miércoles, 30 de noviembre de 2011

El ataque de los gnomos


Según las antiguas mitologías de Europa del Norte y la Patagonia, los gnomos son cada uno de los enanos fantásticos o genios elementales de la Tierra, en cuyas entrañas moran trabajando en las minas, custodiando los tesoros subterráneos y cuidando de los metales y piedras preciosas. Los gnomos forman un pueblo sobrenatural, a caballo entre la fantasía y el mito, formado por seres diminutos e invisibles, dotados de singular astucia.  Los gnomos son los mejores conocedores de los secretos de la Tierra y son el alma de esta. siempre han sido representados como criaturas adorables y quizá por ello a alguien se le ha ocurrido realizar una película a medio camino entre el terror y la comedia que relate el ataque de un grupo de gnomos malvados y asesinos. Las primeras evidencias del ataque, en el video a continuación.

 
Gnomes Attack! Teaser from Screen Invaders on Vimeo.

martes, 29 de noviembre de 2011

Especial Vacaciones de Muerte: DEAD RISING (parte 1)


Las vacaciones de Navidad se acercan, un momento perfecto para romper con la monotonía y descansar la mente por unos días. Por eso, hemos elegido estas fechas para irnos de vacaciones. ¿El destino? No importa, ¡siempre que haya zombis de por medio! Esos muertos vivientes nunca se cansan de perseguirnos, desgarrarnos y devorarnos, y como nos tienen tanto "cariño", vamos a dedicarles las próximas semanas. Nuestro primer viaje nos llevará hasta la localidad de Willamette (Colorado), y posteriormente haremos una parada en Fortune City (Nevada), ya que hablaremos en profundidad de la franquicia Dead Rising. Si conseguimos sobrevivir, haremos las maletas y partiremos a tierras más paradisíacas. Concretamente a la isla de Banoi (Papua Nueva Guinea), donde analizaremos en profundidad lo que ha dado de sí Dead island. Así que acomodaos en vuestro asientos, agarrad un buen bate de beisbol por si acaso, y ¡buen viaje!

Nueva franquicia, nuevo enfoque

Capcom no es, precisamente, una compañía novata en los videojuegos del género zombi. Desde el año 1996 nos lleva haciendo sufrir con una de las sagas del ocio electrónico más populares (si no la más popular) dentro del survival horror: Resident Evil. Zombis y monstruos detrás de cada puerta, escasa munición, personajes carismáticos como León Kennedy o Jill Vallentine, y varios finales alternativos son la marca de la casa.

Tras el éxito internacional de Resident Evil 4 en 2005, no era de extrañar que Capcom considerara la creación de nuevas franquicias en torno a la amenaza de los no muertos. Lo que nadie podía imaginar tras la última entrega de RE sería el enfoque de estos nuevos juegos, algo jamás visto antes en la compañía (con permiso de Ghost’n Goblins). Si el último Resident Evil se había caracterizado por un tono siniestro, acción basada en la precisión (tanto de movimiento como quick-time events) y un punto de vista de “cámara al hombro”, el nuevo juego desarrollado por Estudio 1 (uno de los estudios internos de la compañía nipona) no tenía en cuenta ninguna de estas características, abriendo las puertas a algo totalmente distinto y fresco.

Creando al monstruo

El encargado de sacar el proyecto adelante fue Keiji Inafune, creador de Megaman y una de las cabezas pensantes de Capcom hasta su abandono en octubre de 2010. Lo que Inafune proponía era un sandbox de acción pura y dura con elementos de RPG y una vista en tercera persona. Claramente influenciado por El Amanecer de los Muertos de George A. Romero (Dawn of the Dead, 1985), toda la acción tendría lugar dentro de un enorme centro comercial situado en la ficticia localidad de Willamete (Colorado), que por razones desconocidas está atestado de zombis.

El protagonista sería un periodista y fotógrafo fanfarrón, dispuesto a jugarse la vida con tal de averiguar el origen de la infección y llevarse la exclusiva. Aunque quizás lo más sobresaliente del título era que, mientras que Resident Evil se caracterizaba por su jugabilidad lineal, personajes oscuros y ambientes opresivos, en Dead Rising disfrutamos de un mundo abierto con una vena cómica y una clara apuesta por dar mayor libertad creativa al jugador.

El juego se diseñó en exclusiva para Xbox360 y salió a la venta en Agosto de 2006. Tras su buena acogida tanto entre la crítica como entre el público, Capcom lanzaría un remake para Wii titulado Dead Rising: Chop till you Drop en febrero de 2009, adaptando el estilo de juego al mando (especialmente en el manejo de armas) e incluyendo algunas novedades. Sin embargo, debido a las limitaciones técnicas de la consola de Nintendo, hubo que eliminar varios aspectos de la jugabilidad y reducir el tamaño del centro comercial y el número de zombis drásticamente, algo que no sentó muy bien a los fans.

El Matazombis de la Semana

En Dead Rising asumimos la identidad de Frank West, un periodista tan decido a averiguar que ocurre en Willamette, como para colarse en la zona de cuarentena a la que el ejército somete a la localidad y entrar en su centro comercial, Parkview Mall. Allí descubrimos como los muertos vivientes campan a sus anchas mientras pequeños grupos de supervivientes intentan escapar sin éxito. Nuestra misión consistirá en ayudar a los supervivientes mientras hacemos frente no sólo a la amenaza de los centenares de zombis, sino también a la de aquellos individuos que han perdido la razón (identificados en el juego como psicópatas).

Uno de los puntos fuertes del juego es el (prácticamente) interminable arsenal del que disponemos para defendernos. Estamos en un centro comercial repleto de tiendas, y casi cualquier cosa que encontremos se puede convertir en un arma en nuestras manos. Desde armas serias como escopetas o pistolas, hasta “armas” tan absurdas como un peluche gigante o una bola de bolos. Algunas de estas armas tendrán efectos de lo más variopintos. Así, si por ejemplo tiramos una bolsa de canicas a los pies de los zombis, estos resbalarán y caerán cómicamente al suelo. También podemos practicar nuestro swing y lanzar pelotas de golf a la cabeza de los muertos vivientes con un hierro 5. Las posibilidades son casi inagotables, y uno de los mayores incentivos será el ser creativos y probar todo lo que nos vayamos encontrando en las tiendas, restaurantes, plazuelas, cobertizos,…

Otro de los atractivos será el vestuario. Las múltiples tiendas de ropa de Parkview nos permitirán vestirnos de muy diversas maneras, con trajes tan curiosos como un elegante esmoquin o un traje de vaquero, o tan absurdos como el de astronauta o mascota deportiva. Por si eso fuera poco, sólo los exploradores más concienzudos podrán encontrar las piezas que homenajean a personajes populares de Capcom, tales como la armadura de Megaman o los calzoncillos de Sir Arthur.

Tampoco podemos olvidar que Frank es fotógrafo, una habilidad que es parte integrante del juego. En cualquier momento de la partida podremos hacer fotografías, que el propio juego luego valorará en función de la situación, los individuos que aparezcan, el ángulo, … Cuanto mejores sean nuestras fotografías más puntos ganaremos, puntos que luego podremos invertir en mejorar nuestras habilidades (potencia de ataque, salud, velocidad, …).

El tiempo se agota

A medida que vayamos completando las misiones principales y secundarias (generalmente rescatar o ayudar a otros supervivientes), iremos desvelando el misterio sobre el origen de la infección, aunque deberemos ser rápidos. El juego completo tiene lugar durante un periodo de tres días, tras los cuales un helicóptero vendrá a recogernos. Esto significa que debemos resolver todas las misiones principales en menos de 72 horas (6 horas en tiempo real) o perderemos la partida y no podremos resolver el enigma.

