocidos internacionalmente (a pesar de ser conocidos en Francia) hacen un trabajo magistral recreando la característica forma de actuación de los actores de la época; especialmente con el lenguaje corporal y las expresiones faciales. 

En definitiva, desde Planta13 y a pesar de no ser un tipo de película del que solemos hablar por aquí, no os podemos dejar de recomendar The Artist. Una obra inigualable, totalmente distinta a cualquier otra cosa que hoy en día se esté haciendo y  que seguramente será una de las películas del año. No os la podéis perder.

The Artist