Pasando miedo

Una de cal, otra de arena

Este es el sugerente poster de la nueva película de David S. Goyer. Los de márketing saben cómo llegar al público. El cine de terror es consumido mayoritariamente por hombres jóvenes (si se me permite la generalización), por lo que la imagen de una mujer con esa "ropa" en el poster promocional de una película de terror asegura lla atención de su público objetivo. Pocos se dan cuenta de que en el espejo está reflejada la imagen de un siniestro niño, porque los ojos del espectador se van al cuerpo de la chica, Odette Yustman, actriz a la que vimos hace poco en Cloverfield.

The unborn, el título de este nuevo proyecto de David S.Goyer, lanzó ya hace tiempo su campaña de promoción con el primer avance. Si bien el montaje del trailer conseguía cierta intriga, no hay que olvidar quién está detrás del filme: David S. Goyer, escritor de títulos tan dispares como Batman begins, Dark City o Jumper. Como director tiene en su haber la (olviable) tercera parte de Blade, aunque figura como escritor de las dos (y mas interesantes) entregas del vampiro interpretado por Wesley Snipes. Incluso se ha anunciado que Goyer estará detrás de las cámaras en X-Men Origins: Magneto. Por ahora, tendrá que demostrar que este trailer de su nuevo proyecto de terror, The Unborn, no engaña y se trata de un filme tenso y capaz de meter miedo.

Trailer the unborn
by masalladeorion

Este avance promete emociones fuertes y mal rollo. De eso no cabe duda. Habrá que ver si Goyer consigue una buena película de terror porque, como se aprecia al revisar sus créditos de escritor y director, Goyer suele dar una de cal y otra de arena.

Vivir como hombres, vivir como animales

¿Cuantas veces nos hemos preguntado hasta dónde puede llegar la crueldad del ser humano? ¿Cúanto daño se han causado mutuamente los hombres? ¿Somos conscientes de lo que tenemos ante nuestros ojos o estamos ciegos mirando sin ver?

Las preguntas que asaltan al lector de Ensayo sobre la ceguera, imprescindible novela de José Saramago bucean en las profundiades de la suciedad humana, en lo más profundo de ese ser vivo llamado "hombre" que dice ser racional pero en cuyo fondo es tan animal como cualquier otro. "Ensayo sobre la ceguera" es un relato apasioannte, desagradable e imparable. Es un relato que conmueve y obliga a reflexionar. Que engancha y aterra. Porque, lo hemos dicho mil veces, lo más aterrador que existe en el mundo es la crueldad de la que es capaz el ser humano.

Saramago narra en su novela una inexplicable epidemia por la que todo el mundo empieza a quedarse ciego. Pero no se trata no de una ceguera al uso, si no que es blanca, como la leche. Para hacerla más extraña, saramago nos cuenta que la enfermedad se contagia a todo aquel que esté cerca de un infectado (sí, como los zombies). Todos los ciegos son encerrados en un antiguo asilo, abandonados a su suerte por el miedo del ejército a propagar más el contagio. Encerrados, en cuarentena, con escasez de alimentos y enfrentándose a un mundo sin vista, sin orden, sin reglas, sin control. ¿Qué le ocurre al ser huamano en esas circustancias?

Esta y otras preguntas más profundas formuladas por Saramago en la novela las intenta trasladar a la pantalla Fernando Meirelles con Blindness, una película que ya se ha podido ver en algunas partes del mundo pero que aun está pendiente de estreno en España. Si bien las criticas no han resultado del todo favorables, la verdad es que puede tratarse de una de las propuestas más interesantes de la cartelera actual. Es cierto que la película parece cortada a trompicones y que, por momentos, las cosas parecen pasar "porque sí". Y es que la película, vista por un ojo "virgen" e incosciente de la novela de Saramago, puede carecer de lógica o de un hilo argumental sólido.

Sin embargo, con la novela en la memoria, la película es una experiencia que completa lo vivido con la narración escrita, trasladando los sentimientos de la novela a una puesta en escena más que acertada. El uso de una fotografía a ratos deslumbrante y blanca para imitar la ceguera "bañada en leche"; los planos "descuadrados" que incomodan al espectador, los desenfoques apropiados y el uso del fuera de campo para no ver pero sí saber lo que está pasando... Toda esta labor de puesta en escena es la que le da valor a un filme que, en cuestión de guión y narratividad, flojea.

En consecuencia a todo ello, el buen trabajo de Meirelles con parte de la puesta en escena queda desmerecido por un guión que no termina de aclarar las cosas pero que sirve para replantearse las preguntas lanzadas por Saramago. Cuando leía la novela, recuerdo mis gestos al leer ciertos pasajes, el malestar que debaja en el cuerpo lo que leía y cómo se creaba eso en mi imaginación. Las reacciones en el cine donde vi Blindness eran las mismas que las que yo tenía con la novela: rosotros de incomodidad, algún resoplido para aliviar tensión ante lo que ocurria en pantalla...


La película, a caballo entre el cine de catastrofes, el género post-apocaliptico de Hijos de los hombres o el terror de los zombies, se pfrece momentos de reflexión ante lo que somos como seres humanos. Ante la apatía de una sociedad falsa y egoista, cruel cuando la situación es desesperada, trastornada cuando el orden queda trastocado. Es algo que este año ya mostró The Mist y que ahora nos recuerda, de forma más filosófica, profunda y poética, Blindness. una obra sobre lo ciegos que estamos los hombres que creemos ver con perfección. Porque a veces no hay que ver con los ojos, si no con el corazón.

"En el caso en examen parece haber tenido una influencia decisiva la acción pedagógica de la ciega del fondo de la sala, que dijo hasta la saciedad, Si no somos capaces de vivir enteramente como personas, hagamos lo posible para no vivir enteramente como animales, y, tantas veces lo repitió que el resto de la sala acabó por convertir la máxima, en sentencia, en doctrina, en regla de vida”.

Déjame entrar

Atravesar el umbral de una puerta no parece peligroso. ¿Cúantas veces lo hacemos cada día? ¿Qué puede haber de extraño en ello? Bueno. Como decía el protagonista de V de Vendetta, "nada es seguro y todo es posible", pero si alguien se para frente a la puerta de tu casa y pide que le dejas pasar, es que algo raro está pasando.