Tanto si tenemos éxito como si no, al finalizar el juego se nos ofrecerá la oportunidad de comenzar una nueva partida con el nivel de experiencia y la habilidades que teníamos al terminar la partida anterior, lo que facilitará enormemente las cosas en el siguiente intento. Además, en cualquier momento podremos consular nuestro reloj de pulsera para saber cuántas horas nos quedan antes de la recogida, fundamental para administrarnos debidamente el tiempo. Dependiendo de nuestras acciones el juego terminará de diferentes maneras, un perfecto incentivo para rejugar el título e intentar encontrar otro de los múltiples finales.

Conclusiones

Dead Rising supuso un gran éxito para Capcom, y el inicio de una franquicia que ofrece algo completamente distinto dentro del género zombi: comicidad y diversión a partes iguales, además de un alto valor rejugable. A pesar de no contar con un argumento de peso y una inteligencia artificial bastante limitada, sólo la posibilidad de matar docenas de zombis de cientos de maneras distintas es ya de por sí sorprendentemente adictiva. Si eso le añadimos las opciones de personalización (tanto estética como de atributos) y un lugar gigantesco para explorar con total libertad, nos encontramos ante un juego con tantos aciertos que es fácil pasar por alto sus errores.

Dead Rising es una parada obligatoria para los fans del género que dispongan de una Xbox 360 o una Wii. Con un título tan redondo, ¿Sería capaz Capcom de innovar con sus secuelas, o simplemente reciclaría la fórmula para sacarle el dinero a los fans? Responderemos a esa pregunta la próxima semana.Hasta entonces, os espero en la oscuridad más profunda.

lunes, 28 de noviembre de 2011

La década de los 70: diez años, diez películas (Parte III)


Llegamos ya a la recta final de la recopilación de películas de terror de los setenta que hemos ido haciendo las últimas semanas. A pesar de que hemos dejado muchas en el saco, esperamos que, como nosotros, hayáis disfrutado de este repaso a lo más imprescindible de una década llena de grandes obras maestras.

1976. Carrie
Basada en best-seller de terror del exitoso Stephen King, en el setenta y seis Carrie destacó con diferencia gracias a la magnífica dirección de Brian De Palma. La película ha sido aclamada a lo largo de los años como una de las adaptaciones más terroríficas de la literatura. De Palma se metió a la crítica en el bolsillo gracias a su característica narrativa que en este filme plasmó gracias a recursos como el “slow-motion” y la pantalla partida en pro de una línea in crescendo que engancha al espectador. La violencia extrema de una “inocente” y sobrenatural adolescente en busca de venganza pasará a los anales de la historia cinematográfica gracias a la escena final en el que imagen y música crean un espectáculo escalofriante. 



El setenta y siete no fue uno de los mejores años para el cine de terror, aunque de todos modos cuenta con buenos títulos como puede ser Encuentros en la tercera fase de Spielberg o La isla del doctor Moreau de Don Taylor. Aún así, nosotros nos quedamos con la que fue la primera película de David Lynch: Eraserhead o, lo que es lo mismo, Cabeza Borradora. Lynch tuvo que esperar seis años a llevar su proyecto a cabo ya que no encontraba financiación (seguramente por su trama tan poco convencional), pero la espera y el esfuerzo dieron sus frutos. La obra es un híbrido entre el cine experimental y el cine de terror gracias a su narrativa atípica que nos introduce en varias escenas oníricas, o mejor dicho pesadillas, que aceptan cualquier libre interpretación. El miedo y el horror aquí parten de lo ilógico y de lo que la mente de cada espectador quiera (o pueda) entender.



Hablamos de ella hace unas semanas y la rescatamos para incluirla en esta lista por varias razones que ya comentamos entonces. La primera de todas es porque se trata del primer “slasher” o cine de asesinos en serie con máscara. La segunda por la innovadora realización a manos de Carpenter en la que destaca el juego de planos subjetivos que nos coloca en primer plano en los atroces asesinatos. Y la tercera, por el mérito y genialidad de que, a pesar de ser una película de serie B y bajo presupuesto, fuera una de las películas que más recaudó en el setenta y ocho. Podéis leer más sobre ella aquí.



1979. Alien
No podíamos encontrar mejor cierre a una década tan prolífica como la de los setenta: Alien fue (y es) seguramente la obra sublime de Ridley Scott (junto con Blade Runner) y una de las mejores películas de terror de todos los tiempos considerada tanto por el público como por la crítica. Un filme que según muchos marcó un antes y un después en el género, donde el suspense es el pilar básico a pesar de encontrarnos con algún que otro susto en el momento oportuno para que el espectador siga a lo largo de dos horas enganchado al argumento. Jugando con la claustrofobia y el “temer y no ver”, o lo que es lo mismo “temer y no saber”, se crea una tensión que atrapa al público en la morbosidad del horror la cual no se sacia hasta llegar a la parte final del filme donde ya nos muestran al diabólico ser. Ridley Scott nos ofrece un espectáculo visual deslumbrante con una escenografía y una dirección fotográfica más que destacable. Pero no solo la ambientación es la responsable de tan magnífica obra maestra, un guión con un argumento original y un control del ritmo inigualable más una dirección de actores que convirtió a Ridley Scott en uno de los grandes hace que Alien sea un imprescindible para la historia del cine; y por supuesto, en esta lista. 

domingo, 27 de noviembre de 2011

Domingo en serie: En el rodaje de Juego de Tronos


La gran serie revelación de 2011 ha sido sin duda Juego de Tronos. Basada en la saga de novelas de George R.R. Martin, el show de la HBO fue ganando adeptos a medida que avanzaba la temporada. Y, gracias al boca a boca, la popularidad de la serie ha ido aumentando gracias a las descargas en internet o las repeticiones en las cadenas de televisión. Nominada a trece premios Emmy y a la espera de ver lo que ocurre en los Globos de Oro dentro de unos meses, la serie se ha alzado como una de las grandes entre los aficionados.

Ahora, cuando aun quedan meses para el estreno de la segunda temporada (primavera de 2012), la cadena norteamericana ha lanzado la campaña de promoción con un vídeo detrás de las cámaras de la segunda temporada. Con muchas nuevas imágenes e incluso líneas de diálogo de la nueva entrega, el video pone los dientes largos a cualquier aficionado. Teniendo en cuenta el final de la primera temporada y el aumento de presupuesto que conlleva el éxito alcanzado, sólo nos queda esperar a que lleguen los nuevos cápitulos para disfrutar de una de las mejores series del momento. Al menos, en cuanto al género fantástico, terror o ciencia ficción se refiere.

sábado, 26 de noviembre de 2011

Especial SENSACINE: Asesinos del siglo XXI


Nuestros amigos de Sensacine han hecho una recopilación de asesinos de cine del siglo XXI, una lista muy interesante en la que no faltan nombres como Vigo Mortensen, Robert de Niro, Javier Bardem, Colin Farrel o Umma Thurman. Haced click en la la imagen superior para acceder al especial.

viernes, 25 de noviembre de 2011

XP3D: conoce a los personajes


La tecnología tridimensional se ha convertido en uno de los principales reclamos del fenómeno cinematográfico de comienzos del siglo XXI. Para hablar de su presente y futuro, así como de la situación del 3D, el Festival de Sitges acogió una Masterclass monográfica el domingo nueve de octubre.

