Miguel Ángel Vivas: "Secuestrados no es una Torture Porn"

Este viernes 25 de Febrero se estrena Secuestrados, de Miguel Ángel Vivas. Pudimos verla en Sitges y desde luego no deja indiferente; una de las mejores propuestas del festival catalán. Apenas un mes después de verla en Sitges coincidí con el director en Madrid, durante un taller de guión en la Academia de Cine de las artes y las ciencias. Tras una clase magistral sobre la planificación en cine, pude entrevistarle con motivo de Secuestrados, una película que ganó los premios a mejor filme y mejor dirección en el festival de cine de Texas.

Planta 13: ¿Qué te atrajo de Secuestrados?

Miguel Ángel Vivas: La película surge de un miedo que creo que tenemos muchas personas. El miedo al asalto al hogar. Es un lugar sagrado con tu familia, tu pareja, o quien decidas vivir. Es tu vida. El trabajo forma parte de ella pero llegas a casa, te quitas los zapatos, la corbata y el mal día y todo lo malo desaparece porque ya estás tranquilo, seguro. Es donde está la gente que quieres. Asaltarte ahí es la mayor violación del individuo. En la calle puede pasarte de todo pero en casa no. En casa en teoría estas a salvo. Y la realidad hace que ahora ya no sea así, te asaltan en casa. Es el miedo a vivir esa experiencia y como me daba miedo quise indagar esos sentimientos y sensaciones.

P13: El terror de Secuestrados es un terror realista, como las propuestas de La casa muda, [Rec], Cloverfield… ¿Por qué esta tendencia?

M.A.V: No lo sé. No creo haber rodado este filme influido por una tendencia si no más bien por una necesidad personal. Sí es verdad que en los 60/70 estaba la tendencia de un terror documental (La matanza de Texas y otras muchas…) pero no creo que se pusieran de acuerdo. Sí existe esa tendencia de cine real ahora, tanto en temas como en la forma de contarlo. [Rec] es muy realista pero lo que cuenta es muy “carnavalero”. Eden lake, La casa muda, Secuestrados… No creo que ninguno de los directores lo hayan hecho a propósito sino que más bien han confluido.

P13: Como director, ¿qué diferencias plantea rodar una película en doce únicos planos secuencia?

M.A.V: Rodar en doce planos secuencia merece un toque de inconsciencia absoluta, de saber lo que haces pero no pensar en ello lo suficiente porque es una locura. Sabía que podía ser un batacazo. Era como saltar al vacío sin paracaídas. Sin embargo tenía esa necesidad de contarlo así. Sí es verdad que un proyecto nuevo, sin ser planos secuencia, también tiene unas dificultades muy fuertes. Lo bonito de Secuestrados es que encontré la mejor manera de contarla. La siguiente película no requiere planos secuencias pero necesito encontrar la planificación perfecta. ¿Dificultades a la hora de rodar? Todas. Fueron 3 semanas reales de ensayos (tras reuniones e improvisaciones. La primera semana ensayamos centrados en los personajes, trabajo de lectura de mesa, guión, análisis de qué y por qué pasa cada lo que pasa en cada secuencia… Eran discusiones e improvisaciones. La segunda semana fue más de cara a ensayar la puesta en escena y la tercera semana fueron ensayos con una mini cámara. Grabábamos la escena y así a la hora de rodar finalmente, el concepto de la película estuviera muy claro para todo el equipo. Ten en cuenta que la hemos rodado en dos semanas y no podíamos buscar o experimentar en el rodaje, teníamos que tener muy claro lo que estábamos haciendo en cada momento. 

Las siguientes líneas pueden contener spoilers sobre el final de la película. Marca con el ratón para leerlo:

P13: ¿Era necesario un final tan duro?
M.A.V: Creo que moralmente era el final que pedía la historia. En alguna versión de guión quisimos cambiarlo pero tampoco quiero desvelar mucho de ella. No cuento más para no reventar el final.

P13: ¿Quisiste alejarte de la porn movie?

M.A.V: Totalmente. Secuestrados no es una torture porn. No estamos en ese género. Yo lo que quería era contar una historia que enseñara unos acontecimientos, crear en el espectador la sensación de haber vivido esa experiencia. Mientras investigaba sobre el asunto le pregunté a familiares y amigos y todos me decían lo mismo. “No me puedo imaginar lo que debe ser eso” Y ese “eso” era lo que yo precisamente quería contar. Es un terror más psicológico porque la única secuencia un tanto gore de la película es la de la chica. Soy consciente de que el espectador continuamente rechaza la violencia casi con arcadas. El único momento en que la audiencia lo aprobaría, el único momento en que estará del lado de la violencia es cuando la víctima se venga por lo que le han hecho. Sabía que ahí podía exagerar hacia un grand guignol. No podía hacerlo antes porque el público se levantaría de la butaca y se iría. La película es violenta, sí, pero porque lo que describo es violento. Siempre busqué un equilibrio entre lo que enseño y lo que oculto. Lo que muestro y lo que exagero, que es sólo cuando ella se desahoga. La idea era muy catártica y me centré en la violencia sólo en ese momento.