Es lo que hizo Eli cuando Oskar abrió la puerta de su casa. También cuando se coló por la ventana; y la noche que durmieron abrazos en silencio, cuando sentían la mutua soledad de sus latidos. Eli necesitaba oirlo. La jovencita esperó a que le dieran permiso para entrar. Descalza, en una noche nevada, con ese extraño olor en su ropa y la dulzura de su rostro; con la melancólica mirada de quien siente y oculta; con la necesidad de que le dieran permiso para acceder a la habitación.

"Dejame entrar", dijo ella, pero... ¿Por qué?

Let_the_right_one_in_Red Band Trailer
by DrMalo

"Los vampiros no existen.Todo el mundo lo sabe"

Regresar a la Planta 13 para encontrarte a la española Leticia Dolera en plena transformación vampírica en la bañera es una sorpresa. El artífice de que a la jovencita de Al salir de clase le salgan colmillos es Paco Plaza. El director de REC se apunta a un bombardeo y ha participado en Teaserland, un estimulante proyecto en la red que está preparando un Festival de trailers falsos. El concepto es sencillo: si tienes una idea y una cámara, rueda tu trailer, pues el ganador podrá realizar un corto.

Para darle más publicidad al festival, los organizadores han invitado a Juan Antonio Bayona, Paco Plaza o Isabel Coixet para que rueden sus propios trailers falsos. Ahi es donde entran Leticia Dolera, Paco Plaza y Maldito Viernes, el título de la supuesta película de Paco Plaza. El propio director ha explicado a la prensa en Sitges que siempre ha deseado hacer un filme sobre vampiros en blanco y negro, pero que diversos problemas (entre ellos, presupuesto) nunca le habían permitido rodarla. Con este trailer el director se quita una espinita y rueda un auténtico teaser, de esos que enganchan. Tan sólo con un travelling a través de un pasillo, una misteriosa voz en off y una fotografía en blanco y negro perfecta, Plaza intriga al espectador. El entusiasmo del director es tal que ya ha avanzado en su blog que está planenando rodar un nuevo trailer, dejando caer a los productores la idea de hacerla realidad.

Por su parte, el codirector de REC, Jaume Balagueró, fue el primero en lanzar su falso avance, sorprendiendo con la idea de El Exorcista V, en la que aprovechan el mismo edificio de REC como localización. Quizá menos original, quizá más clásico, pero también muy estimulante para los que sueñan con dirigir una película: si juntas a unos cuantos amigos, una buena idea y una cámara, puedes hacer creer al mundo que vas a estrenar la quinta entrega de El Exorcista.

En la web oficial del festival podeis ir viendo los trailers falsos de otros directores (evidentemente, no todos de terror). De regalo, el making of de Maldito Viernes, por la propia Leticia Dolera.

Vuelve el hombre lobo

Ahora que Benicio del Toro está promocionando la película en la que interpreta al Ché, la Planta 13 se abre a las maravillas de internet para ofrecer el trailer de la próxima película del actor, una nueva versión de el hombre lobo. A tenor del avance que está colgado en Daily Motion, puede convertirse en uno de los títulos de género del año. Genial la ambientación, y con tres actores como Anthony Hopkins, Hugo Weaving y el propio del Toro, secundados por Geraldine Chaplin y Emily Blunt. La dirección, a cargo de Joe Jhonston. Por cierto, el trailer está grabado de su proyección en la Comic Con de San Diego y lo han eliminado de varios servidores, así que disfrutadlo, si no lo habeis hecho ya, porque merece la pena.

Wolfman Comic Con
by DrMalo

"Por qué te muerdes las uñas?"

Atención al siguiente corto que se incluirá en la edición francesa en DVD de {REC}. Por desgracia, sin subtitulos, pero el final tiene la suficiente fuerza como para impactar sin entender lo que se habla antes. El propio Paco Plaza lo ha colgado en su blog. La pregunta del título de este post, "¿Por qué te muerdes las uñas?", se la hacen al protagonista del corto. ¿La respuesta? "Es difícil de explicar"...

Samara returns

Hay una cinta, que si la ves, te mata a los siete días. Esta era la sencilla premisa inicial de Ringu (El círculo) una película japonesa que revolucionó el cine asiático y fue el inicio de una desmedida avalancha de filmes de terror asiáticos por todo el mundo. Bien es sabido que el polifacético Gore Verbinski (quien, tras años de pirateo con Jhonny Deep ha anunciado ya su nuevo proyecto) dirigió el inevitable remake americano bajo el título de The Ring. El éxito fue notable, gracias a una trama un tanto más adulta de lo habitual para el género de terror y también, por supuesto, gracias a la gran labor de Naomi Watts, ese portento de actriz que aúna belleza e interpretación como pocas actrices consiguen hoy en día. La película fue un éxito mundial (con un presupuesto estimado de 50 millones consiguió cerca de 250 en su recorrido por salas comerciales), por lo que la secuela no se hizo esperar. Para esta segunda película, el director escogido fue quien dirigiera la original japonesa, es decir, Hideo Nakata. Sin embargo, salvo un par de secuencias (impactante la de la bañera) y la interpretación, una vez más, de Naomi Watts, la película no daba para mucho (aun así, terminó recaudando 161 millones en todo el mundo).

Quizá por ello, la pesadilla de los protagonistas de la saga, Samara, volverá a salir del pozo en la tercera entrega de The Ring. Aunque más correcto sería decir que entrará por primera vez, puesto que la película narrará la historia de la joven y de cómo llegó a crearse la famosa cinta de video. Es algo un tanto extraño, porque entre las dos películas ya se contaron esos hechos, por lo que esta vuelta a los orígenes parece un poco fuera de lugar. Y es que la crisis de ideas en Hollywood aun continúa (a pesar de genialidades como WALL-E). Pero da igual, porque los que ponen la pasta para hacer películas quieren hacer otra más de The Ring. Sin embargo, en el reparto ya aparece David Dorfman (sí, el hijo de Naomi Watts en las dos primeras películas, no le veo mucho sentido, pero bueno). Junto a él, Brianna Tatiana (nuevo personaje a la trama), pero ni rastro de Naomi Watts, al menos, de momento. Por cierto, que parece mentira que una preciosidad como Kelly Stables, que luce esta carita de angel, sea quien interprete a Samara. En fin, cuidadito con ella, que siempre espera nuevas víctimas para ahogar en el pozo.