Para ilustrar la sesión, se proyectaron en exclusiva un teaser, un trailer y una escena exclusiva de la película XP3D, la primera película española tridimensional de terror y nuevo proyecto de la productora Rodar y Rodar, responsable de títulos tan celebrados del género como El orfanato y Los ojos de Julia. La escena que se vió en el marco del Festival de Cine de Sitges es una de las más espectaculares del filme, que no volverá a verse hasta su estreno comercial en salas a finales de diciembre.

Conozcamos más a los protagonistas que nos llevarán al miedo en 3D:

 ANGELA - Amaia Salamanca

Estudiante de medicina. Inteligente, pragmática, autosuficiente. A menudo puede parecer fría y distante, pero su seguridad en sí misma y su espíritu imparable inspira lealtad en los que la rodean. Es tozuda y escéptica ante todo lo que no tenga explicación racional. Exhibe el cinismo de alguien que ha tenido que crecer demasiado rápido.



JOSÉ - Maxi Iglesias

José es optimista y se toma la vida con humor. Siempre dice lo que piensa sin tapujos, a veces ofendiendo y a veces sin poderlo evitar. Es oberservador y sabe leer a la gente con facilidad, una habilidad que a veces utiliza para fastidiar a sus amigos. Bajo su fachada de indiferencia hay un corazón generoso.





 
CARLOS - Luis Fernández

Carlos es un estudiante dinámico, deportista y lleno de testosterona. Acostumbra a actuar por impulsos, sin reflexionar, lo que le hace parecer algo salvaje. Posee el encanto de alguien que no se preocupa de lo que pensarán de él. Es territorial y muy protector con su novia Ángela.







BELÉN - Úrsula Corberó

Belén es joven, pija y un poco gruñona. Le gusta disfrutar de su belleza y su juventud y no piensa demasiado en el futuro. A pesar de su actitud arrogante y superficial es una amiga leal que sabe ganarse a la gente siendo ella misma. Aunque es muy femenina, creció entre coches y motores.





DIANA - Alba Ribas

Diana es una chica frágil y solitaria.Se siente indefensa ante un mundo que considera hostil y axfisiante. Puede parecer que es extremadamente sensible ante todo lo que la rodea; o tal vez posea un sexto sentido muy desarrollado. No se siente segura entre gente y sus intentos por abrise sólo la hacen parecer más excéntrica.



TONI - Oscar Sinela

Toni es un estudiante brillante y algo antisocial. Enfoca la vida como si fuera un cubo de Rubik que resolver. Siempre defiende lo que piensa con pasión. Le fascina el estudio de lo sobrenatural, ya que las ciencias convencionales no le estimulan lo suficiente. Suele presumir de su inteligencia. 




jueves, 24 de noviembre de 2011

Entrevista con MyAnna Buring - Kill List y Crepúsculo


Quién le iba a decir a MyAnna Buring hace unos años que acabaría trabajando en una de las sagas más taquilleras y con una de las legiones de fans más grandes del mundo. A sus 27 años, el 2011 es sin duda el año en que la joven actriz, nacida en Suecia pero formada en la escuela de interpretación británica, se ha dado a conocer al mundo con dos proyectos. Y, como no podía ser de otra forma acorde a su carrera, lo ha hecho con el género de terror y el fantástico por bandera. Durante el pasado Empire presents Big Screen en Londres, pudimos charlar unos minutos con ella. Abajo podeis ver un extracto de la entrevista, aunque la teneis traducida entera a continuacón.

Planta13: Pareces trabajar muy bien en el género de terror. ¿Qué te atrae del género?
MyAnna Buring: Sí que me gustan las películas de terror. Me encantan. Creo que las películas de terror suelen apelar a los miedos más básicos y humanos:  el miedo a perder a alguien, el miedo a ahogarse, el miedo a la oscuridad. Son todas emociones muy humanas. Además, creo que atrae a directores jovenes, por lo que te permite trabajar con directores muy creativos, que están empezando o también con directores consagrados, quienes utilizan el genero para ser muy creativos.

P13: ¿Cómo fue estar en la saga Crepúsculo?
M.B.: Estar en Crepúsculo fue como un sueño hecho realidad. Soy una gran fan de los libros y las películas. Me he estado pellizcando mientras rodaba. ¿De verdad estoy en Crespúsculo?

P.13: ¿Qué puedes decir de tu personaje en Amanecer, la nueva entrega de Crepúsculo?
M.B: Mi personaje es Tanya Denali, líder del clan Denali. Son un clan primo de los Cullen, lo que llamaríamos vampiros vegetarianos porque no beben sangre de humanos. Es una vampira muy, muy mayor. Durante siglos, ha esperado que Edward se fjara en ella y en esta película intenta acercarse definitivamente, pero por supuesto, el corazón de Edward pertenece a Bella.

P13: ¿Por qué crees que gente de todo el mundo se ha obsesionado tanto con esta saga?
M.B: Creo que, para empezar, los personajes de los libros son fantásticos y te puedes relacionar con ellos. En el fondo está la clásica historia de amor de Romeo y Julieta, el amor prohibido. Ahora con las películas la gente puede vivir esa historia. Además, ¿qué hay en el amor que a alguien pueda no gustarle?

P13: Y has participado en Grindhouse...
M.B: Sí, Tarantino y Rodriguez quisieron hacer este homenaje de dos películas y trailers falsos. Edgar Wright hacía uno de los trailers falsos y pasamos un día genial rodaándolo con un buen grupo de actores británicos. Fue genial.

P13: ¿Qué puedes decirnos de Kill List?
M.B.: Es algo muy diferente a Crepúsculo. Es una historia muy oscura, fue fantástico trabajar con Ben Whitley. La película empieza como un thriller muy adulto, fuerte. Pero hacia el último tercio, el filme da un giro radical y se convierte en algo visceral, aterrador y un tanto enfermo. Es una locura.

P13: Nos gustaría poder hablar más de tus trabajos en el cine de género, como Lesbians Vampire Killers o The descent, pero no tenemos tiempo para más... Gracias.
M.B.: Será un placer hablar de ello en otra ocasión... Gracias a vosotros.

miércoles, 23 de noviembre de 2011

El anuncio que aterroriza al Reino Unido


Que los ingleses son un poco dados a criticar y censurar obras audiovisuales ya lo sabemos. Pasó con muchos filmes (la que para muchos es ya la película del año, Drive, ha sido censurada en algunos festivales por determinados planos). Pasó con la banda sonora de El código Da Vinci y pasa cada año con algún anuncio de televisión. Bueno, pues ahora, con cierta razón hemos de añadir, se está levantando cierta polémica por un anuncio de televisión sobre telefonía móvil.

Los organismos de control de la televisión británica han comenzado las investigaciones en torno a un spot de televisión con estética de terror y que parece haber causado estragos entre algunos televidentes. El anuncio en cuestión pertenece a la campaña de márketing de Phones4U y muestra al fantasma de una niña acechando a una mujer en un parking subterraneo.

El público se ha quejado de que el anuncio es demasiado parecido a un filme de terror, y muchos padres han pedido que lo retiren tras ver cómo sus hijos pequeños se echaban a llorar en un corte publicitario. Y es que el organismo de control ha recibido la mayor cifra de quejas de todo el año: 341.