P13: ¿Llevaste acabo algún tipo de documentación?

M.A.V: Me vi muchas películas pero curiosamente no vi Funny games, a pesar de que siempre la comparan con ella. Me he visto más de los Bardem, los Coen, cine francés para el realismo sucio, 4 meses, tres semanas, dos días y también Irreversible…. Más que nada para ver cómo habían llegado y por qué habían llegado otras personas a contar historias o propuestas similares.

P13:El personaje de Manuela Vellés es quizá el más duro de interpretar…¿Cómo trabajaste con ella para un papel tan fuerte?

M.A.V: Hay una fragilidad en su personaje que no tienen los demás. Yo he planteado los personajes de forma que la madre es una leona, hará lo que sea para defender a su manada (la hija). Al padre nos lo llevamos de la casa porque no hubiera dejado que pasara lo que tenía que pasar y por tanto hace todo lo posible para volver a la casa. Los dos están luchando por salvar a la hija. Si la madre sale de esta experiencia, ella nunca se recuperará. El padre tampoco. La única era la hija, de 18 años. Le costaría mucho pero podría llegar a tener una vida después de lo que le ha pasado. Si ella era la única que podría superarlo quise centrarme en que no fuera posible. Creo que su personaje es el más débil dentro de la familia y el espectador lo sabe.Trabajamos muchísimo con los actores para que todo lo que les pasara lo sintieran de verdad. Discutimos todas las secuencias a pesar de darles momentos de improvisación. A veces el guión decía que tenían que gritar y el actor sentía que no le salía la voz y no gritaba. Trabajamos los personajes y los compusimos a base de recuerdos de ellos mismos. La relación madre hija la planteamos a partir de fotos de ellas mismas y hablando de ello las unieron a su vida ficticia. Así los recuerdos reales de Manuela pasaron a formar parte de los recuerdos del personaje. Cuando están atacando a Isa quiero que el miedo y las reacciones de Manuela sean las que tendría ella en la realidad, que lo sienta y lo viva como si fuera de verdad. Por eso fue tan duro el rodaje, porque no tienes un personaje en el que te refugias. Tenía que conseguir que Ana quisiera realmente a Manuela como su hija para que se le salga el corazón por la boca, para que lo sientan de verdad y no tengan que fingirlo. Todos los ensayos, todas las improvisaciones las orientamos hacia ese objetivo.

P13: La principal herramienta para crear el ritmo de una película es el montaje. Si tienes doce planos secuencia, ¿cómo lo consigues?

M.A.V: Ese fue el reto más difícil y el que más miedo me daba. Obviamente el ritmo está en el tamaño de plano, la duración, el sonido… pero al final en el montaje decides qué subrayas, qué quitas, qué mueves adelante o atrás. Aquí no podíamos hacerlo y por tanto necesitaba un ritmo en la puesta en escena. Tenía que mirar con lo lupa cada momento y para ello decidí dejarme llevar por el instinto y confiar en el de los actores. Estábamos creando una secuencia pero no lo cronometraba todo. Sí que les daba algunas indicaciones para tardar más o menos en algo, pero ellos tardaban lo que tenían que tardar, las personas no son calculadoras. Así conseguimos entre todos montar la película de forma que el ritmo se montaba directamente en escena. Dura lo que inconscientemente yo creía que tenía que durar. Gracias a la cámara, la puesta en escena, el sonido... También con el uso de diferentes puntos de vista.

P13: Uno de los momentos más sorprendentes es el de la pantalla dividida. ¿Cómo surge esa idea?

M.A.V: Me había planteado la historia en planos secuencia y no podía traicionar esa idea. Sin embargo necesitaba el montaje paralelo clásico. Lo normal es tener dos espacios que confluyen en uno solo. Vamos montando entre ambos hasta que finalmente se unen un el mismo espacio. Después de darle mil vueltas decidí la pantalla partida para que fuera el espectador el que pasara de un lado a otro de la pantalla con la mirada. Hay un ejercicio de guión y puesta en escena en el que le digo al espectador dónde tiene que mirar en cada momento aunque él tenga total libertad. Quizá en el segundo visionado el espectador monte la película de forma diferente. Tú eres el montador de esa secuencia. Yo me puse la condición de los planos secuencia y no podía cambiarla. En el guión hay dos columnas para describir con todo detalle lo que ocurre en cada uno de los dos espacios que literalmente confluyen en uno solo. Quería que el abrazo fuera un clímax al unir las dos imágenes.

P13: Parece ser que se está preparando un remake en Hollywood. ¿qué sabes del proyecto?

M.A.V: La verdad es que el filme ha ganado en Austin, ha funcionado muy bien el American film Market y es una película que ha encontrado distribución internacional y se ha vendido a muchos países. Hay varias productoras interesadas en hacerla en inglés. Tenemos varias opciones pero no hay nada concreto así que no puedo decir mucho más por ahora.