Reflejo Sangriento

Las películas de miedo son previsibles. Al menos, a poco que tengas conciencia fílmica. Sabes que los espejos de los cuartos de baño son muy traicioneros (que se lo digan a Michelle Pfeiffer en Lo que la verdad esconde); sabes que las bañeras son peligrosas (Slither) y que los niños pequeños casi siempre dan mal rollo (la lista incluye muchas de las películas asiaticas como The Eye, The Ring o The Grudge). Y es que los cuartos de baño, los espejos y los niños son elementos recurrentes en el cine de terror, elementos que por otra parte, el director Alexander Ajá remezcla en una historia que promete sustos y gore entre espejos, con un niño dando mal rollo y una secuencia mítica en una bañera.

Se trata de Mirrors (Reflejos, en la traducción española), su siguiente pelicula tras Alta Tensión y el remake de Las Colinas Tienen Ojos. Recientemente se ha anunciado que este filme será el encargado de abrir el próximo Festival de Stiges, uno de los más famosos y prestigiosos certámenes sobre cine fantastico y de terror. En la película, que promete misterios, terror y, sobre todo, mucha sangre, el protagonista será Kiefer Sutherland, un ex policía encargado de investigar una serie de extrañas muertes. Al mismo tiempo, algo está invadiendo su hogar, unas fuerzas oscuras que se manifiestan a través de los espejos y que reflejan el mal puro, el lado más salvaje, sangriento y aterrador del ser humano. Junto al televisivo protagonsita de 24, estará Paula Patton, que en 2006 tuvo un Déjà Vu con Denzel Washington. Y acompañando a los dos, Amy Smart, que protagoniza "la escena más memorable de la pelicula", según palabras del propio director. Se trata de la atractiva rubia desnudandose para darse un apacible baño. Sin embargo, todo espectador sabe ya que las bañeras en el cine de terror son un auténtico peligro y, en este caso, el agua se va a teñir de rojo. Precisamente hace unas semanas se publicó una foto que muestra la brutalidad de esa secuencia. Aviso para navegantes, la imagen es un tanto desagradable y revela la muerte de un personaje. Si estás acostumbrado al gore, adelante.

Y por último, no conviene olvidar la presencia de uno de esos "niños-que-dan-mal-rollo". En esta película el encargado de arañar los nervios del espectador será el debutante Michael Carson, quien ya ha demostrado en los avances del filme que protagonizará algunos de los momentos más inquietantes. Como muestra, su reflejo paralizado en el espejo, sus diálogos en solitario o su "desaparición" al zambullirse en un charco de agua dentro de casa.

Bajo el título de "Reflejos" será estrenada esta nueva película que pretende ser una de las producciones más potentes del cine de terror en lo que queda de año. Tan sólo hace falta ver el Red Band Trailer publicado en internet este verano. Como la mayoria de los lectores sabrán, un trailer Red Band es la versión "para mayores", sin cortes, de un trailer exhibido en cines. Así, consigue llamar más la atención de los fans del gore, la violencia, el sexo o la sangre, puesto que éstos son los contenidos que habitualmente se "rebajan" para que los avances puedan ser exhibidos en todas las salas de cine. Como ejemplo, aqui teneis el Red Band Trailer de Reflejos (Mirrors). Por cierto, al igual que ocurría con la foto de antes, en este trailer se ve parte de la "memorable" secuencia de la bañera, así que ojito si sois sensibles a la sangre.

Pdt: A partir del primer viernes de septiembre podreis leer un articulo más detallado sobre esta película en la sección RATED R de Cookies on the Net, en la sección de enlaces de este mismo blog.

Parecidos ¿razonables?

De vez en cuando uno se encuentra con este tipo de "casualidades" en el mundo de los poster de películas, series, etc. Pero no deja de resultar sorprendente el parecido más que evidente entre estas dos imágenes. A la izquierda, el primer teaser poster de Jennifer´s body, la primera película protagonizada por Megan fox, que cuenta con un guión original de Diablo Cody.

A la derecha, el poster de True Blood, la nueva serie de Alan Ball sobre la convivencia pacífica de vampiros y humanos en la sociedad y que llegará a las pantallas americanas el próximo mes de Septiembre.

Cualquiera que tenga ojos podrá apreciar el ¿razonable? parecido entre ambos. ¿Guiño? ¿Copia? El debate está servido...

Gritos para la "muchachada"

Las reglas son sencillas:

1) No se puede practicar sexo. Si lo haces, estás muerto.

2) No se puede consumir alcohol ni drogas.

3) No se debe decir "ahora vuelvo" porque no volverás.

Tres reglas; un juego de metalenguaje; una parodia; un giro para el cine de terror. Cuando en 1994 el director Wes Craven presentaba en cines su nuevo proyecto, pocos se imaginaban la reacción del público. El director, famoso creador de Freddy Krueger, presentó lo que para él era, en un principio, una "parodia" del cine de terror. Su intención inicial era la de poner las reglas del juego sobre la mesa, desmitificar el cine de terror a través de la explotación de los clichés más típicos del género. Sin embargo, creó una saga que, sin pretenderlo, fue un revulsivo para el entonces maltrecho género de terror. Lo consiguió con Scream, una película en la que la conocida Drew Barrimore moría asesinada en la primera secuencia.

Ahora, cuando parecía que la saga habia muerto por fin en la tercera entrega, la productora Weinstein Co. ha hecho público el lanzamiento para el próximo año de Scream 4. Por ahora, se desconocen más datos, aunque es de suponer que tanto Neve Campbell como la ex-friend Courtney Cox, repitan en sus papeles protagonistas. Tampoco se sabe nada del director de la trilogía, Wes Craven, aunque en Febrero de 2007 comentó la posibilidad de volver a dirigir una entrega de la saga que, todo sea dicho, no se ha caracterizado por su orginalidad. Miedo, lo que se dice miedo, tampoco provocaba. Podia conseguir el típico "susto" de imagen amplificado por el sonido, uno de esos botes en la butaca que pegas porque te suben unos cuantos decibelios la música. Eso era todo. Al menos para una mente adulta o con cierta cultura de auténtico cine de terror. Sin embargo, las adolescentes fueron en masa a los cines, provocaron el griterío en las salas y convirtieron los cines en una especie de fiesta con refrescos, palomitas, parejas dandose el lote y jovencitos sufriendo en la butaca. Quizá por ello el guión de la segunda parte se inicia con un cine repleto de jóvenes viendo la película de lo que les sucedió a los protagonsitas de la primera entrega.