Al más puro estilo The ring y haciendo uso del cliché de la niña creepy en el género, el anuncio bien parece un clip de promoción de la última película de cine de terror en llegar a las pantallas y no un spot sobre telefonía móvil. La niña del anuncio, de aspecto aterrador, persigue a una mujer por el parking para terminar con un lema que podría traducrise como "perder nuestras ofertas te perseguirá" y que aparece en pantalla con manchas de sangre. Para los aficionados al cine, o incluso los adultos, el anuncio podría funcionar, pero desde luego no deberían emitirlo en horario de audiencia infantil. 

martes, 22 de noviembre de 2011

"Fuck off and die": Bane, el villano en The dark knight rises


Una de las ventajas de vivir en Inglaterra y estar suscrito a la prestigiosa revista Empire es que uno puede acceder a múltiples exclusivas antes que nadie. Y el último tanto que se han apuntado los chicos de la revista de cine más famosa del mundo ha sido lanzar datos e imágenes exclusivas de una de las películas más anticipadas del 2012: The dark knight rises (El caballero oscuro: la leyenda renace). Los chicos de la revista británica desvelan quién es Bane, el nuevo villano de la franquicia, interpretado por Tom Hardy y desvelan algunos detalles del prólogo que podrá verse en los cines Imax este diciembre.

"En realidad todo es sobre terminar la historia de Batman y Bruce Wayne", explica el director Christopher Nolan. "Le dejamos en un lugar bastante precario. Aunque quizá por sorpresa para algunos, nuestra historia se desarrolla un poco después, ocho años después de The Dark Knight. Por lo que es un Bruce Wayne más viejo, no está en el mejor estado", asegura Nolan a la publicación británica. Y el hecho de que Batman no se encuentre en plena forma no son buenas noticias, ya que esta tercera entrega enfrentará al héroe de Gotham contra una amenaza mucho más "fisica" que las anteriores. Si en Batman Begins eran El Espantapajaros y Ra's al Ghul y en El caballero oscuro era el joker el principal enemigo, en la nueva entrega será Bane, a quienes los lectores de comic conocen como el villano que rompe la columna vertebral de Batman en un devastador enfrentamiento. "Es brutal", asegura el actor Tom Hardy. "Bane entrega una brutalidad de expediente. Y, ya sabes, es un tio enorme. Es un tio enorme con una increible capacidad clínica, en el sentido de que su estilo de lucha está basado en resultados (...) ¿Sabes lo que quiero decir? Va en plan Jódete y muere". Hardy se explaya en las páginas de Empire explicando cómo en la película el personaje parte cuellos, destroza cabezas, rompe piernas y rodillas y destila un estilo bastante desagradable, a pesar de que la película va a llevar una calificación de 13 años : "No me estoy acercando al personaje con esa actitud. Si vamos a disparar a alguien, que sea a a mujer embarazada o a la vieja primero", continua, "asegúrate de que todos se sientan a escucharte. Es un terrorista en su mentalidad, pero también en su actitud", concluye un exaltado Tom Hardy acerca de la personalidad del personaje. 

Pero no sólo por su persolanidad resulta amenazador el personaje de Bane. Su embargadura, su forma de moverse, su voz y, especialmente, su máscara: "Quería que fuera como un animal" explica la diseñadora de vestuario Lindy Hemming. "Con colmillos hacia arriba y hacia abajo". Pero Bane no lleva la máscara porque sea amenazadora, sino porque sin ella no podría respirar: "Se lesionó cuando era más joven. Sufre una serie de dolores y necesita la máscara para respirar.  Las tuberías pasan por la línea de la mandibula y se alimentan de los botes de detrás. Los anestésicos", confirma Hemming. 

Por suerte no habrá que esperar hasta el estreno de la película en Julio de 2012 para ver algo más del personaje. Según se ha informado a los medios, el día 16 se lanzará en Estados Unidos el primer trailer oficial del filme (junto al también esperado primer avance de El hobbit). Y apenas unos días después, el equipo de márketing de Warner lanzará el prólogo del filme junto a las copias en Imax de Misión Imposible:Protocolo Fantasma: "El prólogo lo constituyen básicamente los primeros seis o siete minutos de película", asegura Nolan. "Es la presentación de Bane y un apunte de lo que será el resto del filme". 

Así que queda confirmado. al igual que El Caballero Oscuro el prólogo servía para presentar al Joker, en esta nueva entrega, presentarán al temible personaje de Tom Hardy, Bane. Pero, ¿cómo consigues que un actor tras una máscara resulte tan expresivo y amenazador? Pues en parte como lo hiciera Hugo Weaving en V de vendetta, con una gran interpretación: "Tom Hardy tiene esa increible disyuntiva entre la expresividad de su voz y la tranquilidad del movimeinto de su cuerpo", afirma Nolan. "Ha encontrado la forma de interpretar un personaje enorme y poderoso con una especie de calma en todo ello, pero es increíblemente rápido en ocasiones. Impredecible". Y a pesar de todo, Batman (Christian Bale) le sigue impresionando. "Sí que resulta intimidante", conlcuye Tom Hardy. "Hay una parte de mi que dice Dios mio, es Batman. Y me va a pegar. Pero luego me miro en el espejo. y se la devuelvo. El doble de fuerte". 

lunes, 21 de noviembre de 2011

La década de los 70: diez años, diez películas (Parte II)


La semana pasada comenzamos haciendo un repaso a las películas más importantes del cine de terror de los setenta. Esta semana seguimos avanzando por la década para ver qué ocurrió en los siguientes años.

1973. El exorcista
Fue en el setenta y tres y a partir de la película de El Exorcista cuando los efectos y el maquillaje se convirtieron en una tendencia indispensable para el género. Quizás hoy en día hayan quedado muy atrás debido a los avances tecnológicos, pero en la década de los setenta aquella muñeca de latex de tamaño real que giraba su cabeza por control remoto impresionó a más de uno; al igual que aquellos vómitos hechos de sopa de guisantes hizo que se le revolviera el estómago a buena parte del público. Sea por los efectos o no, El exorcista es sin duda la película más importante de 1973.Considerada un clásico de la cinematografía mundial y un fenómeno cultural, ha sido una de las películas del cine de terror que más dinero ha generado (por no decir la que más), además de ser una de las pocas que ha gozado de gran aceptación tanto por parte del público como por la crítica. Esto le valió diez nominaciones a los Oscar y otras siete a los Globos de Oro; de los cuales se llevo dos y cuatro respectivamente.

Pero, aparte de entrar en la lista de películas indispensables, también figura en la lista de películas malditas; con un rodaje tan lleno de accidentes que tuvieron que llamar en varias ocasiones a un cura para que bendijera el plató. El terror que genera el filme va más allá de la pantalla ya que, por lo visto, una decena de personas relacionadas con la película murió. Ni si quiera España se libró de dicha maldición cuando en el estudio de doblaje se les cayó el techo encima. Dejando esto al margen, si nos quedamos con El Exorcista es sin lugar a dudas por su gran cantidad de escenas que han pasado al salón de la fama de la historia del cine. Desde aquella inspirada en un cuadro de 1954 de René Magritte en la que se ve al padre Merrin llegar a la casa bajo la tenue luz de una farola. Hasta la escalofriante escena en la que Regan baja las escaleras de aquella manera que más de una generación recordará para el resto de sus vidas. Por no mencionar una impresionante banda sonora que a día de hoy todavía nos pone los pelos de punta.



1974. La Matanza de Texas
Un año más tarde de que El Exorcista hiciera gritar a la población mundial, Tobe Hooper hizo que temblara (e incluso vomitara) en las salas de cine. Aún a día de hoy, La matanza de Texas causa escalofríos gracias a una ferocidad y suciedad fuera de lo normal. Siendo una mezcla entre película de carretera, película adolescente, película de caníbales y película de asesino en serie; se ha ganado con creces un hueco en esta lista. El inconfundible personaje conocido como “leatherface” ya forma parte de la iconografía cinematográfica gracias a esa motosierra con la que se ha alimentado las pesadillas de medio mundo. A parte, destacan los planos abiertos y alejados de los personajes que crean aún mayor angustia en el espectador creando una inquietud permanente que muy difícilmente se ha podido llegar a imitar. Todo esto, junto con el sublime final en el que Sally se libra por los pelos, hacen del filme una verdadera obra de arte.



1975. Tiburón
Ya era difícil que el nombre de Spielberg no apareciera en esta lista. Mientras el cine se seguía nutriendo de asesinos y criaturas sobrenaturales, nuestro amigo Steven se dedicó a aterrarnos en el setenta y cinco con un simple y feroz Tiburón. Basada en un best-seller, ha sido considerada como uno de los “momentos claves” de la historia del cine. Su tensión climática se sostiene a lo largo de todo el filme con una intensidad inigualable; en parte gracias a un montaje sublime y a una galardonada banda sonora que acentúa los momentos claves para crear los puntos culminantes. Spielberg utilizó la cámara de forma innovadora como nunca antes se había hecho consiguiendo así el que sería su primer gran trabajo de éxito mundial. Quizás muchos la consideren más cine de aventuras que no de terror, pero lo cierto es que más de una escena nos puede hacer saltar del susto o provocarnos cierto pavor; por no decir un incontrolable miedo a meternos en el agua que hasta el mismo Spielberg sufrió tras el rodaje de la película.

domingo, 20 de noviembre de 2011

Domingo en serie: Spoilers de la quinta de True Blood


Nuestros amigos de Sensacine publicaban esta semana spoilers sobre la quinta temporada de True Blood, que se estrenará en el verano de 2012. La quinta temporada de la serie de la HBO se centrará en los hombres lobo y los vampiros otra vez. Joe Manganiello, que interpreta a Alcide Herveaux, ha reconocido que los hombres lobo tendrán muchísimo protagonismo. "Oh, Dios... Ni siquiera puedo esperar a que se estrene", ha explicado. "Es increíble que estén ocupadísimos en contratar a una nueva manada... Este año va a ser como una serie de hombres lobo... ¡Estoy como loco!".

Entre los licántropos que visitarán Bon Temps en la nueva temporada se encuentran la madre del fallecido líder de la manada, Marcus -se llamará Annie y será interpretada por Dale Dickey (Super 8); una bellísima y joven mujer lobo llamada Rikki, y un musculoso cincuentón que responderá al nombre de J.D., el padre hasta ahora nunca visto del señor Herveaux. "Quizá no sea como la gente espera", adelanta Manganiello sobre su progenitor en la ficción. "El padre de Alcide aparece en la quinta novela de Charlaine Harris... Si aparece o no, dependerá de Alan Ball". En el lado vampírico, por otra parte, Lucy Griffiths (Robin Hood) interpretará a la hermana de Eric (Alexander Skarsgård).

sábado, 19 de noviembre de 2011

Loveless Zoritsa: Siguen los oscuros cuentos de hadas


Crna Zorica, cuyo título internacional será Loveless Zoritsa, es un film serbio que nos traerá un cuento de hadas que ha sido dirigido por Radoslav Pavković y Christina Hadjicharalambous. Si hace un par de días nuestra nueva colaboradora, Olvia Fall, hablaba del resurgir de historias y personajes propias de los cuentos, centrándose en el personaje de Blancanieves y sus múltiples reinvenciones para el próximo año, hoy le toca el turno a otra historia que parece salida de los cuentos infantiles, aunque con un toque más oscuro.

Zoritsa es una joven aldeana con una extraña maldición, desde que su primer amor fue arrastrado de forma misteriosa por el rio, los hombres de su alrededor se mueren de manera extraña. Los habitantes la llaman “the kiss of death”. El caso está en manos de Mane, un joven policía recién llegado de Belgrado para trabajar temporalmente en el pueblo maldito. Mane no cree en semejantes historias, pero no tardará en tener que enfrentarse a un grupo de habitantes armados y contestar a la crucial pregunta ¿Es Zoritsa una asesina o tan solo una chica que añora el amor?


viernes, 18 de noviembre de 2011

Cookies on the Net - Sitges 2011 - La realidad nos mata


El artículo que van a leer a continuación fue publicado originalmente en

Aunque ha pasado ya un mes desde que lo escribiera, creo que resulta interesante volver la vista atrás porque cuando uno está dentro de la vorágine del Festival, resulta casi imposible asimilar todo al imparable ritmo al que todo se mueve en Sitges.

SITGES 2011 – La realidad nos mata

Escribo estas líneas mientras en Pacha Sitges, a escasos minutos del Meliá, aun corren litros de alcohol mezclados en sangre. Desde el aeropuerto más cercano y con un ligero aroma a tequila aun carraspeando en la garganta, me siento a repasar lo que ha supuesto esta 44 edición del Festival Internacional de cine fantástico y de terror de Cataluña.

Si una cosa queda clara es que el certamen funciona no sólo como muestra, sino también como cantera para futuros realizadores. El Festival de Sitges es al cine de género lo que La Masía al Fútbol Club Barcelona. Si uno atiende a los discursos de los invitados (ya se trate de los premiados en cada gala, de quienes presentan sus filmes fuera de competición o de grandes estrellas invitadas) la frase más repetida es, sin duda, “es un honor estar en este Festival porque hace años que vengo por aquí”. Uno llega a enterarse de curiosidades dignas de contar, como que el propio Ángel Sala, actual director del Festival, fue chofer de Bryan Singer hace la nada despreciable cifra de dieciocho años, cuando el director de X-Men 1 y 2 pisó la tierra donde King Kong lanza avionetas contra el mar cada Octubre.

Paco Plaza, Jaume Balagueró, Kike Maillo, Alex de la Iglesia… La gran mayoría de invitados son asiduos al Festival, viejos conocidos que desde que sus padres se lo permitían (o incluso antes), han mamado cine de género gracias al Festival. Los nuevos talentos, los directores que presentaban sus primeros cortometrajes, los voluntarios, los espectadores, la prensa… Sitges es una pequeña gran familia en la que casi todo el mundo se conoce con el paso del tiempo. Y es que son muchos días (que siempre se quedan cortos), muchas horas (de trabajo, pero también de fiesta) y noches muy largas. Baste de ejemplo decir que los más madrugadores del sábado quince de Octubre se encontraron varios zombis retirándose a sus oscuros y mugrientos aposentos tras una noche larga, larguísima que comenzó en el Edificio Miramar y que concluyó en los bares de la calle Dos de Mayo a horas cercanas al amanecer, siempre previo paso por la fiesta en la playa de Sitges con una temperatura envidiable.



Como algunos compañeros calificaban, se nota los periodistas que cubrimos al máximo el certamen y lo damos todo, pues conforme pasan los días se nos reconoce fácilmente: Pegados a las latas de Red Bull, con ojeras tipo zombi y un concurso (aun) no oficial de camisetas frikis. Por cierto, que una de las pocas redactoras jóvenes que pululaban por allí, novatilla aventajada que ha visto despertar en sí el lado más freak, lanzó una propuesta para futuras ediciones que es, cuanto menos, interesante: concurso de miss (y mister, para no ser sexistas) camiseta friki mojada. Y es que los pasillos del Meliá, las filas frente al Auditori y la propia sala de prensa son un desfile continuo de camisetas freaks. Señor Ángel Sala, queda lanzada de forma oficial la propuesta.

Este año ha sido el primero en que la dirección ha fomentado la interactividad con el público y la prensa, a través de la realización de post screenings en los que el equipo del filme presentaba la película en el Auditori tras la proyección (ya sea con Verbo, Intruders o la Master Class de Nacho Vigalondo). Un intento de acercar aun más el certamen al público que irá creciendo en próximos años.