La tercera parte viajaba a Hollywood, en la que ha sido considerada por muchos como la decandencia de la serie. Sin embargo, aun conseguía arrancar los berridos de las quinceañeras de medio mundo. El próximo año llegará la cuarta entrega, en la que Craven volverá a hacer de las suyas, intentando relanzar una franquicia casi extinta o, como ya se ha hecho con Indiana Jones o La jungla de Cristal, devolver a las pantallas a personajes conocidos por el público para pasar un buen rato en los cines (mientras cuentan todo el dinero embolsado). Y es que al final, esa máscara con cara de fantasma se ha convertido en un icono de la cultura popular; un icono que, como el látigo de Indy, volverá a las pantallas para disfrute (o sufrimiento) de los incondicionales, con el fin de que la "muchachada" juvenil de las nuevas generaciones rescate la trilogía original en DVD.

REC, a la americana

El remake americano de REC tiene nuevo trailer. Cuidado, eso sí, porque si no habeis visto la original, hay demasiados spoilers (es decir, os revientan partes esenciales de la trama).



Además, un spot para la población latina, para los que se podia haber estrenado la película original e intentar abrir mercado. Sea como sea, este remake sigue calcando planos sin control, aunque parece que le añade un toque mucho más espectacular.

¿Puede la muerte ser divertida?

Ya se ha hablado aqui de la pornotortura, de la capacidad para crear arte dentro de lo macabro, tomando como materia prima el dolor, la violencia o el sufrimiento. La propuesta de Funny Games aglutina torturas, mentes macabras, arte, violencia... Es la explosión más brillante de lo que esta Planta 13 quiere mostrar: el arte en el cine de terror.

Funny Games se estrena este cuatro de Julio aqui en España, tras recaudar apenas un millón de dólares en Estados Unidos y ser la película más comprometida en America. Bueno, en realidad, es el Funny Games de 1997 el que fue polémico. Bueno, éste también lo es; de hecho, ¿no son la misma película? A ver, un poco de calma. Será mejor centrar a los lectores despistados, que, teniendo en cuenta que hablamos de un filme europeo de hace unos años, es "normal" que no se conozca.

Allá por 1997, el director Austríaco Michael Haneke estrenaba Funny Games, una película acerca de un matrimonio que acude con su hijo a una casa de campo. Allí, recibirá la visita de unos extraños jugadores de golf. Se trata de dos hombres, jóvenes, de rostro peculiar y apariencia impoluta. Pronto, la extraña pareja se revelaba como una unión psicópata, que arrastraba al espectador a presenciar la barbarie. Pero Haneke no jugó a "crear" realidad. Quiso que el lector tuviera siempre presente que estaba ante una película, quiso evidenciar su "poder" como director. Y para ello, los protagonistas dedicaban una serie de guiños directos al espectador, inlcuso se permitían alusiones directas a éste, que asistía atónico a la trampa del director austríaco. No era una película violenta, si no una película sobre el morbo que ésta levanta en el ciudadano medio (o en el bajo, o en el de las altas esferas). El director regaló una planificación magistral, ajustada a un guión que encaja como un cubo de Rubik: es dificl hacerlo tan bien, pero cuando sale, la satisfacción artística del logro alcanzado es absoluta. Sin embargo, la película no daba tregua, pues era tan macabra que obligaba al espectadora reflexionar sobre por qué estaba presenciando el malsano juego de los psicópatas. Ellos son actores, es tan sólo una película (el director se encarga de recordarlo con la puesta en escena), pero los espectadores la vieron porque... ¿Por qué? La respuesta es sencilla: el placer de saciar el lado morboso de la mente humana.

Haneke realizó una especie de tratado sobre la violencia en esta película, a la par que dió una clase de dirección de actores y puesta en escena (los reducidos escenarios, el vestuario, el uso del fuera de campo, los planos secuencia, el sonido...). La satisfacción por una obra tan bien entretejida se diluía, sin embargo, con la terrible sensación que el espectador ssentía durante el largometraje y al término de la proyección. Haneke brindó con este filme una obra cercana a la maestría.

Pero todo esto hace referencia a la obra del 97. ¿Qué hay de la que se estrena este cuatro de Julio en España? Pues es, ni más ni menos, que el remake de la anterior, realizado por el mismo director. Ahora bien, lejos de actualizar, modificar o reiventar su propia obra, Haneke calca el filme original y demuestra que el mensaje de la película está tan vivo ahora como hace una década. Hoy, quizá más, con las sagas de Saw y Hostel aun activas: "la distribuidora ha vendido el filme de cara al público que suele consumir este tipo de historias. Yo estoy de acuerdo, me quiro dirigir a los consumidores de violencia más habituales, los mismos que van en masa a ver Saw o filmes de terror similares", afirma el director en unas declaraciones publicadas en la revista Imágenes del mes de julio-agosto. "Mi película es mucho más sugerente que la mayoría de los productos de género producidos en Hollywood, aunque tampoco me preocupa mucho que consideren Funny Games como otra película de terror", cerraba el director. Y es que la película no pretende mostrar esa violencia de forma visual, si no que la explicita a partir del lenguaje, los diálogos y la violencia física. Pero aqui nadie va a ver un ojo colgando, un cráneo taladrado o una pierna serrada. Ese no es el juego de Haneke. Él prefiere mostrar la violencia de otra forma, de una manera artística. ¿Acaso no son "arte" los cuadros de Saturno devorando a su hijo, pintados por dos maestros como Goya o Rubens?

También de artística parece merecer que se considere la interpretación de la actriz portagonsita en esta película. Se trata de Naomi Watts, una atriz capaz de masturbarse y llorar a la vez en una película de David Lynch o de enamorar al mismisimo King Kong. Una gran actriz que aporta belleza y dolor a un relato que no triunfará entre la masiva oferta veraniega, pero que, a buen seguro, dará de qué hablar a quienes acierten yendo a verla.

Shyamalan: ¿arte o decepción?

No cabe duda de que M. Nigth Shyamalan es uno de los grandes directores de cine de nuestro tiempo. Sin embargo, sus últimos trabajos se están resintiendo de un grave problema que crece cual bola de nieve en la ladera. El público pide insistentemente finales sorpresa y sorprendentes en las películas de este director, incluso en obras que, como El Incidente, no lo necesitan. Pero, además, se ve en la complicada situación de arriesgarse una y otra vez (algo que nunca ha dejado de hacer) al mismo tiempo que parece querer contentar a los que ponen el dinero. Total, que la "obligación" al giro final y la presión de los estudios para hacer taquilla chocan frontal y violentamente con sus aspiraciones creativas, dando como resultado películas tan irregulares como la que se estrenó el pasado viernes 13 en España.

Los diez primeros minutos de película son, sencillamente, puro arte cinematográfico. Los créditos ya apuntan maneras en lo que a la historia se refiere, los primeros instantes en Central Park son desconcertantes e inquietantes, pero si algo destaca del arranque, es el fragmento de la construcción, con la cámara siguiendo a los sorprendidos obreros mientras van callendo, uno a uno, en el inicio más escalofriante de los ultimos tiempos. Pero, a partir de ahi, la historia se vuelve un tanto increible, con situaciones ridículas y momentos impactantes a la par. Realmente parece que el director indio no encuentra el camino a seguir con una historia que promete más de lo que da.

La sensación general es de cierto desagrado, cierta resginación. No porque la obra sea mala (que, en varios aspectos, como la interpretación y el guión, lo es), sino por la certeza de que este director sabe hacer buen cine, cómo crear arte para proyectar en una pantalla. Y en El incidente no lo hace. La peícula está decepcionanado a la mayoría, pero hay pequeños grupos de críticos que aun aprecian el coraje de Shyamalan por hacer su cine sin rendirse del todo a la comercialidad de los estudios.

En El incidente, Shyamalan demuestra en algunos momentos su magnífica labor de dirección: la cámara siguiendo el trayecto de una pistola de mano en mano, la llegada de un vechículo a una localidad con la calle llena de escaleras y decenas de cuerpos ahorcados en los árboles; la mayoria de las muertes, cada cual más bizarra y mostrada sin pudor o, incluso, el plano final en Paris. Pero, si en algun momento podía haberse arreglado el desastre del guión, ese hubiera sido el clímax, que podría haber sido absolutamente demoledor y emocionante: por la puesta en escena, porque representa el poder del amor por encima de cualquier cosa, porque los personajes asumen su destino, porque la banda sonora de James Newton Howard se funde con las imágenes realzando la potencia visual del momento... Sin embargo, habrá espectadores que no hayan empatizado con los actores y la situación a esas alturas de película (quizá porque la secuencia anterior, con una tétrica anciana fuera de sí, no termina de encajar en la trama). Si en ese momento, los protagonsitan murieran, tal y como sería lógico, la película hubiera remontado ligeramente el vuelo cerrando con un final portentoso. Pero se queda en el camino.

Aun así, Shyamalan consigue hace un filme clásico, con demasiados peros para pasar a la historia sin dejar por ello de regalar destellos de cine que siguen manteniendo las esperanzas en que pueda encontrar su hueco en un cine cada día más vendido a la taquilla. Si Woody Allen consigue estrenar un filme por año sin llenar las salas, el director hindú terminará por ubicarse y estabilizar en sus trabajos la balanza entre arte personal y éxito comercial.

La Planta 13 sigue abierta

La vida académica ha bloqueado el acceso a la Planta 13 durante unas semanas, pero vuelve a abrir de cara al público. Se han pasado momentos que hubiera sido interesante comentar, como el estreno de "La niebla, de Stephen King", cuyo final, como se anunció en la sección Rated R de Cookies on the Net, es realmente demoledor. Y a la vuelta, la "sorpresa" en el mundo del terror la protagonizan Paco Plaza y Jaume Balagueró, que han decidido hacer industria y taquilla arriesgandose con una segunda parte de REC, cuya edición especial en digipack es imprescindible para todos los amantes del género. La verdad es que no parece una idea interesante, a priori, pero habrá que ver por qué derroteros se lanzan esta vez los directores y si seguirán la táctica del "documental" que tan bien funcionó en la primera entrega. Las especulaciones van desde una película de tradición visual más clásica que explique los inicios de la "Niña Medeiros" o una nueva visión cámara en mano de lo que ocurre cuando un equipo acude al lugar y encuentra la cinta. Por ahora, el teaser poster, recuerda el camino inicial.

Por otra parte, Planta 13 seguirá de cerca los pormenores de esta nueva apuesta de Filmax, que parece tener su fecha de estreno en el próximo 2009. Este portal, que nació como un trabajo académico, se lanza ahora a la aventura de sobrevivir sin la presión de arañar décimas a la nota final de una asignatura. Porque el terror, está siempre entre nosotros.

BIENVENIDOS, DE NUEVO, A LA PLANTA 13

Pdt: si algun lector aun no sabe quién es la "Niña Medeiros", por favor, que no lo busque en internet y que alquile la película inmediatamente.

"Los espectadores no sois gilipollas"

El pasado año el cine de terror español supuso un enorme éxito nacional (El orfanato) e internacional (REC). Es curioso como, además, se estaba moviendo una película que mezcla el suspense y la ciencia ficción, quizá con algo de terror, también española. Sin embargo, a pesar de las extraordinarias críticas en Ain´t it cool news , los festivales de cine de Texas, Philadelphia, Amsterdam o Stiges, la película firmó antes un contrato para su proyección en Estados Unidos que para su estreno en España. ¿Cuál es el filme en cuestión? Los Cronocrímenes, el debut como director de largometrajes para Nacho Vigalondo, nominado al Oscar por el corto 7.35 de la mañana.

El caso es que tras los repetidos elogios (y algunos ataques) recibidos allá por donde la han visto, esta película de 86 minutos consiguió antes fijar su estreno en el extranjero que en su país de origen. Es más. Los cronocrímenes tendrá un remake que está escribiendo el guionista de Hijos de los hombres.