Y cuando aun no se había recogido la alfombra roja a las puertas de entrada del Auditori, los asistentes ya estábamos pensando en el año próximo. Porque está claro, cada vez más, que Sitges tiene un encanto especial, un aroma a cine, celebración, fiesta y buen rollismo que engancha. Uno no sabe si es la magia de pueblo, la humedad de sus playas o el fantástico público. Lo que está claro es que ver a la gente reír, asustarse, saltar y aplaudir en el cine no tiene precio. Sentarte a ver una película junto a un J.A. Bayona resoplando ante la violencia o junto a Leticia Dolera y Paco Plaza disfrutando de la película del amiguete Jaume Balagueró, es simplemente genial.

Descubrir que las zombis de Sitges están cada año más buenas, que Paco Cabezas está cada día más loco (y más majo, si cabe, a pesar de irse a Hollywood a rodar su próximo proyecto) y encima disfrutar de avances exclusivos como el tráiler de [REC]: Génesis que no podrá verse en los medios hasta Diciembre, son alicientes que uno no puede por menos que empezar a añorar en cuanto abandona el Auditori tras la Clausura.

Cada año salgo del Festival habiendo disfrutando como un enano y con, (al menos) una película que se que formará parte imprescindible de mi colección de DVDs. Este año la elegida ha sido Drive, aunque Intruders o Extraterrestre, de Vigalondo, lucharon mucho por conseguirlo. Y yo, como todos los asistentes, cuento ya los días para volver. Porque, como rezaba el eslogan de este año: "La realidad nos mata".

jueves, 17 de noviembre de 2011

La Otredad: Aguanieves


La otredad no debería ser algo novedoso por estas tierras: el raro, el extraño, el excluido que procede de otra dimensión o planeta campa a sus anchas por los géneros del fantástico y el terror. Aun así, dentro de los parámetros de lo ajeno existen criaturas aparte, hijas del olvido y lo estrambótico, curioso matrimonio. Pero menos teoría y más carne: ¿a qué huele el asado de cuentos de hadas que no para de girar en los hornos internacionales (¡y también patrios!? ¿No desprende todo refrito un olor a chamusquina? ¿Quién concluyó que Kirsten Stewart era la más salada del reino para aderezarlo? 

Las mentes pensantes de la ABC se aferraron al principio de los tiempos y las historias, y agitaron a los creadores de "otros" en el monumento televisivo Lost junto con el folclore feérico más naif. Once upon a time, en antena desde finales de octubre, ha conseguido con sólo cuatro capítulos mantener una audiencia que desbanca a alternativas de supuestas referencias culturetas (no se ha sabido explotar la premisa de Christina Ricci azafata en Pan Am, pero ése es un cuento en el que no puedo detenerme aquí). El resultado es una hija bastarda de Lost, Twin Peaks, Hércules, Xena y cierto esquema de juego Cluedo. ¿Quién mató a Blancanieves? No, no es tan grotesco (y excitante): ¿quién es quién en ese pueblecito de Nueva Inglaterra donde los personajes de cuentos de hadas se han convertido en personas corrientes? La idea no es mala, pero la factura final desprende una aureola de efectos especiales cutrefactos, propios de los Grandes Relatos que programaba Telecinco, y los guionistas han trazado la detective más accesoria en años (sí, en años) y han rebautizado al Príncipe Encantador como James. ¿James? ¿pero Blancanieves no era un cuento de raíces germanas?

El ansia del público USA por historias blancas con final feliz recortándose en el horizonte ha propiciado que la apuesta de la NBC, Grimm, apenas haya conseguido atención. En la línea de Supernatural, un detective descendiente de los Grimm debe masacrar criaturas diabólicas que realmente pueblan nuestro mundo. Bla y bla: seguramente el Rumpelstiltskin de Once upon a time haya obrado sus malas artes sobre la competencia, volviéndola repetitiva y grisácea. Nunca Robert Carlyle inspiró tanta grima (ha-ha). 

¿Afectará esta fiebre desmedida a los dos proyectos cinematográficos enfrentados, que estos días han estrenado tráiler? Segunda Blancanieves: Kirsten Stewart (que pareció prometer algo bueno en la notable Adventureland [Greg Mottola, 2008]) aporta su arsenal de parpadeos y músculos enclenques para argumentar por qué es la más bella del reino en Snow White and the Huntsman (Rupert Sanders, 2012). ¿He leído bien? ¿Charlize Theron, la madrastra más glam, siente celos de esa palomita? Pero la incógnita inquietante no es ésa: ¿de verdad Viggo Mortensen, tras la espantada, era reemplazable por Chris Hemsworth? Algo no cuadra. Necesito un detective de hadas. 

Y, por último, tercera Blancanieves: Mirror, Mirror (2012), el dudosísimo proyecto que se traía en secreto Tarsem Singh hasta el tráiler revelado ayer mismo y que demuestra un ligero aroma a cinta de Acción de Gracias, humor irreverente estilo Stardust (Matthew Vaughn, 2007) y disfraces marca Björk. Yo tengo fe en el genio visual de Singh, aunque me preocupa que tras una obra tan personal, extenuante e inigualable como The Fall (2006) esté poniendo su espejo mágico al servicio de (huecas) bellezas ajenas. Aunque hay algo totalmente subversivo y socarrón en Julia Roberts como pérfida madrastra: la eterna diva, a punto de rozar el estatus de Norma Desmond; la bella rencorosa y abrazada a un semi retiro, la eterna otra reclama su trono. Esto me lleva a la versión más freak, a la Blancanieves de Pablo Berger, muda, rodada en blanco y negro y en la que Maribel Verdú encarna a una madrastra de mantilla. ¡Eso sí es una bruja malvada: es Maria Dolores de Cospedal, leches!

martes, 15 de noviembre de 2011

La década de los 70: diez años, diez películas (parte 1)



Como en todo, en el cine de terror ha habido décadas más prolíficas que otras. Y como en todo, esto dependerá del punto de vista desde el cual se mire, o lo que es lo mismo, de la subjetividad del que opine. Pero cuando millones de espectadores de todo el mundo y miles de críticos de distintas épocas están de acuerdo, algo debe de significar. Así, en la década de los setenta las grandes pantallas se llenaron de verdaderas obras maestras que cambiaron el cine de terror para siempre. Diez años, cientos de películas, cada una de ellas con su propia historia y sus propias características y dignas de mención. Pero puesto que es imposible abarcarlas todas, me he tomado la libertad de escoger una película por año. Aún siendo consciente de que me dejaré en el saco más de una joya, aquí tenéis lo más indispensable de los años setenta.

1970. Sombras en la oscuridad
Para todos los amantes de los vampiros 1970 fue un año clave. La mayoría de los títulos que se lanzaron ese año llevaban algún chupasangre como protagonista, desde el internacional y conocido Drácula que volvía gracias a los estudios Hammer, hasta vampiresas “made in Spain” de la mano del fantástico Jesús Franco. El cine de terror estaba repleto de colmillos de calidad; pero nosotros nos quedamos con Sombras en la oscuridad por varias razones. La primera de ellas es que es la adaptación a la gran pantalla de la famosa serie de culto de terror norteamericana de los años sesenta. El mismo Dan Curtis, creador de la serie, se puso a la cabeza del rodaje con un resultado óptimo, dotando al filme de gran agilidad, majestuosos primeros planos, un gran juego de sombras expresionistas y, sobretodo, un clima inigualable. Si bien el argumento puede ser algo simple y nada novedoso, la atmósfera que se crea para el mismo supera con creces a la mayoría de las obras de la época. La mansión que se presenta resulta totalmente siniestra rodeada de un mar de árboles y con grandes espacios que se vuelven terroríficos a lo largo de todo el filme metiéndonos en un aura que roza lo gótico.