El meollo de esta historia viene, una vez más, por ese absurdo prejuicio del espectador español de rechazar el cine de género hecho en España. El director, que ha vivido ultimamente a caballo entre tierras nortemaricanas y suelo español, asegura ver con cierta rabia que se valora más el cine tras la frontera que dentro del propio país. Cierto es, también, que son pocos los que se lanzan a hacer algo diferente, a darle al público lo que quiere. Y esto, por extraño y averrante que algunos puristas quieran pretender, no tiene por qué estar desligado del arte. El Orfanato desmuestra escasa originalidad, pero un manejo de la puesta es escena como pocos directores patrios. {REC} fue para el cine de terror español lo que el Dragon Khan a los parques temáticos del país. Amenábar rueda estos días en Malta el definitivo salto al cine épico español tras el relativo éxito de Alatristre. Y, aun así, hay quien rechaza aun el cine de género hecho en casa.

Por suerte para el futuro del cine (aunque la mayoría aun no se haya dado cuenta), los directores están empezando a tener concepto de industria. Pero, lo mejor de todo, es que creen en el espectador inteligente, tal y como dijo Nacho Vigalando en una entrevista para Las Horas Perdidas: "tengo claro que los espectadores no sois gilipollas. No sabes la cantidad de gente a la que tienes que convencer de eso a la hora de hacer una película". Por suerte para los amantes del buen cine de género, Vigalondo ha hecho una película premiada en varios países y festivales, por lo que se aguarda con esperanzas la llegada de Los Cronocrímenes para el próximo 27 de Junio.

Acaba de salir el último trailer de la película, que muestra a Karra Elejalde envuelto en una pesadilla marcada por los saltos temporales. El director, al que se le ha criticado la escasez de personajes y localizaciones como evidencia de una falta de presupuesto, se defiende de tales acusaciones en su blog: "quise hacer una película con pocos personajes y escenarios, como será la que estoy escribiendo ahora, independientemente del presupuesto que haya detrás. Llámenlo estilo, autoría o capricho tonto (...) Practico la escasez de información, la abstracción, la reducción de la acción en el tiempo y el espacio, el mínimo número de personajes".

Los cronocrimenes promete jugar con la mente del espectador, para hacerle creer que sabe lo que va a pasar y luego sorprender. Es algo complicado, los espectadores de hoy consumen mucho cine, series de televisión cada vez más trabajadas, comics, literatura... "Los cronocrímenes es más un juguete que una película: tiene muchos mecanismos internos que puedes descifrar con una segunda visión", explica Vigalondo en otra entrevista concedida al diario "El País". Y es que el director ha asegurado que sus referentes principales son de los clásicos literarios de la ciencia ficción como Robert Heinlein o Philip K. Dick. "Con esta película hemos intentado agradar al público de siempre, pero también hemos querido coger desprevenido al fan “duro” de la ciencia ficción, muy acostumbrado, a su pesar, a ser condescendiente cuando va al cine (...) Algunos de los comentarios más halagadores que he recibido han sido por parte de fanáticos de la ciencia ficción que me confesaron que, hasta el minuto 50 de la película, creen que se las saben todas… Y de repente sucede algo que trastoca toda su perspectiva".

Paradójicamente, una película española de éxito internacional, inteligente y capaz de sorprender a los espectadores más exigentes (los de los festivales de género), ha tenido problemas para estrenarse en España. Por fin, parece que alguien con dos dedos de frente se dio cuenta de que hay espectadores inteligentes en España que reclaman productos de esta índole: ciencia ficción, entretenimeinto, suspense y originalidad. Menos mal que hay gente que sabe, como Vigalando, y con perdón de la expresión, que no todos los espectadores son gilipollas.

El ocaso de los genios

Ser un genio mola. Dices cosas que quedan muy cool, la gente te admira, te recuerda y, si eres Dalí, Mecano te dedica una canción surrealista. Pero ser un genio tiene sus inconvenientes: no con ser un excéntrico tienes la vida resuelta. Hay que saber mantener el nivel de tus obras. Y claro, eso cuesta. Exige trabajo, arte, renovación... Un genio se reinventa con cada obra, pero todos pasan en algún momento por su particular ocaso creativo.

Dario Argento ha sido considerado por muchos un genio del cine de terror. Para otros, es sólo un descerebrado al que le pone la sangre. Argento es un freak sangriento: transgresor, extremo y osado, revolvió las entrañas del cine de terror con Suspiria o Deep Red. Obra tras obra, pesadilla tras pesadilla, con la fuerza perturbadora de su mente, Argento ha creado momentos antológicos, sobrecogedores y aterradores. La clásica estrategia de no mostrar nada más que las manos del asesino durante toda la película, por ejemplo, hizo del director italiano todo un maestro del terror. Sin embargo, sus últimos trabajos muestran un acusado desgaste, desvíos innecesarios y cierto barroquismo sangriento falto del carisma precedido.

Sí. Sus películas siempre se han excedido, siempre ha sobrepasado el límite de lo "visible", siempre ha jugado con un gore sucio y malsano no apto para paladares sensibles. Pero cada una de sus trasgresiones nacía de un por qué, se basaba en una necesidad dramática y constitutía un nuevo toque de originalidad a la belleza de lo malsano. En sus últimas obras, como Mother of tears, al director romano se le va la mano por escabrosas secuencias, se pierde con giros de guión innecesarios y termina por convertir sus películas en un vertedero en el que se recicla a sí mismo. Todas las críticas coinciden: este no es el representante del Giallo italiano (las tres primeras obras de este género fueron obra de Argento).

El director parece decidido a repetir la fórmula de lo siniestro como expresión artística, pero su empeño en superarse aumentando el sadismo bizarro de sus inicios deriva en excesos olvidables que se atragantan incluso en las gargantas más acérrimas. Y a pesar de todo, es de esos directores que no puede evitar ramalazos de buen cine ni en sus trabajos más irregulares. Es el privilegio de los grandes, ¿no? Después de hacer historia se les puede perdonar alguna irregularidad. Sus fallos parecen enormes entre tanto buen hacer, pero no pasa nada. A veinticuatro fotogramas por segundo siempre hay espacio para el detalle artístico, aunque éste sea un desliz dentro de una obra erronea.

En ocasiones, Argento parece obligado por su fama a revolver las entrañas del espectador con lo más desagradable o escabroso que logre imaginarse, con alguna insana atrocidad que supere a las anteriores. Quizá le ocurra como a Shyamalan, obligado al “giro final” desde el pelotazo que supuso El sexto sentido. Los dos son directores forzados por su propia fama a superarse así mismos. Si hacen algo diferente, el público lo rechaza. Si repiten, paso a paso, la misma fórmula, el público se aburre. ¿Qué hacer entonces? Sólo los auténticos genios pueden saberlo...

NOTA: Esta entrada es una reescritura de mi artículo para Cookies on the Net en mayo de 2008.

Miedo estival

Allá por el año 1965, Narciso Ibáñez Serrador se erigió como profeta del terror en nuestro país. Sus Historias para no dormir fueron todo un éxito nacional, gracias a sus inquietantes y originales relatos. Fue una serie de cortos emitidos en televisión que maravillaron a los españoles de la época. Por supuesto, Estados Unidos ha tenido también sus seriales de terror. El último de ellos llegará a las pantallas el próximo mes de Junio, dando el pistoletazo de salida a la temporada estival televisiva. Se trata de Fear Itself, una serie de 10 capítulos de terror para la NBC que pretende superar el éxito de Masters of horror, de la cadena Showtime.

Esta nueva serie llega en pleno auge de los seriales estadounidenses, que parecen estar viviendo una nueva edad de oro gracias a Los Soprano, Perdidos, House o Dexter. Sin embargo, rompe la continuidad de estas últimas para contar, como las historias de Ibañez Serrador, relatos completamente independientes, con temáticas, personajes, localizaciones y equipos diferentes. Ésta es su gran baza, ya que ha permitido a actores conocidos como Brandon Routh participar en ellas, sin contar que directores y guionistas expertos en el género han escrito y dirigo los episodios.

El listado de capítulos e implicados es de lo más variopinto:

Eater, dirigido por Stuart Gordon (Dagon) y escrito por Richard Chizmar y Johnathon Schaech. En este primer capítulo una policia principiante pasará su primera noche en la comisaria vigilando a un siniestro asesino en serie llamado "Eater".

Something with bite dará un nuevo giro al clásico relato de hombres lobo, de la mano del escritor Max Landis (hijo de John Landis, mítico director de Un hombre lobo americano en Londres). Tras la cámara de este segundo capítulo estará Ernest Dickerson, director de capítulos de Héroes, Los 4400 o la propia Masters of horror.

Skin & bones es el tercer capítulo de la serie, cuyo director aun no ha sido anunciado de forma oficial a pesar de los rumores de que podría ser John Carpenter. Tratará de un pastor que, al regresar del bosque, nota una posesión demoníaca en todo el mundo. Está escrito por Drew McWeeny & Scott Swan, guionistas también de algunos capitulos de la serie análoga de Showtime.

Ronny Yu, director de La novia de Chucky, afronta un thriller psicologico de acción protagonizado por un hombre de familia que cambia de cuerpo con un asesino en serie. Family man está escrito por Dan Knauf (Carnivale).

El director de las tres secuelas de Saw, Darren Lynn Bousman, se encarga de New Year´s day, la quinta historia de la serie, en la que una mujer despierta en un mundo post-apocalíptico dominado por zombies. Steve Niles, guionista de 30 días de oscuridad, repetirá en el mundo vampírico con el guión de este capítulo.

Chance será la historia de un hombre enfrentado a su propio lado oscuro, al más puro estilo Jekyll & Hyde. Aunque el director aun no se conoce, el guión corre a cargo de Lem Dobbs, escritor de Dark City.

The sacrifice juega con la doble vertiente placer/dolor que tanto juego ha dado en el cine de terror. Cuando un grupo de criminales se refugia en una pequeña fortaleza aislada por la nieve descubrirán a tres tentadoras criaturas con deseos de matar. El director de Creature from the Black Lagoon, Breck Eisner, y el escritor Mick Garris son los responsables de este capítulo.

A finales de Julio llegará Comunnity bajo la dirección de Mary Harron (American Psycho), en la que una pareja llega a su nuevo vencidario. Allí, la comunidad de vecinos hará primar, por cualquier medio, la perfección de los recién llegados.

Spooke, dirigido por Brad Anderson (El maquinista), será la historia de un detective privado obligado a enfrentarse a su pasado y sus peores miedos en una casa encantada. Los recovecos del guión, de mano de Matt Venne, guionista de la secuela de White Noise.

La última entrega de la serie será Nightmare in Lace, dirigido por John Landis, que repite en esta serie. El guión, a cargo de Victor Salva, (Jeepers Creepers) presenta a una mujer que, en el día de su boda, recibe una inquietante nota: "tu esposo es un asesino en serie".

La verdad es que las historias prometen y el equipo que llevan detrás sabe lo que se hace. Habrá que esperar a ver qué tal funciona durante la época estival esta serie de terror, bien pensada en su forma, ya que en verano la mayoría de espectadores no puede seguir con asiduidad una serie de televisión al uso.

Esto no es cine de terror

El cine de terror gusta porque no es real, porque, estéticamente, lo macabro, lo dantesco, se convierte en arte. El cine de terror ha criticado los vicios de la realidad, ha transgredido la moral vigente y ha impactado con su ficción a diversas generaciones. Sin embargo, hay casos reales que lidian con la pesadilla más enfermiza del cine de terror, algo que no puede pasar por la mente de un ser humano en su sano juicio, pero que ocurre, y convierte la vida de un inocente en la más aterradora y sórdida vivencia que pudiera imaginar.

Casos como el de Josef Fritzl, de actualidad estos últimos días, provocan auténtico terror ante la posibilidad de que un ser humano pueda sufrir semejante atrocidad en manos de su propio padre. La opinión pública está conmocionada ante la escalofriante historia de Fritzl, que encerró a su hija en un sótano y la violó repetidas veces durante 24 años, adoptando algunos de los siete hijos resultantes de su incesto. Tan macabra situación, por desgracia, recuerda a otros casos de torturas, secuestros y vejaciones que se han sucedido a lo largo de la historia.

El 26 de octubre de 1965, por ejemplo, fue en América donde se produjo la barbarie. Fue el caso de una niña de 16 años, Silvia Likens, encontrada en una casa en las afueras de Indianápolis, con signos de que se había abusado de ella y de que le habían propinado una paliza. Pronto, esta historia, que reveló el lado más sórdido del ser humano a la cultura del sueño americano, verá la luz de nuevo en las pantallas de todo el mundo. Será bajo el título An american Crime, con la jóven Ellen Page en la piel de Likens.