1971. La naranja mecánica
En el setenta y uno, a diferencia del año anterior, comenzó a experimentarse mucho más con el cine de terror, dejando atrás los vampiros, muchos demostraron que los asesinos psicópatas volvían a estar de moda, como fue el caso de El abominable Dr. Phibes, inspirada en las películas de espectaculares asesinatos de los años sesenta. Mientras tanto, Steven Spielberg ya se hacía notar en el género con El diablo sobre ruedas. Pero si hay una película que marcó 1971 y aterrorizó de una forma nunca antes vista al público fue La naranja mecánica. Kubrick se valió de un horror cotidiano, mucho más real que el que cualquier criatura fantástica podría generarnos, que marcaría la época. Una obra maestra que ha sido estudiada hasta la saciedad, tanto por su impecable técnica como por su rama psicológica que abarca desde el psicoanálisis y el conductismo hasta el más puro condicionamiento clásico. Quizás sea una de las películas que mejor nos recuerda que lo que más debemos temer es la crueldad de la propia raza humana, perfectamente reflejada y de una violencia explícita que a más de uno ha escandalizado.



1972. La última casa a la izquierda
Adorada y odiada a partes iguales, La última casa a la izquierda es el largometraje que Wes Craven presentó en 1972 y de la cual hace dos escasos años se hacía un remake. Siempre ha sido destacada por su hiperviolencia y brutalidad, aunque a día de hoy esto podría ser una exageración. Seguramente el impacto que provocó en el público fue debido a la sensibilidad que vivía la población estadounidense a causa de la guerra de Vietnam y de hecho, para poder entender bien la película, debemos tener en cuenta este contexto social. Aún así, estoy totalmente convencida de que la extrema violación que acontece en el filme ha causado más de un trauma. Una escena pesadamente larga que posiciona al espectador en pro de la venganza que se llevará a cabo. Quizás es esta escena la que ha llevado a muchos a afirman que Wes Craven, a pesar de continuar con una filmografía dentro del género, nunca ha vuelto a ser tan macabro.


lunes, 14 de noviembre de 2011

La sangre es la chispa

“La sangre es la vida”. Esta frase, pronunciada por el Conde Drácula en la inmortal novela de Bram Stocker, es probablemente una de las más célebres asociadas el género vampírico. Irónicamente, parece que en los últimos años este género, en su sentido más puro, está más cerca de la muerte que de la vida. Baste con recordar la saga sentimentaloide para quinceañeras de Crespusculo, la interminable ristra de parodias de humor facilón (Lesbian Vampire Killers, Vampires Suck, Transylmania) o el resto de producciones que pasan por cartelera sin pena ni gloria (Daybreakers, Priest, Noche de Miedo). Por supuesto que hay excepciones (ese estupendo remake de la aún más brillante Déjame Entrar), pero son desafortunamente escasas.

Algo similar ocurre en el mundo de los videojuegos. En un momento en el que los zombis dominan el sector más oscuro del ocio electrónico, los chupasangres han quedado relegados a un inmerecido olvido sin prácticamente ningún título reseñable en esta generación… o casi. Sucker Punch nos tenía guardada una pequeña sorpresa para la nueva franquicia de éxito exclusiva de Playstation 3; hablamos, por supuesto, de Infamous 2.
El título del hasta ahora único DLC del juego, ya disponible para descargar a través de la Playstation Store, lleva por título Festival de Sangre. En un giro completamente inesperado, Sucker Punch ha apostado por fusionar la mitología vampírica con el universo electrizante de Cole, dando lugar a una pequeña aventura que (eso sí, para no asustar a los fans) no forma parte del canon oficial. En el juego nos encontramos en un Nuevo Marais infestado por estas criaturas, en el que para más inri el héroe Cole MacGrath ha sido mordido. Para poder salvar a la ciudad y a su propia alma de la amenaza de los no muertos, Cole dispone de sólo veinticuatro horas para encontrar a la vampira líder y matarla.
En primer lugar, hay que decir que con los referentes antes mencionados, es de agradecer el enfoque más adulto y serio del género que se nos ofrece en este DLC. Como bien indica su título, en Festival de Sangre no sólo nos empaparemos de hemoglobina (destacando el momento en que mordamos a humanos para consumir su sangre, que saldrá a borbotones de la herida), sino también una decente cantidad de nuevas misiones, personajes y enemigos (incluyendo murciélagos monstruosos), si tenemos en cuenta que se nos ofrece unas tres o cuatro horas de entretenimiento.
Como Cole vampirizado dispondremos de nuevas habilidades, de las que destacamos dos. Por un lado, la posibilidad de convertirnos a voluntad en una nube de murciélagos, lo que nos permitirá movernos rápidamente de un lugar a otro. Por otro, la posibilidad de usar la “visión vampírica”, con la que podremos encontrar secretos ocultos de cualquier otra manera, y detectar a vampiros haciéndose pasar por humanos. Además, dependiendo de nuestra moral personal, podremos recuperar energía bien mordiendo a inocentes y succionando su sangre, o bien empalando chupasangres al más puro estilo Buffy Cazavampiros. La elección es nuestra, ya que no afectará de ninguna manera a la jugabilidad.
A pesar de su corta duración, Festival de Sangre es un DLC que recomendamos a todos los fans de la saga Infamous. Con un estilo más siniestro y cuidado de lo que uno podría esperar, los seguidores pronto se darán cuenta de que aquí hay más donde “hincar el diente” de lo que parece a simple vista, así que ¡buena caza!

viernes, 11 de noviembre de 2011

Rare Exports se estrenará en España en Diciembre


Vértigo Films ha confirmado que durante el próximo mes de diciembre, aunque la fecha definitiva se conocerá en los próximos días, estrenará en España Rare Exports, Un cuento gamberro de Navidad, debut en el largometraje del finlandés Jalmari Helander. Esta película, todo un éxito en su país de origen, fue producto del éxito de dos cortometrajes previos escritos y dirigidos por el propio Helander: Rare Exports Inc. (2003) y Rare Exports Inc. 2 Safety Instructions (2005).

Además, Rare Exports: A Christmas tale fue la gran triunfadora del Festival de Sitges en su edición 2010, donde logró los galardones a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Fotografía.

En el filme, las prospecciones que realiza un grupo de científicos en un pueblo del norte de Finlandia están alterando el ánimo de los lugareños. El pequeño Pietari será uno de los primeros en darse cuenta que algo extraño se está tramando. Su curiosidad le llevará a descubrir el terrorífico origen de uno de los personajes más populares de la navidad: Papa Noel.

jueves, 10 de noviembre de 2011

Clip bestia de Inmortals



Lo vimos hace unos meses en pantalla grande, durante la celebración del Empire Presents Big Screen, junto a otros clips y avances que demuestran que la película va a ser un entretenimiento de primera. Se estrena en diciembre.

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Elijah Wood se volverá loco en el remake de Maniac


Aunque para muchos siempre será Frodo, el pequeño y sufrido hobbit de El señor de los anillos, Elijah Wood parece confirmarse como el protagonista principal del remake de Maniac, una película que cuenta la historia de un asesino en las calles de Nueva York. Mata a mujeres brutalmente, se lleva sus cabelleras y las expone en maniquís en su apartamento. Es su único contacto con el mundo exterior hasta que conoce a una guapa fotógrafa. Pero ¿puede un maníaco cambiar para formar una amistad? 