Acaba de salir el trailer en castellano de esta película, que se estrenará el próximo mes de Junio en España. En principio, se trata de una película bajo los cánones del drama, pero diversos sitios web dedicados al cine de terror incluyen una ficha, trailer e imágenes del filme. Resulta sorprendente, macabra coincidencia, que la misma semana que se estrena el trailer en internet se de a conocer el caso de Fritzl en los medios de comunicación de todo el mundo. Pero lo que más llama la atención es que se incluya en la categoría de cine de terror una película con estas características.

En varias ocasiones se ha hablado en este blog de un tema recurrente en el cine de terror: "El hombre es lobo para el hombre". Por supuesto, es un lema conocido por la mayoría. Por supuesto, es un recurso mágico en algunas ocasiones que consigue crear momentos espectaculares de auténtico cine. Pero explotar el terror puro que una historia como ésta provoca, cae quizá del lado del morbo fácil. Puede que la actriz protagonista, nominada al Oscar por Juno este último año, otorgue algo de interés a la película.

Sin embargo, el cine de terror no está concebido para historias como estas. No al menos como se entiende habitualmente. Cierto es que habrá que ver la película para poder criticarla y que demuestra que el terror puede encontrarse a la vuelta de la esquina, pero el terror no es un género para la plasmación de un drama real, por aterrador que éste resulte. El cine de terror juega con supuestos ficticios que podrían ser reales. Es ahi donde reside la clave de su disfrute. An american crime parece otra cosa. Aunque algunos la califiquen de cine de terror, aunque refleje mejor que ninguna del género un auténtico sentimiento de pavor, esto no es cine de terror, es el terror real de una vida arrebatada.

La inquietante desaparición de las abejas

--- ACTUALIZADO 25-04-08 ---
Acaba de salir un nuevo trailer de la película, que, por cierto, cambia de título oficial cada dos por tres: en este avance la llaman "El Incidente" mientras que en el poster oficial que podeis ver al final del post se llama "El suceso".



----- 14-04-08 -----

Primero, jugó con el más allá. Después le dio la vuelta al concepto del superhéroe. Ha invadido la tierra con señales extraterrestres, encerrado a un pueblo aterrado y descubierto sirenas en piscinas. Siempre ha levantado expectación, no siempre ha triunfado, pero todos saben que tiene talento para el misterio y la magia. Por todo ello, y a pesar de su impronunciable nombre, se ha erigido como un valor en alza dentro del mundo del cine.

M. Nigth Shyamalan vuelve en Junio con El suceso (The happening), que podría incluirse dentro de la nueva hornada de cine apocalíptico. Pero el director hindú no gusta de caminos fáciles y espectaculares. No parece interesado en destruir Manhattahan y dejarse millonarios presupuestos en la posproducción digital. Shyamalan es un director intimista, de actores, al que le gusta que los gestos de los personajes expresen el miedo, que disfruta insinuando con la cámara y que sabe jugar con la ambientación sonora de una película.

Acaba de lanzarse el nuevo sitio web en español de El suceso, aunque, por ahora, sólo puede verse el trailer en castellano. El filme, nos presenta a Elliot y Alma Moore (Mark Wahlberg y Zooey Deschanel), padres de familia que se enfrentarán a unos extraños incidentes que amenazan con destruir a la humanidad. Al parecer, la desaparición de millones de abejas en Estados Unidos podría tener relación con el "incidente" que narra la película. Curiosamenente, el cine de terror vuelve a recurrir a elementos de la realidad para configurar una historia inquietante, ya que a principios del año pasado, Estados Unidos vivió la inexplicable desaparición de millones de abejas que mantuvo inquieto incluso al Gobierno estadounidense. No ha trascendido aun hasta qué punto estos sucesos tienen algo que ver en el filme, pero ya en el trailer de la película la referencia resulta evidente.

El desastre al que hacen frente los protagonistas del filme no es la desaparición de millones de abejas, si no una imparable oleada de asesinatos y suicidios en masa que parecen estar provocados por una toxina que liberan las plantas.

Una vez más, Shyamalan juega con la muerte, esta vez con un largometraje que le ha costado llevar a cabo, ya que llevaba años tras este proyecto y ningún estudio quería ponerlo en marcha. Fue un problema que se intensificó cuando La joven del agua, su último trabajo, fracasó en taquilla y fue vapuleado por gran parte de la critica. Sin embargo, consiguió que El suceso saliera adelante gracias a los 57 millones invertidos por la Fox para llevarlo a cabo. Quizá por que, a pesar del ligero batacazo de su anterior trabajo, en cuestiones técnicas Shyamalan no falla, y eso el público lo reconoce. El director hindú se ha caracterizado por un clásico y elegante uso de la cámara, siempre comunicativa, y por la narración de historias bien estructuradas y sin fisuras.

El mayor enemigo del director, paradójicamente, es él mismo. Hacer de una de sus primeras películas un bombazo como El sexto Sentido (seis nominaciones a los Oscar, 672 millones de recaudación) le convirtió en un director obligado a ser rentable. Puso el listón tan alto que para muchos aun sigue sin superar. Y es que a pesar de que la crítica aplaudió aun con más ganas su siguiente película, El protegido, el público sigue recordándole como "el director de El Sexto sentido". Pero, si por algo se ha caracterizado su trabajo es por la inclusión de un cliffhanger o "giro final" que da un nuevo sentido a la narración.

Al público le gustan sus escenas inquietantes, sus personajes torturados, sus finales sorpresa o su capacidad para asustar. Gusta porque el director hindú bebe directamente de los grandes como Hitchcock a la hora de crear suspense, y se sabe al dedillo aquello de que "lo que más aterra es lo que no podemos ver". Por eso juega a la insinuación. Por eso obliga al espectador a mirar bajo las camas, a insinuar lo que hay tras la puerta, pero nunca lo muestra directamente hasta el final. Su estilo obliga a pensar, a imaginar, a que la mente del espectador trabaje con las sombras, con los sonidos, con los detalles que salpican cuidadosamente su puesta en escena.

Quizá con La Joven del agua, su obra más personal según comentó en alguna entrevista, perdiera de vista el éxito de critica y público que le había acompañado, pero El suceso ya da visos de que reencontrará al director de Señales con el público. ¿Lo hará también con la critica? Los sucesos del próximo mes de Junio darán la respuesta...