En esta nueva versión de la historia, el protagonista trabaja en una tienda de antiguos maniquís. Mata como resultado de una mente psicológicamente destrozada por los abusos de su propia madre, encontrando víctimas en internet. Una sinopsis muy prematura pero de la que seguro irán surgiendo más detalles en el futuro.

Conviene recordar que a pesar del gran éxito de la trilogía de Peter Jackson, Wood ya ha interpretado a un maníaco sangriento en Sin City, así que no será la primera vez que lidie con su lado más oscuro y sádico. 

lunes, 7 de noviembre de 2011

Ingredientes para el cine de serie B ochentero


Seguramente existan en todos los pueblos y ciudades del mundo, cada una con sus propias historias, mitos y leyendas. Se trata de las casas encantadas, tema recurrente a lo largo de la historia del cine de terror que, seguramente, tuvo su mayor apogeo a principios de los ochenta. En esta época, grandes directores se valieron de este recurso escenográfico y argumental para situar a sus personajes. Ejemplo de ello son El resplandor (1980) de Kubrick o Poltergeist (1982) de Hooper. Pero no todas las obras de los ochenta a tomar en consideración fueron grandes producciones de Hollywood, el cine europeo de serie B también se sirvió de esta temática con éxito. Es el caso del italiano Lucio Fulci, quien con un bajo presupuesto rodó en 1981 Aquella casa al lado del cementerio.

El argumento del filme gira en torno a la investigación que lleva a cabo Norman Boyle del extraño suicidio de su compañero, el científico Dr. Peterson. Todo lo que se conoce al principio de la investigación es que Peterson se trasladó al viejo caserón de Nueva Inglaterra junto a su amante para investigar a su antiguo dueño, el Dr. Freudstein (algunos dicen que el nombre surgió de la fusión entre Freud y Frankenstein); aunque esta investigación acabó prematuramente porque Peterson mató a su amante y se suicidó. Ahora Norman y su familia son los que ocuparán la casa para averiguar qué pasó verdaderamente.

A esta extraña historia basada en una serie de muertes e investigaciones, hay que sumar el peculiar modo de dirigir que tenía Fulci. Su cine nunca fue convencional, dedicándose más a crear escenas y momentos, renunciando a la lógica para colocar a sus personajes en el lugar que quería en el momento que le convenía. Esta película no fue ninguna excepción. No sabemos si a la hora de rodarla Fulci decidió dejarse el guión en casa (y se inventó las situaciones en pro de la imagen deseada) o si el guión ya carecía de sentido alguno cuando fue escrito. 

Muchos le acusarán de crear escenas de la nada, de sus penosos actores, de que el giro final deja mucho que desear o de unos ya decadentes efectos especiales incluso para la época. Los más quisquillosos podrían hasta resaltar lo cutre que puede resultar utilizar como sonido ambiente de la noche unos lobos aullando. Pero otros apreciarán que el prescindir de un guión está al servicio de una sucesión de escenas sin sentido, con personajes que aparecen y desaparecen, con el fin de hacer cine en su estado más puro creando imágenes que resultan aterradoras. Destaca también la forma de matar gente que tiene Fulci, sirviéndose de la violencia explícita que en muchos momentos roza el gore gracias a los litros de sangre que se vierten a lo largo de la película, combinado con un suspense bien repartido y unos cuantos sustos fáciles. 

Seamos de una opinión o de otra, lo que queda claro es que Aquella casa al lado del cementerio tiene todos los ingredientes esenciales de una película de terror ochentera: una gran casa lúgubre y oscura, un cementerio, zombies, personajes fantasmales, murciélagos, asesinatos y hasta un niño con cierto aspecto diabólico e inquietante que acaba resultando de lo más aterrador; y es que, como decía Fulci, “no sabemos si los niños son monstruos, o si los monstruos son niños”.

domingo, 6 de noviembre de 2011

Capcom, la máquina tragaperras (Parte 2)


Como explicábamos la semana pasada, Capcom sigue la máxima de "Lo quiero todo, lo quiero ahora". La política de sacar el máximo partido económico a sus títulos estrella, llegando a límites insospechados, le ha valido a la compañía el apodo de “Crapcom”, popular tanto entre sus detractores como entre sus fieles más críticos (un juego de palabras entre Capcom y “crap”, que significa literalmente “mierda”). En los últimos años, probablemente las licencias que más estén sufriendo esta práctica sean precisamente sus juegos de terror. Capcom promete hacérnoslo pasar mal, pero ¿se refería a esto?

Terror para el bolsillo: Resident Evil y Dead Rising

Por una parte, a principios de este año descubrimos la intención de la compañía de relanzar dos clásicos de la saga Resident Evil para las consolas de esta generación; más concretamente, Resident Evil 4 y Residen Evil: Code Veronica. Los fans se frotaban las manos pensando en las mejoras gráficas que encontrarían en los “remakes”. Quien sabe, puede que hasta aparecieran nuevos modos de juego, o jugosos extras inéditos hasta ahora. En su lugar, nos encontramos exactamente con los mismos juegos, cuya única diferencia radica en que los relanzamientos son en alta definición (y teniendo en cuenta que los años no perdonan, uno se plantea hasta qué punto ésto mejora la experiencia). Un varapalo para los fans, que esperaban algo más a cambio de volver a pagar por títulos que llevan ya demasiados años ocupando un hueco de sus estanterías.

Por otro lado, tras la buena acogida de Dead Rising 2 (2010), los fans auguraban el nacimiento de una franquicia fructífera que podía dar mucho de sí. Capcom, en cambio, debió ver en Dead Rising a la nueva gallina de los huevos de oro, porque menos de un año después de la salida de la secuela ya anunciaba ese Dead Rising: Off the Record, del que os hemos hablado anteriormente. Con este “nuevo” título, se ofrece la posibilidad a los fans de la saga de jugar con Frank West (el carismático protagonista de Dead Rising) los acontecimientos vividos por Chuck Greene en Fortune City (la ciudad principal en Dead Rising 2).

Claro que en Off the Record encontramos una zona nueva (ese parque de atracciones Uranus), nuevas armas, personajes y un survival mode, pero ¿no podría haber aparecido todo esto como contenido DLC a precio reducido? (baste con recordar lo que hizo Rockstar con aquellos magistrales Episodios de Liberty City que siguieron a GTA IV). Por supuesto que no, si es posible sacar más por menos.

En definitiva, Capcom se ha acabado convirtiendo en la compañía del dinero rápido por la ley del mínimo esfuerzo. Con una cantidad de revisiones y contenidos descargables abusivos en constante crecimiento, el saco es cada vez más grande. ¿Acabará la avaricia por romperlo? Sólo el tiempo lo dirá, aunque hay que admitir que si la compañía sigue en los altares del Olimpo japonés de los videojuegos, es porque las ansias de nuevo contenido de sus incondicionales son tan grandes como su codicia. Ese “Lo quiero todo, lo quiero ahora” es, a fin de cuentas, una pescadilla que se muerde la cola.

Domingo en serie: "Debra fucking" Morgan

sábado, 5 de noviembre de 2011

Nuevas imágenes de [REC]:Génesis y [REC]:Apocalypse

Según Dread Central, ésta primera imagen pertenece a los diseños de [REC]: Apocalypse. 


El resto de imágenes pertenecen a [REC]: Génesis

¿Qué estará viendo esta niña para tener esa carita?











There will be blood...



"¿No os habéis enterado? Pues vais a flipar..."

Frase del trailer proyectado en exclusiva en el festival de cine de Sitges:










Era el día más feliz de su vida...
Hasta que vinieron unos zombis y lo fastidiaron